Distrito 9 (District 9)

Hace veinte años apareció por los cielos de Johannesburgo una nave espacial en cuyo interior había un millón de desconsolados alienígenas. Se optó por crear justo bajo la nave una especie de ciudad campamento para prestarles ayuda, pero al final dicho lugar se convirtió en un gueto donde tenerlos hacinados y separados de la población humana: el llamado Distrito 9. Ahora se ha convertido en un problema, la mayoría de la gente no quiere tener cerca a "las gambas", así que se prepara un desahucio masivo a un campo que se encuentra a 200 kilómetros de la capital. Por otra parte son muchos los interesados en poder usar la tecnología militar alienígena, y están dispuestos a hacer cualquier cosa para lograrlo.

Producida, como ya sabréis todos, por Peter Jackson, director de la trilogía de El Señor de los Anillos, y dirigida por el debutante Neill Blomkamp (que se ha formado en el campo de los efectos especiales en series como Dark Angel, y también ha firmado un par de cortos de uno de los cuales partió la idea de su largometraje debut), quien también se encarga de escribir el guión junto con Terri Tatchell. Rodada con un estilo muy realista, similar en muchos momentos a un documental, Blomkamp ha apostado por realizar un film de ciencia-ficción diferente e innovador en muchos aspectos, comenzando por su estilo visual y pasando por su argumento, ya que no es la típica película de marcianos invasores; aquí son unos parias, unos marginados a los que nadie importa. En District 9 se pueden observar claros paralelismos con nuestra propia realidad, ya sea de hechos pasados (hechos fáciles de imaginar sabiendo que Blomkamp es sudafricano) como del presente, así como de algo que se cuenta en mil películas como es la condición humana, lo cruel que puede llegar a ser, y también su lado bueno.

Todo el reparto son desconocidos para la mayoría de los mortales (en algunos casos para todo el mundo excepto los sudafricanos), si acaso con una película que haya tenido distribución internacional, como es el caso de Jason Cope que participó en Doomsday – El día del juicio final o la modelo Vanesa Haywood que trabajó en Diamante de sangre. El protagonista principal, Sharlto Copley, es al parecer amigo del director, y también ha dirigido un largo. Por cierto, muy interesante el personaje de este último, Wikus es un tipo que no se sabe si odiarlo o admirarlo, ya que es capaz de lo peor pero también de lo mejor.

El diseño de las criaturas me ha parecido muy acertado, es muy agresivo, y aún así la expresividad que le han otorgado es más que notable. Sí que resulta más convencional el diseño de la mayoría de los artefactos, pero no por ello dejan de ser interesantes. Los efectos especiales son de bastante calidad, sobre todo teniendo en cuenta que el filme no cuenta con un gran presupuesto. Los efectos sonoros y la banda sonora también son destacables, de los primeros habría que subrayar el habla de los alienígenas.

District 9 es una de esas películas fantásticas con las que uno puede ver reflejada la cruda realidad, un film que te sumerge desde el principio hasta el final en los acontecimientos que narra, original en buena parte de su metraje, con muchas buenas ideas bien llevadas a cabo y algunas cosas por desarrollar (¿habrá secuela?). Merece la pena verla.


LO MEJOR:
-El arranque, y el estilo realista.

LO PEOR:
-Quizá a medida que avanza la trama se vuelve un filme más convencional, pero según mi punto de vista no pierde el más mínimo interés por ello.

¿Quién debería verla?
Si te gusta la ciencia-ficción te encantará, y si no seguro que te quedas con el trasfondo del argumento.

¿Por qué...
...no han traducido el título con lo fácil que lo tenían?


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Enemigos Públicos

Estamos en 1933, la Gran Depresión aún hace mella en la gente, la cual está asqueada con los bancos. John Dillinger y su grupo se dedican a atracar bancos por todos los Estados Unidos, pero nunca roban a sus clientes, esto hace que a los ojos de la gente sean casi héroes y que el gobierno inicie una guerra contra ellos encabezada por Melvin Purvis.

Michael Mann sigue la estela de Heat a la hora de rodar las escenas de acción y de Collateral respecto al uso de la cámara digital, y nos trae este biopic inspirado en parte de la vida del famoso (en su tierra) ladrón de bancos, y cuyo guión está basado en un libro escrito por Bryan Burrough. Mann firma un trabajo bastante decente, que a mí juicio no pasará a los anales de la historia, no es una obra maestra, pero si un buen filme, que funciona sobre todo a la hora de la acción, ya que los tiroteos están muy bien rodados, pero que se vuelve menos interesante en los momentos de calma, especialmente en los que están a solas Dillinger y Billie (la novia), cuya relación no me llegó a convencer en ningún momento (¿será por la falta de química de los protagonistas?).

Uno de los grandes atractivos de la película es sin duda su reparto encabezado por Johnny Deep (¿A quién ama a Gilbert Grape?) como John Dillinger y Christian Bale (Terminator Salvation) como el agente federal que le persigue; además tenemos a Marion Cotillard (La vida en rosa) que hace el papel de novia de Dillinger, Billy Crudup (Watchmen) como el jefazo del naciente FBI, y muchos más secundarios que no nombraré para no aburrir al personal.

Así pues, estamos ante una buena cinta de policías y ladrones, muy destacable en las escenas de acción, pero que no logra igual resultado en los momentos más intimistas, sobre todo en lo que se refiere a la relación entre Dillinger y Billie, la cual está desdibujada, y la química entre la pareja de intérpretes es casi nula.




LO MEJOR:
-Los tiroteos.
-La banda sonora.

LO PEOR:
-En algunos momentos del comienzo la cámara en mano resulta mareante.
-La falta de química entre Deep y Cotillard.

¿Quién debería verla?
Pues si eres de los que disfrutaron con filmes anteriores del director, como Heat o Collateral. Y también habría que añadir las múltiples fans de Deep, que seguro que con sólo verlo se quedan contentas ^^

¿Y quién no?
Si Michael Mann no es un director de tu gusto.


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The Sky Crawlers

Nos encontramos en una época indeterminada en algún lugar de Europa, dos compañías están enzarzadas en una guerra desde hace no se sabe cuánto. Para ello usan unos arcaicos aviones que sin embargo tienen la última tecnología, los pilotos de dichos aviones son prácticamente niños, pero no unos niños normales, sino que son kildren, muchachos que cual Peter Pan no crecen y cuyo único final posible es morir en la batalla. La historia comienza cuando llega un nuevo piloto a la base...

Mamoru Oshii es el director de este film bélico de ciencia-ficción, que se basa en una serie de novelas del escritor nipón Hiroshi Mori. Oshii vuelve a tocar los mismos elementos que en películas anteriores, aunque en ésta plantea algunos otros e interesantes temas, muy en su línea, con mucha metafísica y filosofía en general de por medio. Por un lado tenemos a los kildren, niños que no son exactamente niños, ya que podrían vivir una eternidad sin cambiar un ápice y por otro una guerra entre dos compañías (aunque al parecer existen más), en un conflicto que no se sabe cuándo comenzó, ni los motivos del mismo. En realidad si cuento mucho más puedo destripar cosas muy interesantes que se plantean, así que prefiero dejarlo así.

Técnicamente nos encontramos con un filme soberbio. Como ya nos tiene acostumbrados el director de Ghost in the Shell nos trae una mezcla de las 3D con la animación tradicional, en este caso los personajes están realizados con la última técnica mientras que casi todos los escenarios y maquinaria (especialmente los aviones) están realizados con animación por ordenador. Las batallas aéreas están magníficamente realizadas, algunas de ellas son de las mejores que he visto en cine de ese tipo (también es cierto que muchos films con batallas aéreas tampoco he visto; ahora me viene a la cabeza otro anime que tiene excelentes batallas: Macross Plus). Resulta sorprendente como en ocasiones uno duda (sobre todo en las escenas aéreas) de si los escenarios y aviones son animados o reales, no obstante, y aunque este tipo de escenas me han encantado las que más me han impactado y transmitido han sido las protagonizadas por los dos personajes principales, especialmente una que transcurre en el interior de un coche, y también otra en un despacho, ambas bien avanzada la trama. Realmente son dos momentos en los cuales el director y animadores han sabido transmitir toda una gama de sensaciones y sentimientos. Todo ello gracias en buena medida a una maravillosa banda sonora compuesta por el compositor habitual del realizador de Avalon, el siempre genial Kenji Kawai.

Magníficas batallas aéreas, un guión que no te da nada mascadito, unos personajes principales más que interesantes que evolucionan a medida que avanza la trama y una animación de indudable calidad es lo que nos ofrece The Sky Crawlers, una absoluta joya animada que requiere de nuestro esfuerzo para comprenderla en todo su conjunto.




LO MEJOR:
-Técnicamente es sobresaliente.
-Las batallas aéreas.
-El guión, obra de Chihiro Itou, tiene mucha chicha, a medida que avanza la trama nos va mostrando sus bazas.
-La banda sonora.
-Que se haya estrenado en cines, aunque vaya a ser en dos salas y por tiempo muy limitado.
-Las múltiples lecturas, es uno de esas películas que vas descubriendo cosas nuevas al verla de nuevo.

LO PEOR:
-Aunque no se hace lenta es bastante pausada, cosa que puede resultar un handicap para los menos pacientes y poco conocedores de la obra de Oshii.

¿Quién debería verla?
Los amantes de la animación y de la ciencia-ficción, y muy especialmente los fans de Mamoru Oshii.

¿Y quién no?
Mamoru Oshii no hace películas fáciles de ver, siempre requiere un esfuerzo por parte del público. Así que si eres de esos que prefiere no comerse el coco, mejor te vas a ver G-Force o similar.

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G.I. Joe

MARS la multinacional armamentística que vende el 70% (¿o era el 80?) de las armas del mundo, presenta ante la OTAN el arma definitiva a base de nanobots que devoran el metal. Pero el primer pedido de cuatro ojivas, que está custodiado por numerosos soldados, es atacado por unos misteriosos maleantes, mas en un último momento éstos se ven salvados gracias a unos también misteriosos bienhechores. Se trata de los G.I. Joe, un grupo secreto donde está la creme de la creme de los militares, científicos y fuerzas del orden mundial, los cuales, obviamente, se dedican a proteger el mundo de la devastación.

Basada en los muñecotes que Hasbro comercializó por vez primera en 1964, y dirigida por Stephen Sommers, conocido por ser el realizador de La Momia y su secuela así como de Van Hellsing, estamos ante una de acción con muchos efectos especiales y una historia muy entretenida aunque "very tipical".

Del elenco interpretativo destacaría la inclusión de Dennis Quaid, actor que desde que vi El chip prodigioso y Dragonheart (y también en otras producciones más "serias") me gusta, aunque también hay que decir que su papel tampoco da para mucho. El resto del reparto pienso que está más o menos acertado, sin duda alegrará la vista a los mozos y las mozas, y encima hay algún que otro cameo inesperado.

No sé vosotros, pero yo soy uno de esos que hace ya unos añitos disfrutaba como un enano (nunca mejor dicho) viendo las andanzas de los G.I. Joe ("Lli Yoe", ejejjee) contra los malos, el Comando Cobra (jejjeje, me encantaba cuando gritaba siempre uno de los malos "cobraaaaaaa" con una voz de pito xD ), por lo que ese es el principal motivo que me ha llevado a ir al cine para ver la versión en carne y hueso. Y lo cierto es que he disfrutado de esas dos horas de efectos especiales, persecuciones espectaculares, peleas entre el ninja negro y el ninja blanco, y también del sentido del humor. Aunque evidentemente no estamos ante una película que haya que verla con muchas expectativas, puesto como apuntaba arriba su argumento no es precisamente original, hay que ir con la clara idea de que es un producto de consumo rápido, para pasar 118 minutos de desconexión cerebral, sin ser demasiado crítico.



LO MEJOR:
-Las escenas de acción, los efectos, el sentido del humor...
-El estilo de Sommers, que a mí siempre me ha parecido un buen ejemplo de director de cine evasivo.

LO PEOR:
-Los flashback. Al menos como están metidos en la trama, a mí al menos no me convencieron la mayoría.
-La historia, aunque mucho más quizá no se pueda hacer teniendo en cuenta la base.

¿Quién debería verla?
Cualquiera que en su día disfrutara de la serie de dibujos (o los juguetes) seguro que se divertirá con esta película.

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Shin-Chan se ha quedado huérfano

Yoshito Usui, creador del famoso personaje, ha "estirado la pata". ¿Qué cómo es eso? Teniendo en cuenta que tenía 51 años y que, supongo, llevaba una dieta típicamente japonesa y una vida tranquila en su querida Kasukabe, no fue por un infarto, sino por un despeñamiento. Al parecer se resbaló mientras hacía senderismo y cayó por un acantilado, lugar donde un senderista vio el cadáver algunos días más tarde de que denunciaran su desaparición (que fue el 11 de septiembre).

 

Realmente es una auténtica pena, yo soy todo un seguidor de las aventuras del travieso niño que ideó la cachonda mente de Usui y la verdad es que la noticia me ha sorprendido (bueno, me sorprendió más la de su desaparición, ya que lo de la muerte se veía venir) y ciertamente jodido. Como suele ser lo típico en estos casos, como consuelo y recordatorio tenemos sus historietas, la serie de dibujos, las pelis... Pero para su familia seguro que es un vago consuelo.

Hipocresía/Hambre

En realidad la intención que tengo con esta entrada es hablar de política o algo que se le parezca, pero ciertamente que en estos momentos no sé qué escribir. Recuerdo que hace unos días viendo las noticias me indigné con algo, pero no me viene a la cabeza qué era ese algo. Creo que era con un caso muy curioso con el que se ve claramente la hipocresía de Rajoy y el PP en general, me refiero al caso de Benidorm, donde algún que otro tránsfuga le puede dar la alcaldía al PSOE y todas las críticas y amenazas que le han venido por parte del primero: que si no se reúnen para el pacto contra el transfuguismo, etc, etc... Y esto lo dice el líder del partido que tiene 24 ayuntamientos gracias a tránsfugas, y cuando se le recuerda dicha cifra simplemente elude realizar comentarios al respecto (aunque de aquí hasta que publique estas líneas algo, he de suponer, que habrá hablado).

Por cierto, cambiando de tercio, según la ONU a día de hoy hay algo más de mil millones de personas que pasan hambre, y unos quince millones están en el "primer" mundo. No es una cifra muy halagüeña, y es que al parecer las ayudas no son las esperadas, habiendo muchos países que han recortado éstas debido a la crisis. De los seis mil y pico millones (no sé si de dólares o euros, para mí que de los primeros) que estaban estimados necesarios no se ha llegado a los tres mil, por lo que es evidente que la comida necesaria no está llegando a todo el mundo, y eso que la FAO prevé que en 2025 se logrará acabar con el hambre... Permitidme que muestre mi incredulidad, según mi parecer puede que el problema aumente, y no será la primera vez que pasa lo mismo, pues estoy seguro que eso de poner fecha al fin de la inanición se ha hecho ya en multitud de ocasiones. Y no me cabe la menor duda que el hambre no existiría en el mundo si el comercio fuera justo, porque excedentes de alimentos los hay todos los años, y no un par de toneladas; sólo hay que ver como hace pocos días unos ganaderos regaban varios campos con cisternas repletas de leche para protestar por los bajos precios de la misma (para ellos, claro, porque al consumidor nos la cobran a precio de oro en no pocas ocasiones). He aquí el gran logro del Libre Mercado, que muchos pasen hambre para que otros se enriquezcan, que se establezcan aranceles abusivos, que las explotaciones en Europa estén sobre subvencionadas, que dichas subvenciones hagan que África (y otros tantos) se asfixie aún más, vendiendo sus productos a precios irrisorios para así poder competir con los precios de aquí, y nosotros, por supuesto, pagando el producto mucho más caro. Una cosa que ayuda es comprar productos de Comercio Justo, que por suerte ya se puede ver en algunos hipermercados (Alcampo, por ejemplo), consumir productos ecológicos también ayuda, aunque claro, ambos son más caros que los productos convencionales.

Y bueno, al final he escrito sobre un par de cosillas bastante difrentes y que resultan interesantes. Así lo espero al menos ^^

El Castillo Ambulante

Desde el oscuro sótano de una biblioteca escribo estas líneas un mes después de mi última entrada, para así satisfacer a mís ávidos fans de que escriba algo. Y heme aquí que os regalo una especie de crítica de una gran peli. Espero que os resulte interesante.

***

Sophie es una jovencita insegura que trabaja hasta bien tarde en la sombrerería de su difunto padre. Un buen día yendo a visitar a un familiar un apuesto joven la salva del acoso de unos soldados, no obstante dicho joven resulta ser un mago al cual persiguen unas horribles criaturas comandadas por la Bruja del Páramo. Dicha bruja no ve con buenos ojos el trato que le ha dado el mago a Sophie, por lo que le echa a ésta una terrible maldición que la obligará a internarse en los páramos para así buscar el modo de romperla.

Basada en la obra de Diane Wynne Jones (que en España ha editado Berenice), en un principio iba a ser dirigida por Mamoru Hosoda el cual ha realizado entre otras obras una película de Digimon y el exitoso largometraje animado The Girl Who Leapt Through Time, pero debido a discrepancias con el estudio acabó haciéndose cargo Hayao Miyazaki el cual, como nos tiene acostumbrados, firma un trabajo más que excelente.

El Castillo Ambulante es uno de los films de Miyazaki que con más ganas he revisionado. La primera vez que lo vi me gustó, no obstante me quedó un regusto un tanto amargo, ya que esperaba que me asombrara tanto como lo hizo El Viaje de Chihiro; no obstante cuando más tarde la he vuelto a ver en varias ocasiones me he quedado absolutamente embelesado, me ha atrapado la historia, los personajes que pululan por ella, la increíble belleza de las imágenes, he visto más allá de lo que había visto la primera vez, comprendido todo (o casi) lo que no había entendido, o sea, he acabado encantado. Y es que pocos cineastas pueden sacar tanto provecho de una historia y de unos personajes como lo hace Hayao Miyazaki, no hay personajes maniqueos en sus filmes, todos tienen sus motivaciones, sus razones para realizar las acciones que realizan, ninguno es absolutamente malvado ni totalmente bueno, y por lo tanto la profundidad de los mismos dista mucho de la mayoría de los que se puedan ver en el cine de animación, y también en el cine de imagen real.

Técnicamente posiblemente estemos ante el filme más logrado de Miyazaki. La animación es perfecta, hay muchos planos en los que hay una cantidad enorme de personajes moviéndose en pantalla (los desfiles militares, las ajetreadas calles, el vuelo de Howl y Sophie sobre una plaza repleta de gente...). El diseño del castillo es simplemente genial, muy original, repleto de detalles, no es lo que sin duda uno se imaginaría al pensar en un castillo, así como su interior, mención especial a la habitación de Howl, repleta de objetos, joyas, juguetes, peluches, trastos de todo tipo agolpados en abigarradas marañas de desorden; desorden que nos aporta mucho sobre cómo es el mago, un tipo inmaduro e infantil, egoísta, pero que va cambiando a medida que un fuerte sentimiento crece en su interior (al igual que también evolucionan el resto de los personajes principales, como Sophie y la Bruja del Páramo). Cálcifer, el demonio del fuego, es sin duda el personaje más simpático, el que logra más sonrisas, y sin embargo también tiene su punto oscuro.

La banda sonora la vuelve a firmar Joe Hisaishi, y de nuevo ha compuesto una joya que potencia las imágenes, que transmite los sentimientos de los personajes, que logra erizar el vello al espectador. Simplemente sublime.

En definitiva, animación de alta calidad, un claro mensaje antibelicista (algunas de las escenas bélicas son realmente oscuras y asombrosas), personajes con multitud de matices, una banda sonora de ensueño y mucha imaginación hacen de El Castillo Ambulante otra joya de Hayao Miyazaki y del Studio Ghibli. Muy recomendable.

LO MEJOR:

-Todo.

LO PEOR:

-¿Demasiado compleja para un niño?

¿Quién debería verla?

Los fans del director de Mi vecino Totoro, además de todo el que guste del anime y de la animación en general, así como el buen cine.

Mis escenas favoritas:

Hay dos escenas que me gustan especialmente en esta película. Una es cuando Howl se enfrenta a Madame Suliman, y la otra cuando el primero tiene la pataleta a cuenta del tinte del pelo. Realmente dos momentos geniales.

La edición en DVD:
El DVD con el que me hice fue, por supuesto, la edición metálica de dos discos, cuya presentación es muy bonita (como casi todas las ediciones de Aurum), ya que además de que la imagen de la carátula está muy bien elegida, los brillos metálicos quedan la mar de molones, y encima en el interior también tiene una imagen del castillo de Howl. En lo que respecta a los extras, no es que sean muy abundantes, pero los que hay no están nada mal.

En el primer DVD tenemos el tráiler en español y un documental sobre la visita que realizó Miyazaki a Pixar, muy simpático ese momento en el que John Lasseter se encuentra con Hayao Miyazaki, y el pedazo de Totoro que le regala el segundo. En el disco dos tenemos un reportaje sobre la realización de la animación de castillo, tráilers y anuncios japones, y una entrevista a Diana Wynne Jones, autora de libro original; y otra a Pete Docter, director de la versión americana del film.

Leer critica El castillo ambulante en Muchocine.net

Anuncio a mis queridos lectores

Mis amados lectores:

Os informo, con pesar, que durante un tiempo indeterminado me será imposible actualizar tanto este blog como Efímeros Pensamientos (aunque en el segundo tengo unos maravillosos colaboradores que seguro que publicarán alguna que otra entrada de vez en cuando), así que pido disculpas a mis miles (qué digo, ¡millones!) de lectores si miran ansiosos cada día para ver si he actualizado y se encuentran con la cruda realidad: que no hay nada nuevo.

Sé que muchos de vosotros esperáis como agua de mayo cada nuevo post, que ansiáis ser informados sobre los últimos (y no tan últimos) estrenos cinematográficos, que necesitáis una luz que ilumine vuestra elección, necesitáis de veras este maravilloso blog. Y yo, de nuevo, os vuelvo a pedir mil disculpas.

Quizá en una o dos semanas vuelva a la carga, puede que dentro de un mes o incluso también puede ser que la cosa se demore más, pero sabed que yo no os olvido, que no olvido a mis seguidores, a mis adorados lectores (sí, también soy consciente que vosotros me idolatráis), y que me pongo a mí mismo por testigo que volveré a actualizar los blogs... algún día.


Abrazos amorosos.
Neovallense


PD: De hecho, esta entrada no la he publicado yo, sino una de mís fans que se ha prestado a ello. Para que veáis...
PD2: ¿Desde cuándo las compañías timofónicas se han vuelto tan eficientes en dar la baja? ¡Pues como me cobren agosto entero se van a enterar!

Serenity

La Serenity es una nave modelo Firefly cuya tripulación, capitaneada por Malcom Reynolds, apenas se gana la vida haciendo trabajillos, algunos de ellos de dudosa legalidad. Pero las cosas se les complica al tomar a dos nuevos pasajeros, el médico Simon y su hermana River, la cual es telépata; ambos son fugitivos de la poderosa Alianza, una confederación que abarca a más de treinta mundos. Y es que River tiene en algún lugar recóndito de su mente una información que podría hacer tambalearse a la Alianza, y por la cual tendrán que recorrer media galaxia, sorteando no sólo las tropas de la coalición, sino la de los enigmáticos y terribles Reavers, unos piratas antropófagos de origen desconocido.

Joss Whedon, creador de Buffy Cazavampiros y de su spin-off Angel, escribe y dirige esta cinta de ciencia-ficción basada en Firefly serie de su creación y que apenas llegó a los trece o catorce episodios. No obstante, y gracias en buena medida a la insistencia de los fans, logró realizar un largometraje basada en la misma. En éste mezcla muy sabiamente la aventura, el space opera y el western, creando una peculiar atmósfera y sin duda habiendo logrado crear un filme muy entretenido y digno, en la línea del último Star Trek (pero cuatro años antes y con muchos menos medios). Estamos pues ante un producto de ciencia-ficción clásico, sin pretensiones más allá de ofrecer cerca de dos horas de puro entretenimiento de calidad.

Técnicamente nos encontramos ante un film muy correcto en todos sus apartados, empezando por la magnífica fotografía y la ambientación de los distintos mundos, y terminando por los efectos visuales, los cuales llegan incluso a sorprender en alguna ocasión (las escenas cuando atraviesan el territorio de los Reavers, sobre todo la segunda que termina en una fantástica batalla espacial). La dirección de Whedon es más que correcta, de hecho considero que es una pena que este hombre no dirija más películas, ya que sin duda tiene talento e inventiva.

El reparto es básicamente el mismo de la serie más algún que otro añadido como secundario, siendo el casting realmente bueno. Cada actor encaja perfectamente en su personaje, destacando Nathan Fillion (La plaga) como el capitán Malcom, así como Summer Glau (Terminator: Las Crónicas de Sarah Connor) como River y Alan Tudyk (Destino de caballero) como el piloto de la Serenity. También tenemos a otros interesantes intérpretes, como Gina Torres (Matrix Reloaded y Revolutions), Adam Baldwin (El aviador), Morena Baccarin (Stargate: el arca de la verdad), o Sean Maher.

Aventuras, acción, buenos efectos especiales, humor e incluso algún que otro susto es lo que encontraréis en Serenity, todo un entretenimiento que merece que le deis una oportunidad, no os arrepentiréis.

LO MEJOR:
-El reparto.

LO PEOR:
-No hay nada negativo que sea destacable.

¿Quién debería verla?
Los fans de Joss Whedon, así como los aficionados al cine fantástico y a las space opera en particular.

La edición en DVD:

Me compré la edición especial de dos discos en caja metálica por un precio muy competitivo (no recuerdo exactamente, pero creo que estaba entre los 7 y los 9 euros), además de ser barata está muy bien de contenidos. Así, en el primer DVD, aparte de la película, tenemos varias escenas inéditas, tomas falsas, un reportaje sobre el proceso de adaptación de la serie Firefly, una introducción de Joss Whedon, audiocomentarios del director, entre otros extras. En el segundo DVD hay una sesión de preguntas al director, donde Whedon nos demuestra que tiene un gran sentido del humor y que es un tío simpático en general; escenas eliminadas, un paseo por la Serenity, y otros contenidos más que suman más de una hora y media. Un buen trabajo por parte de Universal.

Abara, de Tsutomu Nihei

Nos encontramos en un mundo (¿la Tierra quizá?) donde la gente malvive como puede apiñada en una caótica ciudad de extraños edificios, junto a unos antiquísimos, misteriosos y gigantescos mausoleos que nadie sabe a ciencia cierta el motivo de su existencia. Un día aparece una extraña criatura que acaba con cientos de vidas, es un shirogauna, una especie de monstruo con exoesqueleto blanco. Por otra parte Denji trabaja en una oleofactoría cuando una enigmática mujer va en su busca para pedirle ayuda, éste le pide que se vaya, pero al final decide actuar para acabar con la criatura, ya que él es un kurogauna, los antagonistas de los shirogauna. ¿Será la aparición del shirogauna un incidente aislado?, ¿o quizá sea sólo el comienzo de más apariciones?, ¿tienen que ver algo los mausoleos con estos hechos?

De la mano de Panini nos llega esta obra de Tsutomu Nihei, conocido por obras como Blame!, Biomega o Lobezno: Snikt! Esta oscura historia, de tan sólo dos tomos, nos sumerge en un mundo cuya estética sigue la línea de obras anteriores del autor, o sea, su dibujo es bonito pero sucio, grandes edificios de diseños imposibles (en el diseño de éstos y de los escenarios se nota la formación como arquitecto del autor); muy pocos diálogos y viñetas enormes, abundando las de una página, un uso bastante comedido de las onomatopeyas, atractivos personajes, criaturas horripilantes e incluso cómicas. O sea, que Abara tiene todos los ingredientes que han hecho de este autor uno de los más interesantes de los últimos tiempos.

La edición que ha realizado Panini es más que correcta, los tomos son más grandes que los normales, tienen sobrecubiertas y el papel es de calidad, bastante grueso. La impresión es muy buena, y el precio (9,95€), sin ser barato, es ajustado.

Abara es una compra interesante que seguro que gustará a los seguidores de Nihei y a todo el que guste de la ciencia-ficción e historias oscuras en mundos post-apocalípticos. El dibujo, como he comentado es muy bueno, la estética muy atractiva, y las batallas están muy bien creadas, aunque algunas viñetas resultan confusas. A pesar de que los diálogos son escasos y parcos el argumento atrapa, ya que el estilo de Tsutomu es muy visual, dice mucho a través de las expresiones de los personajes, sabiéndolos dotar además de movimiento. Una compra obligada para los fans del autor y muy recomendable para el resto de lectores del género.


LO MEJOR:
-El dibujo, la ambientación y estética.
-Que en el tomo dos se incluya la historia corta Digimortal.

LO PEOR:
-Algunas viñetas son confusas.

Up

Pete Docter (Monstruos, S.A.) y Bob Peterson dirigen la que es el décimo largometraje de Pixar, un filme arriesgado en buena medida, y no sólo porque su protagonista sea un abuelote.

Todo comienza en la infancia del protagonista de la historia, es aquí cuando vemos su fascinación por las aventuras. Un día de esos, tras salir del cine e ir fantaseando por las aceras escucha una voz femenina dentro de una casa abandonada, al entrar se encuentra con una niña charlatana como ninguna y con la que pronto hace migas. Pasan los años y sus ansias de aventuras siempre están ahí, pero por una u otra cuestión nunca puede llevar a cabo dicho sueño, hasta que la vejez le llega y se queda sólo y obligado a irse a una residencia de ancianos. Pero es demasiado testarudo como para dejar la casa que le vio envejecer y no cumplir cierta promesa, así que ni corto ni perezoso engancha cientos de globos a la misma y se echa a volar para emprender el tan anhelado viaje, pero puede que tenga algún polizón a bordo...

Esta película es la más madura de las que haya realizado el estudio de John Lasseter, tanto que quizá buena parte de su metraje producirá cierto tedio a algunos niños, ya que los temas que se tratan (el pasar de los años, la llegada de la vejez, la muerte...) son sin duda más adultos que a los que nos tienen acostumbrados. Pero precisamente por eso creo que es importante que los niños (y no tan niños) la vean, por el mensaje más o menos explícito que se puede extraer de ahí, además de porque es de indudable calidad dicha parte y el resto del film, que pasa de la comedia, al drama y luego a la aventura sin apenas darse uno cuenta.

Técnicamente es soberbia, realmente preciosa, sobre todo cuando sobrevuelan la selva donde se ven paisajes hiperrealistas. El "pero" está en el dato que siempre apunto en los films de Pixar, los seres humanos parecen muñecotes, sigue sin gustarme cómo los crean, con una piel que si acaso les ponen alguna peca o un poco de coloretes, o en el caso del abuelote algo de barba cana, o sea, falta realismo a la hora de crear a las personas. Sé que es cuestión de estilo, de marca de la casa, pero aún así es un detalle negativo según mi punto de vista. Muy buena también la banda sonora, compuesta por Michael Giacchino, compositor que cada vez está más solicitado.

Up es sin duda otra gran obra de los estudios Pixar, quizá no sea tan redonda como Ratatuille (que por ahora es el filme que más me ha gustado de dicho estudio) y puede que tampoco llegue al nivel de Wall-E (aunque quizá ésta sea algo más irregular a lo largo de su metraje), pero aún así sigue siendo mucho mejor en casi todos los sentidos de productos animados que pretenden gustar a todo tipo de público y que se venden como originales, y al final sólo nos traen más de lo mismo (y no quiero mirar a DreamWorks).




LO MEJOR:
-Que el protagonista sea un abuelo.
-Técnicamente es brillante.
-Que se hayan atrevido a hacer una película de animación sobre la vejez.

LO PEOR:
-No sabría decir por qué, pero no es redonda, le falta algo.

¿Quién debería verla?
Si te gustaron las películas anteriores del estudio seguro que también disfrutas con ésta.

¿Y quién no?
Al menos parte del metraje puede no gustar al público más infantil (y al poner "infantil" no me refiero sólo a los niños...).


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Arrástrame al infierno

La historia de Arrástrame al infierno (Drag me to hell) gira en torno a una joven comercial que trabaja en una sucursal de un banco, ésta tiene un novio maravilloso, su jefe la tiene en el puesto número uno (de una lista de dos) para ascender a subdirectora, vive en una gran y bonita casa de madera y tiene un gatito la mar de cuco, o sea, que la vida parece sonreírle en casi todos los aspectos, salvo en el hecho que la suegra (siempre hay una suegra de por medio en las pelis de terror, si no, no darían tanto miedo) no parece que le caiga en gracia debido a sus orígenes humildes. Un buen día se ve obligada, si quiere ascender, a no concederle la rehipoteca por tercera a una pobre y desamparada anciana que da yuyo nada más verla y que no se va del banco muy amistosamente que se diga. Más tarde tiene otro encuentro con dicha abuela (un encuentro realmente genial, por cierto, repleto de humor negro y de más de un susto) y tras él es tal la inseguridad de la joven que decide pasarse por un vidente. Lo que éste le cuenta no es halagüeño, pues al parecer ha sido maldita, y si no consigue romper dicha maldición en tres días alguien vendrá a reclamar su alma.

San Raimi vuelve después de la trilogía de Spiderman, y antes que la cuarta parte de ésta y de la adaptación del videojuego World of Warcraft, y nos trae esta pequeña joya que es Arrástrame al infierno, un film donde el terror y el humor negro (escatológico en ocasiones) son la nota predominante, o sea, que vuelve a sus orígenes, a aquellas producciones de serie B (aunque ésta es más bien serie A disfrazada de B) que tantos admiradores (y detractores) le granjearon. Y es que desde el mismo prólogo (magnífica escena, por cierto) nos queda bien claro a qué tipo de película nos vamos a enfrentar, y ciertamente no decepciona. Raimi consigue meter miedo, inquietud e incluso angustia en el cuerpo, el uso del sonido (incluida la banda sonora) y de las sombras son elementales para lograr la atmósfera de tensión, de que algo desconocido persigue a la protagonista y la sensación que por más que huya no logrará escapar.

El elenco de actores, todos ellos prácticamente desconocidos, es otro punto para el filme, desde la protagonista Allison Lohman (Beowulf, Gamer) y su novio, Justin Long (La jungla 4.0), hasta el vidente (Dileep Rao), la médium (Adriana Barraza) y la propia anciana "desvalida" (Lorna Raver), hasta el director de la sucursal, David Paymer (Payback) que quizá sea la cara más conocida del filme ya que es un habitual secundario en filmes hollywoodienses; pasando por su rival en el ascenso, Reggie Lee (Prison Break). Todo el elenco logra darle credibilidad a sus personajes, destacando especialmente la protagonista y Lorna Raver, que sin duda me parecen excelentes para sus respectivos papeles.

En definitiva, Arrástrame al infierno es perfecta para aquellos que disfruten con una buena película de miedo, para nostálgicos de Posesión infernal y otros filmes gamberros de los ochenta, y aún más, es una advertencia a los banqueros para que no jodan a sus clientes todavía más xD


LO MEJOR:
-Que Raimi haya vuelto (aunque sea por un periodo corto de tiempo) a su cine más gamberro y con la única pretensión de divertir.
-El prólogo y la escena del aparcamiento.
-Su final no sorprende, pero aún así mola.
-La nómina de intérpretes.

LO PEOR:
-Nada

¿Quién debería verla?
Todo el que disfrute de una buena peli de género.

¿Y quién no?
Si la escatología no es lo tuyo quizá este filme tampoco lo sea, aunque tampoco es que sea muy escatológica.


Leer critica Arrástrame al Infierno (Drag me to Hell) en Muchocine.net

Millennium Actress

Genya Tochiba es un fan absoluto de Chiyoko Fujiwara, actriz retirada años atrás. El primero se reúne con la segunda para realizarle una entrevista que incluirá en el documental que está haciendo sobre ella. A través de dicha entrevista Tochiba descubrirá la verdadera motivación de Chiyoko a la hora de hacer películas, su búsqueda incesante e incansable de un desconocido para devolverle una llave, la búsqueda de su verdadero amor.

Satoshi Kon dirige y guioniza, esto último junto a Sadayuki Murai, este filme de animación que mezcla realidad y ficción, y que nos cuenta la historia del personaje protagonista a través de sus películas, en las cuales se recorren mil años de historia de Japón. Millennium Actress (Sennen Joyû) no es sino un film que narra de forma un tanto atípica una historia de amor, una forma de contar la historia que sin duda no es desconocida para todo aquel que haya seguido un poco el trabajo del director de Perfect Blue y Tokyo Godfathers entre otras. Y es que la confusión (y mezcla) entre la realidad y la ficción (u otros realidades) ya se daba en trabajos como su guión para uno de los fragmentos de Memories, así como en obras posteriores, como puede ser Paprika (donde el mundo de los sueños y la realidad se mezclan de forma literal) o Paranoia Agent.

En Millennium Actress, mientras Tochiba realiza la entrevista a Chiyoko éste se ve inmerso en lo que acontece a la actriz, desde el encuentro con el desconocido hasta el despegue de la nave espacial, de hecho es tal su inmersión que al final él mismo se "mete" en lo que va narrando Fujiwara tomando diferentes papeles de salvador. De dicho modo Genya irá descubriendo muchos detalles que ignoraba sobre la vida y personalidad de la actriz que tanto venera, y ésta también sobre su entrevistador.

Como bien podréis adivinar no nos encontramos ante una película animada típica, de hecho ninguno de los films de Kon lo son. No obstante, y como he apuntado antes, su estilo es inconfundible, ya sea por el diseño de los personajes (en ellos se nota la enorme influencia que ha ejercido Katsuhiro Otomo sobre él), o sobre todo por esa tendencia deliberada (como él mismo ha afirmado en más de una entrevista) a mezclar fantasía y realidad en sus argumentos.

Pese a lo dicho Millennium Actress es en el fondo una hermosa y triste historia de amor, de la búsqueda del mismo y de los propios sueños, de que quizá no sea lo más importante el destino, sino el camino que recorremos para llegar hasta él (o no).

LO MEJOR:
-La animación, el diseño de personajes, la dirección...
-La banda sonora, obra de Susumu Hirasawa.
-El guión (y el sentido del humor).

LO PEOR:
-El estilo de Kon quizá no sea digerible por todo tipo de público.

¿Quién debería verla?
Quien guste de cine de animación de calidad.

¿Y quién no?
Aquí me remito a "Lo peor". El estilo de este autor es bastante particular, por lo que hay un sector del público que quizá no lo encaje.

La edición en DVD:
Selecta Visión fue la que se agenció los derechos de este filme, y no desaprovecho para sacar buenas ediciones. Con la que yo me hice fue con la Edición Coleccionistas limitada y numerada, aprovechando una oferta en un evento manganime. La película está presentada en una bonita caja contenedora de cartón con diversas ilustraciones, además contiene dos postales con imágenes del film y una ilustración numerada y firmada por el autor (no de puño y letra, sino que es una reproducción, obviamente), el extra fuerte en lo que refiere a merchandising es el librito sobre el director escrito por Ángel Sala, con el que podremos conocer más profundamente la filmografía del ya desaparecido Satoshi Kon así como su particular estilo.

Respecto a los extras de los DVD, en el primero de ellos nos encontramos con audiocomentarios de Ángel Sala, fichas técnicas y artísticas y tráilers de otros títulos. En el disco dos se encuentra un Making of de 45 minutos de duración, el tráiler internacional, datos de producción (equipo técnico y actores de doblaje, premios, etcétera), entrevista al director y al guionista, entre otros contenidos.

La carta

Muy señor mío,

Le escribo esta misiva desde su estudio en Orfordsheild para comunicarle que su divina señora ha caído en un estado neblinoso del que ningún doctor parece capaz de sacarla. Ninguno de los múltiples médicos (los mejores de este y todos los condados aledaños) que la han examinado han sabido decir qué le ocurre, ninguno se ha atrevido a administrarle tratamiento alguno, ya han venido incluso varios curanderos ofreciéndonos ayuda pero les he echado a patadas antes de darles tiempo siquiera a darse cuenta de ello.

Señor, permítame decirle lo que pienso. Su señora no tiene ningún mal que pueda curar la medicina moderna ni tampoco los ritos arcaicos, su enfermedad está alojada en el centro de su ser: en el corazón. Desde que se fue usted hace ya más de un año su salud no ha ido sino empeorando, su piel se volvió más pálida, apenas tenía apetito, dejó de dar su paseo de las tardes por los jardines y al final cayó enferma. Desde hace más de una semana su estado pasó a ser el actual, no reacciona ante nada y nadie, le tenemos que forzar para que beba algo de agua y sopa, jamás cierra los ojos, los cuales permanecen fijos en el techo de la alcoba.

Le pido, le ruego, que por favor vuelva lo antes posible, nada más leer estas líneas. La señora le necesita, le hace falta su calor y compañía para poder salir de la nada en la que está sumida.

Un sincero y afectuoso saludo,
Alfredo

El viaje de Chihiro

Chihiro es una niña de 10 años un tanto malcriada que está sufriendo el hecho que se han de mudar de casa. De camino a su nuevo hogar su padre se pierde y acaban topando con una vía sin salida, aunque con la sorpresa de encontrarse con un túnel en mitad de la nada. Al atravesarlo se encuentran con una vasta pradera salpicada por algunos edificios, desde ellos les llega a los progenitores de la niña unos deliciosos olores, a los cuales son incapaces de resistir a pesar de las quejas de Chihiro. Pronto encuentran una barra repleta de exóticos manjares, que no dudan en comenzar a devorar a pesar de que no se ven los dueños del establecimiento. Chihiro, enfadada, se va a dar un paseo llegando a un puente muy alto, allí se encuentra con un joven que le conmina a que se vaya, que no puede estar en ese lugar; lo obedece sin comprender y viendo como las sombras empiezan a dominar el paisaje. Al avisar a sus padres se da cuenta que sin duda la actitud del chaval no era por nada, pero ya es demasiado tarde para huir. Posteriormente Haku, que es le nombre del chico del puente, la ayudará a sobrevivir en tan extraño lugar, un lugar donde le es imprescindible trabajar para la bruja Yubaba si quiere volver a su mundo y salvar a sus padres.

Hayao Miyazaki sorprendió allá por el 2002 ganando el Oso de Oro en la Berlinale, ex aequo con una película tan realista como Bloody Sunday de Paul Greengrass, también consiguió el Oscar al mejor film animado, y con ello el reconocimiento definitivo en occidente al trabajo de este genial cineasta.

Todavía hay muchos que se niegan a quitar las etiquetas al cine de animación, que siguen pensando que una película de dibujos animados no puede tener una historia interesante, que su público no tiene porqué ser exclusivamente infantil. No fueron pocos los que al escuchar el fallo del Festival Internacional de cine de Berlín se llevaron las manos a la cabeza, ¿cómo podía ganar un largometraje de "dibujitos" el premio principal de un certamen tan importante? La respuesta es sencilla, El viaje de Chihiro no es una película de animación cualquiera, Hayao Miyazaki no es un cineasta cualquiera, no trata a su público como a enanos idiotas, y sus filmes siempre ganan con revisionados, tal suelen ser sus lecturas.

El viaje de Chihiro es de principio a fin un deleite para los sentidos. Para la vista porque todo el metraje está impregnado de una imaginación y fantasía desbordantes, porque es luminosa y oscura, por el diseño de los personajes, por la cantidad de detalles que tienen los escenarios, porque su animación es simplemente excelente. Para el olfato porque la escena del supuesto Díos Pestilente casi se puede oler, es sin duda de las mejores y cuando la acción comienza a ir in crescendo no dejando al espectador momento para apartar la mirada de la pantalla. Para el gusto por la escena de la comilona de los padres de Chihiro y también la de Sin Cara, a los tres su apetito voraz les trae consecuencias nada agradables. Para el oído por la magnífica banda sonora de Joe Hisaishi, una obra maestra absoluta, una música virtuosa que pone los vellos de punta y que acompaña a las imágenes de forma perfecta (la escena del viaje en tren y la del descubrimiento del nombre completo de Haku son maravillosas).

El viaje de Chihiro no es sólo una de las mejores obras de Miyazaki, también es una de las mejores películas de animación de todos los tiempos, imprescindible para todo el que ame el cine.

LO MEJOR:
-La música, el guión, la dirección, la animación... Todo.

LO PEOR:
-Quizá haya un momento que el ritmo decae, pero no tarda mucho en volver a alzarse.

¿Quién debería verla?
Es un tipo de cine que es muy difícil que no guste, por su historia y por la forma en la que está narrada.

¿Y quién no?
El que tenga tantos prejuicios sobre el cine animado que no vea más allá de sus narices.

El dato:
Es la película más taquillera de la historia de Japón, habiendo recaudado 29.900 millones de yenes.

La edición en DVD:
La (casi) extinta Jonu Media fue la que se hizo con la jugosa licencia de este film, y lo cierto es que la aprovechó mucho, más aún así otras decisiones no tan acertadas le hicieron caer en el limbo. Como os podréis imaginar, me compré la edición especial de dos discos (la primera que editaron), que fuera parte los extras de los discos tiene merchandising, como un libreto con la sinopsis del film, una entrevista a Miyazaki, notas de producción, etc.; también incluye varias postales y un póster doble, y como detalle la carátula es reversible.

En el primer DVD, junto con la película, podemos encontrar un tráiler de cine, spots de televisión y promos de otro títulos; en el segundo DVD tenemos ficha de personajes, álbum de Chihiro, bocetos, diseño de personajes, escenarios, un jueguecillo, cómo se hizo el doblaje, Jonu Media en el salón (este extra bastante pobre), un extra oculto bastante curioso y simpático, entre otras cosas. La mayoría de los contenidos son material gráfico, se echa en falta alguna entrevista al realizador o un Cómo se hizo.

Transformers: La Venganza de los Caídos

Corría el verano de 2007 cuando vino a caldear la taquilla de medio mundo la adaptación cinematográfica de unos muñecos transformables muy famosos que a su vez dieron pie a varias series de animación. Por vez primera vimos en imagen real la eterna lucha de los Decepticons contra los Autobots, y aunque el resultado distaba de ser de calidad les salió un producto entretenidillo.

Dos años después Michael Bay vuelve a estar tras las cámaras de lo que es la secuela directa de dicho film y, como viene siendo habitual, en ella todo es "más": más robots, más explosiones, más gags malos, más presupuesto, más metraje, más efectos especiales y más Megan Fox. El resultado no es una obra maestra, pero sí que es muy divertido.

La sinopsis de Transformers: La venganza de los caídos bien podría ser ésta: Dos años después de los acontecimientos acaecidos en Transformers los Autobots trabajan junto al gobierno de los Estados Unidos para dar casa a los Decepticons que quedan, mientras que Sam Witwicky (Shia LaBeouf) intenta llevar una vida normal y corriente, iniciando una carrera universitaria e intentando mantener una relación a distancia con su novia Mikaela (Megan Fox). Pero a pesar de todo su destino está marcado, y no podrá evitar aunque le pese la persecución de los Decepticons, los cuales quieren una información que tiene, y que podría llevar a la destrucción de la humanidad.


Transformers: La venganza de los caídos no arranca especialmente bien, y es que el sentido del humor es un tanto fallido siendo los chistes cada cual más tontorrón y ciertamente la mayoría con poca o nada de gracia, pero la cosa va remontando poco a poco, exactamente cuando ya está en la universidad y los acontecimientos obligan al protagonista a salir por patas. A partir de dicho momento nos encontramos ante una montaña rusa de acción, efectos especiales, persecuciones y explosiones a porrillo, dejando poco tiempo de respiro al espectador, o sea, Michael Bay sigue fiel a su estilo y nos ofrece todo eso además de sus habituales movimientos de cámara, de muchas luchas entre robots enormes y la cámara colocada a dos metros de los mismos, por lo que todo aquel que disfrute con su peculiar estilo videocliptero sin duda disfrutará del film que nos ocupa. Aunque es bien cierto que en alguna ocasión podría ahorrarse algunos movimientos de cámara y planos de dos segundos, pero sobre todo el hecho de estar tan cerca la cámara de la acción hace que a veces el espectador no haga otra cosa que marearse y no ver realmente lo que acontece. Eso sí, queda muy espectacular.

El diseño de los transformers sigue siendo tan bueno como la primera parte, más recargados que en la serie de animación, pero bastante vistosos. Los nuevos transformers también cumplen, ya sea la aparición del primer Decepticons (en una persecución realmente asombrosa) o el mastodóntico Devastator (con un par de gónadas y todo), así como los transformers más antiguos, si bien el diseño de éstos últimos así como de ciertos artefactos que utilizan me recuerdan a lo visto en Final Fantasy: La fuerza interior.

Los efectos de sonido de este filme me encantan, reutilizan algunos de Transformers y añaden muchos más. El sonido al transformarse los robots, cuando se mueven éstos, las explosiones, y un largo etcétera realmente hacen de este apartado uno de los más destacados de la película.

La historia y el guión no son especialmente buenos, pero encajan con el espíritu de las series animadas, cosa que incluso se agradece en algunos momentos y que sin duda gustará a los fans de las mismas.

Transformers 2 tiene los mismos defectos que la primera parte y más virtudes que la misma, haciendo sin duda que sea un entretenimiento en toda regla, a pesar de su larga duración no resulta pesada, su espectacularidad, los buenos efectos especiales, las peleas y persecuciones hacen de ella un buen producto para pasar un rato agradable y divertido, tanto que se le perdona que el argumento no esté muy trabajado y los abundantes tópicos de los diálogos.


LO MEJOR:
-Los efectos especiales y de sonido, especialmente estos últimos.
-Megan Fox, en su faceta de florero bonito.
-La forma en que se cargan medio Egipto.

LO PEOR:
-El sentido del humor, sobre todo del comienzo de la película.
-El guión es bastante simplón y endeble, aunque cumple con su cometido.
-Lo gemelos Autobots.
-No tiene mucho sentido el uso que hacen los Decepticons de los progenitores del prota.

¿Quién debería verla?
A los que le gustó la primera les encantará esta, los que no disfrutaron con ella es posible que sí lo hagan con ésta.

¿Y quién no?
Si no te va el cine made in Michael Bay ni se te ocurra verla (aunque supongo que no hace falta que te lo digan).

La pregunta:
¿De dónde demonios saca Megan Fox una venda en mitad del desierto y tras un repentino y accidentado viaje?

¿Y la tercera?
Yo no me lo acabo de creer, pero he leído que Michael Bay está harto de tanto robotejo y efecto especial y que su próximo filme quizá no sea Transformers 3 y sí algo más pequeño y sosegado.

Abuelo

No era una persona perfecta, nadie lo es, pero era un buen hombre.

Sus últimos días no fueron felices. Su vida fue dura, tuvo que luchar mucho para sacar su familia adelante.

Sus ojos eran vivaces, su sentido del humor un tanto peculiar. Cada vez que contaba sus vivencias era una mezcla de humor y drama, pues aunque contara hechos difíciles de su vida siempre les daba un tamiz de ironía.

No tuvo suerte en muchos aspectos, algunas personas muy allegadas a él no se comportaron en sus últimos meses como deberían, cuando él se merecía amor le dieron desprecio, cuando se merecía que lo cuidaran lo ignoraron... No todos lo hicieron, desde luego que muchos le apoyaron, le mimaron y le demostraron que de verdad para ellos él era alguien importante, alguien a quien querían de todo corazón.

Descanse en paz por siempre. Sé feliz allá donde estés ahora.

Los mundos de Coraline

Henry Selick se convirtió en un director a la sombra de su productor con Pesadilla antes de navidad. Desconozco si este hecho le afectó, pero que la mayoría de la gente alabara más a Tim Burton que a él mismo siendo el que dirigió la obra debió cuanto menos sentir poco reconocido su trabajo.

Más de diez años después y tras un par de trabajos más (James y el melocotón gigante y Monkeybone) vuelve con otro filme de animación stop-motion, o sea, fotograma a fotograma, el primero de su estilo rodado en 3D.

Basada en la novela homónima del escritor y guionista Neil Gaiman, Los mundos de Coraline da comienzo cuando una peculiar familia se muda a una casa alejada de toda muchedumbre. Coraline no está muy contenta con este hecho, además reclama más atención de sus padres, los cuales están muy ocupados escribiendo un catálogo de jardinería. Por encargo de su padre Coraline se dedica a apuntar todas las puertas y ventanas que hay en la casa, y hay una que le intriga por completo. Es una pequeña puerta por la que, en sus sueños, entrará y descubrirá un mundo paralelo, donde viven sus "otros" padres pero son completamente opuestos a sus verdaderos progenitores, ya que son alegres, le hacen siempre caso, le dan regalos y le preparan suculentos desayuno-almuerzo-cena. Coraline se convence que dichos sueños no son tales, y que la pequeña puerta tapiada le llevará sin duda a ese maravilloso mundo. Pero no es oro todo lo que reluce...

Como si de Alicia o Chihiro se tratara Coraline atraviesa un túnel que le lleva a otro mundo, un mundo tan parecido y a la par tan diferente que no hace sino que sienta una inmensa fascinación por él. Y Henry Selick sabe transmitir esa fascinación con su habitual maestría, dirigiendo y además escribiendo el guión de esta joya animada repleta de detalles y de su particular estética, a veces luminosa y otras muchas tétrica y oscura, hipnotizando al espectador con los escenarios y sorprendiendo con los excéntricos y originales personajes (mención especial para la pareja de actrices).

Estéticamente Los mundos de Coraline va a la zaga de la mencionada Pesadilla antes de navidad y también de La novia cadáver, donde un mundo, el real, es un tanto gris y triste, mientras que el mundo paralelo resulta más colorido y atractivo, pero aún así tiene cosas que no dejan de ser tenebrosas (los botones-ojo, ciertas actitudes de los habitantes de dicho mundo...), descubriéndose poco a poco los secretos que oculta.

Si nos metemos en la animación en sí y el uso de las 3D, no cabe sino postrarse ante Selick. Se nota que el filme fue concebido para las tres dimensiones, que no es un simple extra que quisieron meter para atraer espectadores, por lo tanto merece la pena verla en una sala 3D, ya que la experiencia te sumerge más en el mundo que nos muestra la película. La animación, por cierto, es soberbia, prácticamente toda realizada en stop-motion (hay partes que se hace uso del ordenador) tiene cientos de detalles, las expresiones de los personajes son geniales, sus movimientos casi perfectos (en algunos momentos se puede apreciar ciertos "saltos" en la animación, pero son más que perdonables sabiendo el trabajo que se requiere para hacer un film de estas características).

Concluyendo, Los mundos de Coraline es un cuento tenebroso fascinante, con el que podrán disfrutar tanto pequeños como grandes, repleto de buenos momentos y de sentido del humor, de personajes peculiares y un tanto siniestros.



LO MEJOR:
-Los personajes.
-La animación y la dirección de Selick, así como la ambientación.

LO PEOR:
-Por poner algo, no es muy original, pero dicha falta es suplida por todas sus bondades.

¿Quién debería verla?
Los fans del director y del cine de animación en general.

Stop-motion patrio:
En 2010 se estrenará O Apóstolo, producción española de animación cuyos personajes están realizados con “plastilina”.

Ya no hay justicia

Justo antes de comenzar a escribir estas líneas (es viernes 26 de junio) he leído una noticia que me ha entristecido sobremanera. No, no se trata de la muerte de Michael Jackson, el cual ocupa más de una portada, sino de otra noticia mucho más relevante para miles de personas de todo el mundo. Y es que el Congreso se ha cargado la Justicia Universal por una mayoría aplastante. El PSOE y el PP (y otros tantos más) han dejado sus peleítas por un día y se han puesto de acuerdo, se han unido al mismo bando, al de los genocidas, los corruptos y los criminales de la peor calaña; y le han dado la espalda a las víctimas de éstos y a sus familiares, además de que dicha forma no cumple realmente muchos de los acuerdos internacionales a los que España está adscrita (Convenio contra el Genocidio, Convención de Ginebra, etc...). ¿Para qué firmar tantos convenios de derechos humanos y luego no se hace nada para protegerlos?

A partir de ahora (bueno, antes ha de pasar por el Senado, pero está claro que también lo aprobarán) los jueces españoles no podrán juzgar ningún genocida cuando no esté en territorio nacional, ni existan víctimas españolas, o se demuestre alguna conexión que sea relevante. Ahora ya pueden respirar más tranquilos los gobiernos que cometan asesinatos, antiguos y nuevos dictadores pueden hacer "limpiezas" más a gusto...

España ha dejado de ser un referente en la justicia internacional, puesto por miedo a molestar a los poderosos (mientras la justicia no se ha metido con países como Israel o Estados Unidos nunca pasó nada) han preferido mantenerse callados ante las injusticias que se cometen o han cometido en el mundo.