Los Mercenarios

Parece que el cine de acción ochentero está de moda, si hace bien poco se estrenó El Equipo A, ahora vuelve un héroe de cine de acción de los ochenta y parte de los noventa como es Sylvester Stallone, el cual no hace tantos años parecía estar dando sus últimos coletazos en el cine. Pero tras resucitar sus más míticos personajes como son Rocky Balboa y John Rambo, y hacerlo con un notable éxito de público e incluso de crítica, el actor se revalidó en el mundillo. Y como en los dos últimos filmes de los mencionados personajes, Stallone vuelve a dirigir, además de escribir el guión, en esta ocasión a cuatro manos junto con Dave Callaham, basándose en una historia de este último.

El argumento gira en torno a un grupo de veteranos mercenarios a quienes les han encargado acabar con el dictador de una isla llamada Vilena, en principio parece sólo un trabajo (suicida) más, pero no tardan en darse cuenta de que hay algo más.

Y poco más se puede decir de la historia, principalmente porque no hay mucho más que contar, y es que si algo destaca de Los Mercenarios (The Expendables) es que se deja de rodeos inútiles y va al meollo de la cuestión, que es la acción pura y dura. No obstante, sorprende que los personajes están bien construidos, o al menos que se hacen querer desde el primer momento, y ahí radica otro de los aciertos del film, en los personajes y el variopinto elenco que les da vida. Y es que Stallone se dispuso reunir a los más famosos intérpretes de acción en una sola película, y aunque no están todos los que podrían haber estado (rechazaron la correspondiente oferta, por motivos diversos, Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal, Kurt Russell y Wesley Snipes) no cabe duda de que los que están cumplen sobradamente su cometido, empezando por dos muestras de lo que puede hacer la cirugía y el botox por un intérprete, o sea, por el protagonista, coguionista y director Sylvester Stallone, y Mickey Rourke, con el que ya trabajó en el remake de Get Carter; le sigue uno de los héroes de acción actuales como es Jason Stathan, y un mítico del cine de artes marciales como lo es Jet Li (en un papel con puntos muy divertidos); además del gigante ruso al que se enfrentó en Rocky IV, Dolph Lundgren, con un personaje que le viene como anillo al dedo (que estaba pensado para Van Damme) y que es protagonista de algunos de los momentos más descacharrantes; también forman parte del grupo de mercenarios a Randy Couture y Terry Crews; mientras como malo tenemos al hermano mayor de Julia Roberts, Eric; y para rematar aparecen Bruce Willis y nuestro buen amigo Schwarzenegger, alias "Chuache".

Si bien es cierto que Los Mercenarios bebe del cine de los ochenta, no todo el cine de aquella década era igual, no es lo mismo Superdetective en Hollywood que Acorralado, su mayor diferencia no radica tanto en el entorno como en la forma de mostrar la violencia. Y Los Mercenarios opta por hacerlo de una manera brutal, sin cortarse ni un pelo, por lo que en ese aspecto es una bocanada de aire fresco en un cine de acción actual plagado de excesiva corrección política y edulcorantes. Precisamente ese aspecto es el que más sonrisas logrará sacar del respetable, y es que algunas escenas son tan exageradas que es imposible no reírse, pero lo mejor de todo es que está hecho así a posta, ya desde el primer momento, dejándonos bien claro cuál será la tónica general.

Si buscas una disertación filosófica mejor mira en otra parte, porque en Los Mercenarios sólo encontrarás mucha acción y violencia, viejas y nuevas glorias del género, una metralleta superpotente, y sobre todo mucha diversión. Todo un divertimento sin pretensiones que probablemente se acabe convirtiendo en trilogía.

LO MEJOR:
-Muestra la violencia sin complejos.
-El variopinto reparto, y muy especialmente un divertido Dolph Lundgren.
-Que por las primeras informaciones pintaba que el malo iba ser el típico dictador "socialista" y populista, pero que al final sean otros (evidentes desde el principio).
-Que vuelve esa capacidad innata de todo buen soldado norteamericano de cargarse a tropecientos enemigos sin despeinarse.
-El sentido del humor.
-Que se molesta en dar cierta humanidad a los personajes.
-El monólogo que se planta Rourke.

LO PEOR:
-No es que salgan muchos letreros en español, pero hay faltas de ortografía (eso, o están en portugués -parte del rodaje fue en Brasil-).
-La depilación de cejas de Stallone.

¿Quién debería verla?
Si te gusta las pelis de acción con exceso de testosterona.

¿Y quién no?
Leyendo lo de arriba seguro que lo tienes claro.

¿Por qué...
...aparece Willis en el cartel cuando su participación es más bien un cameo?


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Airbender: El Último Guerrero

Katara (Nicola Peltz) y Sokka (Jackson Rathbone) están de caza cuando se topan con un misterioso niño y una extraña criatura, recogen al niño y lo llevan a su aldea, donde recobra fuerzas. Al poco llegan unos soldados de la Nación del Fuego comandados por el príncipe Zuko (Dev Patel), y que obligan al chaval a ir con ellos. Katara y Sokka van en su rescate, pues se trata ni más ni menos que del Avatar, aquel que controla los cuatro elementos. Con él harán un largo viaje para terminar su instrucción y restablecer el equilibrio de las Cuatro Naciones, que pone en riesgo el tiránico rey de la Nación del Fuego.

No entiendo por qué a todo el mundo le ha dado por vilipendiar las últimas películas de Shyamalan. Ya me pasó con El Incidente, a mí me encantó, me mantuvo en tensión de principio a fin, cuando a muchos críticos y gente en general les pareció floja, afirmaban que no pasaba nada, qué cómo va ser que la naturaleza se rebele de esa manera, que yo que sé más... Airbender: El Último Guerrero (The Last Airbender) viene precedida por unas críticas durísimas y un resultado de taquilla inicialmente satisfactorio pero a la larga mediocre en Norteamérica; y ahora que se ha estrenado en nuestro país, por lo que veo, una amplia mayoría también considera esta última película del director de origen indio como algo infumable. Y yo digo, vale, no es una obra maestra, no es el mejor trabajo del realizador de El sexto sentido, pero desde luego que no estamos ante una mala película.

Airbender supone un cambio sustancial en la filmografía de M. Night Shyamalan, puesto que en sus anteriores filmes la historia partía de una idea original, y todas (bueno, sus dos primeras cintas se trataban de dramas) eran thrillers fantásticos (al menos en apariencia -recordemos la genial El Bosque-) con apenas efectos especiales y acción, una ambientación contemporánea, y además iban dirigidas claramente a un público adulto. Sin embargo, aquí el público al que va dirigida es más joven (y a la vez más amplio, pues igual la puede ver un abuelete que un niño), y la historia, aunque el guión sea obra suya, se basa en la serie de animación de éxito Avatar: La Leyenda de Aang, del canal Nickelodeon; a ello se le suma que los efectos especiales son abundantes (en algunos planos ya hay más que en todos sus trabajos precedentes), aunque siempre al servicio de la historia y no al revés. Otro detalle es que sus films anteriores los rodó básicamente en Filadelfia, mientras que éste también tiene localizaciones en Vietnam, Nueva Zelanda y Groenlandia, por lo que se deduce que el presupuesto manejado es el de toda una superproducción (de hecho, ronda los 150 millones). A pesar de todo ello creo que el estilo de Shyamalan está ahí, y emerge con claridad en ciertos momentos a la superficie.

Uno de los puntos que más me han gustado de Airbender, es que el héroe no quiere ser tal, y que cuando al fin acepta su cometido, y con ello debe de renunciar a muchas cosas, no lo hace con una sonrisa de oreja a oreja como sería lo típico, sino que su rostro es más bien de resignación. Por cierto, el personaje central está interpretado por el debutante Noah Ringer, todo un as de las artes marciales a sus doce años. Y hablando de los personajes, si bien es cierto que hay algunos un tanto desdibujados (la princesa Yue es el mejor ejemplo), no es menos cierto que hay otros que son muy interesantes. Como el príncipe Zuko (interpretado por el protagonista de Slumdog Millionaire), el cual busca con desesperación la aprobación de su padre, de ahí que persiga al Avatar hasta el más recóndito lugar; o el tío de éste, Iroh (Shaun Toub), que sin duda es más temible de lo que aparenta; no obstante otro que no me atrajo especialmente fue Sokka (quizá lo explique el hecho de que Rathbone participe en las pelis de Crepúsculo), pero su hermana Katara, que tiene más protagonismo, sí que es más atractiva (como personaje, me refiero ¬¬).

Airbender: El Último Guerrero es una buena película fantástica y de aventuras, con grandes efectos especiales, algunas escenas de gran espectacularidad y belleza, personajes interesantes y un desarrollo que no sólo pone interés en mostrarnos buenas peleas, sino que también se preocupa por que conozcamos los personajes. Desde luego tiene sus carencias, pero no por ello dejo de querer que se complete la historia de Aang, el último Maestro del Viento, o sea, que se rueden las dos secuelas previstas.

LO MEJOR:
-El mundo donde se desarrolla, y el diseño de producción en general.
-La banda sonora, de James Newton Howard, el compositor habitual de Shyamalan.
-El final, deja con ganas de más.
-Los efectos visuales.
-El príncipe Zuko y su tío, los dos personajes que más me han atraído (eso sin desdeñar a Katara ni a Aang).
-Me da la impresión que en el fondo, y como ocurre en las obras anteriores del realizador, hay más de lo que parece.

LO PEOR:
-En una escena en particular le falta capacidad de emocionar.
-Unos pocos diálogos.
-Que parece que ya nadie quiere a Shyamalan.

¿Quién debería verla?
Si te gustan las películas de aventuras y fantasía.

¿Sabías qué...?
En un principio se iba a titular Avatar: The Last Airbender (o sea, como la serie original), pero el anuncio y posterior éxito de Avatar, de James Cameron, obligó a cambiarlo.

Una nota importante:
Un detalle que debéis tener en cuenta si pensáis verla es que no se rodó en 3D, de hecho el director al rodarla ni sabía si se iba a estrenar en dicho formato (ni por sus declaraciones parece que le entusiasme), y habiendo leído opiniones acerca de la calidad de la conversión a las tres dimensiones, lo más recomendable es que la veías en versión 35 mm o en digital.


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Monster, de Naoki Urasawa

Recién terminada la reedición, en formato kanzenban, por parte de Planeta DeAgostini, y por lo tanto recién acabada de leer por mi parte, comentaré mis impresiones acerca de esta obra del autor de Yawara!, 20th Century Boys y Pluto.

 

Bien, para quién no lo sepa, Monster es un manga escrito y dibujado por Naoki Urasawa, un dibujante que empezó en esto del cómic haciendo historietas deportivas y ha acabado convirtiéndose en el rey del suspense en viñetas. Monster fue la obra que dio un giro a su carrera, y lo convirtió en toda una celebridad, y no es de extrañar, pues su intensidad y la gran cantidad de personaje carismáticos hace de este manga un trabajo realmente meritorio.

 

El doctor Tenma es un joven y prometedor neurocirujano japonés que ejerce su profesión en Düsseldorf, Alemania. Allí vive feliz, y está prometido con la hija del director del hospital, por lo que su futuro laboral está asegurado. Cierto día entra un paciente al que debe operar, pero cuando ya se está metiendo en el quirófano le dicen que se encargue de otro, una cantante (de ópera si no recuerdo mal) muy famosa que ha entrado posteriormente, a regañadientes lo hace, pero su conciencia no se queda tranquila y más cuando se entera de que el primer paciente, un obrero, no ha salido vivo de la operación. Poco tiempo después entra un paciente, un niño (y su hermana gemela, aunque esta con un shock), con una bala en la cabeza y varios minutos más tarde el alcalde, por lo que otra vez lo ponen en la misma disyuntiva, mas esta ocasión seguirá los dictámenes de su conciencia y operará al primero que ha entrado, en este caso el niño. Y el niño logra salvarse mientras que el alcalde muere, por lo que su posición en el hospital se vuelve delicada. Días más tarde aparecen varios empleados muertos a consecuencia de unos caramelos envenenados y a la vez desaparecen los hermanos, las pruebas circunstanciales apuntan hacia Tenma, pero el doctor averigua que el asesino ha sido el niño al que salvó la vida. Tenma se verá obligado a escapar para demostrar su inocencia, pero para ello deberá encontrar a los gemelos.

 

Dibujado con un trazo limpio y seguro, con escenarios y elementos realistas y personajes con un estilo propio e inconfundible, Monster es un manga que entra por los ojos, pero que se disfruta verdaderamente cuando se empieza a leer. Si el comienzo resulta prometedor, a medida que avanza la trama (que se dilata durante varios años), aparecen nuevos personajes y reaparecen otros conocidos, ocurren giros inesperados y encuentros deseados, nos vamos enganchando sin poder (ni querer) evitarlo, habiendo momentos realmente emocionantes en los que uno no puede dejar de leer hasta que ya no hay más páginas. Todo ello se debe a la habilidad de Urasawa para contar la historia generando tensión cada vez que es necesario, pero sobre todo a la gran destreza que tiene creando personajes, con algunos secundarios verdaderamente geniales. No obstante, no todo es perfecto, si bien las situaciones por lo general son variadas y necesarias, en algún momento uno nota un mal típico en productos de éxito, como es el hecho de querer alargar las cosas, Monster no se libra de dicho mal, y si bien no es muy acuciante sí que le resta algún punto al conjunto. Otro punto importante es el final, que puede generar cierta frustración a muchos; en mi caso no me ha parecido tan malo como dicen algunos, aunque es bien cierto que no es para nada tan redondo como el desarrollo de la historia.

 

La edición es muy buena, con sobrecubiertas que al unirlas forman una especie de collage de cuadros de los personajes, con papel satinado e impresión de calidad, además de varias páginas a color en cada número (excepto en el último, quizá porque el tomo tiene unas 50 páginas más de lo habitual) y algún que otro articulillo al final de la mayoría de los tomos comentando acerca del autor, de su obra, o aclarando conceptos de la cultura nipona. En total son 9 tomos recopilatorios que oscilan entre las 380 y las 470 páginas aproximadamente, todo ello a un precio de 14,95 €, por lo que se puede considerar un buen precio.

 

Monster es un cómic con momentos de esos que cortan la respiración, con otros muy emotivos, y desde luego que no falta una pizca de humor, con personajes con los que se siente empatía y un guión y diálogos muy trabajados. Todo ello además realizado con un grafismo que cuida hasta el mínimo detalle, desde la disposición de las viñetas hasta la composición de los elementos que aparecen en ella. Una gran obra editada en una gran edición. Muy recomendable.

 

 

LO MEJOR: 

-El dibujo, la composición de viñetas...

-Los personajes, especialmente muchos de los secundarios.

-La edición de Planeta, cuidada y a un buen precio.

 

LO PEOR: 

-Que sobra un tomo, o sea, ciertos pasajes de relleno.

-Sin resultarme malo, estoy de acuerdo en que podría haber sido mucho mejor. Con un desarrollo tan trabajado es bien difícil ofrecer un clímax a la altura, pero aún así no hay excusa. 

 

¿Quién debería leerlo? 

Si te gustan las pelis de suspense y fugitivos seguro que te gusta este manga. 

 

¿Y quién no? 

Pues si te gusta el cómic no hay razón para que no leas...

 

El anime: 

También existe un anime de 74 episodios realizado por Madhouse con la dirección de Masayuki Kojima. No he podido disfrutar del mismo, pero según leo es una adaptación fiel y además la animación es de bastante calidad.

Origen

Se lleva hablando mucho sobre Origen (Inception), la nueva película del realizador de Memento y El Caballero Oscuro, de hecho muchos la comparan y afirman que es la Matrix de esta década. Es bien cierto que si nos fijamos tan sólo un poco tiene puntos en común con el segundo filme de los hermanos Wachowski, sobre todo por el hecho de la confusión que se da sobre lo que es real y lo que no, aunque quizá Christopher Nolan ha dado un paso más a la hora de la escritura de su libreto (cosa lógica de hecho), puesto si en la trilogía protagonizada por Keanu Reeves a partir de cierto momento estaba claro qué era real y qué virtual, había dos capas claramente diferenciadas (al menos en la primera película, luego comprobamos que algo más había), en el film que nos ocupa hay multitud de capas, de realidades/sueños, por lo que la complejidad narrativa en suma también es mayor. Quitando eso no hay más similitudes, tanto visualmente como en lo que se refiere al argumento en sí poco tienen que ver.

Cobb (Leonardo DiCaprio) es un extractor, alguien que se dedica a meterse en los sueños de otras personas para sonsacarles información a cambio de dinero. Después de un trabajo fallido le proponen un nuevo encargo, uno que nunca se ha logrado; en esta ocasión no debería obtener nada, sino introducirlo.

Ideada por Christopher Nolan durante cerca de una década, de Origen se puede decir que es una película original, que está basada en una idea (y las ideas son el peor de los virus) que no se inspira en ningún libro, ni cómic, ni videojuego, ni serie de los ochenta y no es una secuela, y eso es muy de agradecer; de hecho parece que los ejecutivos de los grandes estudios han reflexionado sobre el tema y han concluido que últimamente no había historias originales, y que la gente quiere ver cosas originales, y que ha ser posible les haga pensar un poco, así que con suerte en dos años o así irán apareciendo films puede que más arriesgados a los que nos tienen acostumbrados. Y no me extrañaría que dichos peces gordos pensaran eso después de haber visionado la obra que nos ocupa, una gran superproducción de cerca de 200 millones de dólares en la que su mayor interés no se trata de machacarnos a explosiones y demás efectos especiales (de hecho, Nolan ha prescindido en lo posible de ellos, para así lograr mayor autenticidad), sino en ofrecernos una trama que nos enganche y unos personajes con los que conectemos, y todo ello con una factura técnica envidiable, y algunos de los momentos más asombrosos que se hayan visto en años (la escena de la lucha en el hotel en paralelo a otros acontecimientos me dejó embobado por completo). Por cierto, mucho hace la música de Hans Zimmer para que se consiga en más de un instante mantenernos pegados a la butaca sin respirar, y es que este compositor hacia ya tiempo que no firmaba en solitario una banda sonora tan buena.

El reparto es otro de los puntos fuertes de Origen, en el mismo podemos ver caras conocidas de películas anteriores del director londinense, como Cillian Murphy, que ya trabajó a las ordenes del mismo en Batman Begins y su secuela; en esos mismos films trabajó Michael Caine, aunque en esta ocasión su papel es muy secundario (aunque de cierta importancia); Ken Watanabe también participó en el primer Batman, pero se dio a conocer en occidente gracias a El último samurái. A Marion Cotillard la vimos junto a Jhonny Depp en Enemigos Públicos, dirigida por Michael Mann, mientras que Dileep Rao ha trabajado a las órdenes de Sam Raimi en la divertida Arrástrame al infierno; Ellen Page fue la chica que sorprendió a todo el mundo en Hard Candy y Juno, y a la que también vimos en X-Men 3: La decisión final, y que sigue prometiendo tanto como en su debut; Joseph Gordon-Levitt participó en la comedia romántica independiente que triunfó el pasado año, 500 días juntos, además de en G.I. Joe; a Tom Hardy lo veremos en la cuarta parte de Mad Max; Leonardo Dicaprio tiene ojo clínico para elegir proyectos y directores, ya que hace pocos meses lo vimos en otra de las películas del año, donde también se confundía la realidad y la fantasía, como es Shutter Island. Además también participa un casi irreconocible Tom Berenger (hacía tanto que no lo veía).

En fin, Origen es ya todo un clásico del cine de ciencia ficción (y de otros tantos géneros), una película que está planificada al milímetro, con una factura encomiable, un guión cuidado, un elenco de lujo, y sobre todo que tiene un gran respeto a la inteligencia del espectador. Es uno de esos filmes que te piden volver a verlos, que estoy seguro ganará a medida que pase el tiempo, una de esas cintas que marcan una época (o el inicio de otra).


LO MEJOR:
-La pelea del hotel paralela al accidente de la furgoneta, simplemente alucinante.
-La idea de la película y cómo ha sido llevada a cabo.
-El reparto, geniales todos (aún así destacar a Joseph Gordon-Levitt, y el polifacético Cillian Murphy).
-La banda sonora, sorprende el trabajo de Hans Zimmer.
-Que requiere un poco de esfuerzo por parte del espectador (o sea, que mejor no pongas el cerebro en modo off).
-El montaje, y más si tenemos en cuenta la complejidad de los acontecimientos en el último acto.
-Aunque lo veía venir, el último plano.

LO PEOR:
-Quizá que, según mi punto de vista, tarda un poco en despegar.

¿Quién debería verla?
A cualquiera que le guste el cine fantástico, los fans de Nolan y del buen cine en general.

¿Y quién no?
En realidad se la recomiendo a todo el mundo, pero claro, si películas como The Matrix te resultaron imposibles de pillar (conozco un caso muy grave al respecto), probablemente con esta te pase lo mismo.


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El Equipo A

Un grupo de soldados estadounidenses, encabezados por John "Hannibal" Smith, son acusados injustamente y condenados a diez años de prisión por un tribunal militar. No obstante logran escapar y harán todo lo posible para demostrar su inocencia.

El Equipo A (The A-Team) es la adaptación cinematográfica de la mítica serie de los ochenta, en la que unos veteranos de Vietnam eran condenados “por un delito que no habían cometido”. El film, dirigido por Joe Carnahan, sigue más o menos esta premisa, como podéis comprobar por la breve sinopsis que he escrito del mismo, pero se podría decir que no tiene mucho más que ver (aunque mantiene el espíritu). En este caso ya no son veteranos de Vietnam, sino que lo son de Irak, por otro lado siguen teniendo cierta habilidad en el bricolaje, y la personalidad de los personajes en general se mantiene. Sin embargo, que nadie espere ver un episodio largo de la serie, puesto lo que nos ofrece esta adaptación es lo que promete desde el primer minuto, que no es otra cosa que acción y humor sin complejos ni pretensiones.

Así pues, el director de Ases calientes ha cogido la serie original, sus personajes, su argumento, y su esquema, y ha roto en buena medida con ello (hecho que ya se ve en la escena inicial, de forma literal), haciendo un producto que, si somos más objetivos que nostálgicos, hay que reconocer que es superior a la serie creada por Stephen J. Cannell y Frank Lupo, y no sólo porque está plagada de escenas espectaculares, sino también por el sentido del humor que impregna buena parte de sus escenas, aunque sin caer en la paradia facilona, y por haber logrado que su desarrollo no tenga altibajos, sino que es un crescendo constante de diversión (con algunos momentos que rozan el surrealismo), además, aquí sí que muere gente (aunque en realidad se echa de menos una escena en la que salga un coche volando, dé tropecientas vueltas de campana, y salgan sus ocupantes tan panchos poco antes de que estalle el vehículo).

El nuevo equipo está interpretado por el últimamente hiperactivo Liam Neeson (Venganza, Kinsey) que sustituye como Hannibal al fenecido George Peppard; Bradley Cooper (Resacón en Las Vegas) es el mujeriego Templenton "Fénix" (o "Face", o "Faceman") Peck, en vez de Dirk Benedict; Quinton «Rampage» Jackson se mete en los músculos de M.A. Baracus; y Sharlto Copley (District 9) en el papel del genial loco Murdock. A ellos hay que sumar a Jessica Biel (Steahl: La amenaza invisible) interpretando a una militar y encima ex-pareja de Peck, y a Patrick Wilson como un intrigante agente de la CIA. Del reparto el que quizá tenga menos carisma es Quinton Jackson (difícil superar a Mr. T), mientras que Liam Neeson está genial como el líder del grupo, y aunque al principio se echa de menos al Murdock original (que encarnaba Dwight Schultz) a medida que avanza la trama se le coge cariño a Copley; Bradley Cooper también da la talla con la encarnación de su personaje.

En definitiva, El Equipo A es puro cine veraniego, de esas películas que sirven para desconectar durante dos intensas horas, olvidarte de la rutina y los problemas diarios. Una cinta muy divertida que encandilará a los fans del cine de acción.


LO MEJOR:
-El reparto, pienso que bastante acertado.
-La acción y el humor que destila el conjunto.
-Los efectos especiales, bastante logrados.
-El montaje.

LO PEOR:
-Ese grupo de iraquíes que parecen tan agradecidos a Hannibal.
-Esa obsesión de poner la cámara pegada a la acción.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de acción, y también la serie original.

¿Y quién no?
Si eres de esos que han encumbrando a la serie original en un pedestal tan alto que ante el mínimo pensamiento de cambio se echa las manos a la cabeza.

El detalle:
Tras los créditos hay una escena con dos simpáticos cameos.


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Las Vidas Posibles de Mr. Nobody

Estamos en el año 2092, Nemo Nobody es el último hombre mortal, todo un espectáculo mediático y a la par un gran misterio, pues nada se sabe de su pasado. Un psicólogo intentará escarbar en su mente para hacerle recordar cómo fue su vida.

 

Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody) es una película extraña, en ocasiones se podría considerar casi experimental, y es extraña no por el simple empaque visual, la forma que el director Jaco Van Dormael (El octavo día) nos muestra la historia, sino también por la historia en sí (también escrita por el realizador, que partió para ello de uno de sus cortos Es peligroso asomarse), o debería decir las posibles historias.

 

Se tarda un poco en meterse en el particular mundo de Nobody, pero una vez se hace no se sale hasta prácticamente el final del film, y es que, como apunto en el párrafo anterior, Las vidas posibles de Mr. Nobody no es una película vulgar, tanto en el plano estilístico como en el narrativo nos hallamos ante una obra peculiar, con momentos verdaderamente bellos y emotivos (maravillosos muchos de sus planos) y otros desconcertantes, incluso raros. Si nos fijamos sólo en la forma quizá sólo veamos un filme de ciencia ficción, pero si miramos el fondo, lo que verdaderamente es, es una historia de amor (o más bien dos historias de amor y una de no-amor), un drama romántico de ciencia ficción. Y es que sobre lo que gira el argumento al fin y al cabo es eso, sobre una persona que al realizar tal o cual elección acabará lamentándose de no haber conseguido el amor de su vida, o por otra parte puede que sí lo consiga. Entonces, más que el destino o el amor, podríamos afirmar que el núcleo de la cuestión está en las elecciones, y en la posibilidad de cambiarlas.

 

Jared Leto (Alejandro Magno) es Nemo Nobody, el joven actor es el protagonista absoluto, y lo que es a mí me ha convencido del todo, creo que ha hecho un gran trabajo, y según él ha sido el papel más complicado de su carrera; lo secundan Diane Kruger (Troya, Malditos bastardos) en el papel de Anna, con la que compartirá una preciosa historia de amor; Sarah Poley (Amanecer de los muertos, Splice) como Elis, personaje que es absolutamente desgarrador (resulta muy curioso observar la diferencia entre dicho personaje y el que aparece en el cartel de la película); la tercera en discordia es Jeanne, a la que pone rostro Linh-Dan Phan (Ninja Assassin); mientras que otros interpretes a destacar, que participan en mayor o menor medida, son Rhys Ifhans (Greenberg), como el padre de Nemo, y como la madre de éste Natasha Little (Sólo ellos); destacar también el trabajo de Toby Reqbo y Juno Temple, en los papeles de Nemo y Anna adolescentes.

 

Como decía, se tarda un poco en entrar en el juego que nos plantea el cineasta belga, pero una vez se hace Las vidas posibles de Mr. Nobody resulta no meramente divertida, sino fascinante. Estamos ante un film inspirado e inspirador, con escenas impagables, de una belleza plástica y narrativa fuera de toda duda, cuyo único pero se podría poner en el final, que al menos a mí no me ha convencido, me ha dejado este un sabor agridulce, a pesar de que el resto del metraje me ha dado tan buenas sensaciones. No obstante es un filme muy recomendable, sobre todo para quien desee ver algo diferente, y también para aquellos que disfruten con una bonita historia (bonitas historias más bien) romántica, que no empalagosa.

LO MEJOR: 

-El estilo visual.

-La historia entre Nemo y Anna, realmente hermosa.

-La forma en que está narrada la historia, o mejor dicho, las posibles historias.

-Los intérpretes, destacando una descarnada actuación de Sarah Poley.

-Es una obra no sólo con momentos muy inspirados, sino que además inspira.

 

LO PEOR:

-El final no me convenció por completo, no es tan redondo como el resto del metraje.

 

¿Quién debería verla? 

Si te apetece ver una obra diferente, o si eres de los que le gusta el cine arriesgado y con toques experimentales.

 

¿Y quién no?

Si el simple hecho de pensar ver películas distintas te da canguelo (me viene a la cabeza ahora esa maravilla visual que es The Fall: El sueño de Alexandría).

Shoot 'Emp Up

Un hombre (más adelante sabremos que se hace llamar Smith) se come tranquilamente una zanahoria en la parada de autobús a las tantas de la noche, cuando observa como pasa delante de él una mujer embarazada. A los pocos segundos un coche derrapa y choca contra otro, del mismo sale profiriendo insultos un tipo con pinta de pocos amigos. Este individuo sigue a la embarazada con una pistola en ristre. A Smith eso no le gusta, así que ni corto ni perezoso salva a la mujer en el último instante y de paso le ayuda a dar a luz. Pero ahí no acaba la cosa, ya que aparecen muchos tipos que parecen empeñados en acabar con la vida de la mujer. Pero Smith no es alguien que se deje impresionar con facilidad, y menos si tiene un arma entre las manos.

Este es el comienzo de esta curiosa y excéntrica película donde la acción prima ante todo, una acción que dista de ser realista (ni de pretenderlo) y que nos ofrece de paso momentos realmente geniales. Y es que Smith parece inmune a las balas (eso, o es que los malos tienen muy mala puntería), pero sin embargo él solito es capaz de cargarse a decenas de contrarios casi sin despeinarse en escenas cada cual más rocambolesca y exagerada. Ese estilo excesivo me ha hecho acordarme de filmes como Dobermann y la más reciente Wanted, aunque Shoot 'Emp Up se toma menos en serio a sí misma que la segunda.

Otro de los puntos fuertes son los personajes, que para mantener la tónica general también son extravagantes, empezando por Smith quien se encarga de meterse en el papel un irreverente Clive Owen (Hijos de los hombres), que nos trae a un tipo comedor compulsivo de zanahorias (de hecho incluso le da en algún que otro momento usos varios) y que le molesta casi todo; por otro lado tenemos al malo, que interpreta Paul Giamatti (Entre copas, Cold Souls) con mucha mala leche; y para completar el trío nos falta la mujer, que ahí es nada menos que la exuberante Monica Bellucci (Malèna), quizá la más normal de los que se pueden considerar papeles principales. El resto del elenco interpretativo no tiene un gran protagonismo, aunque hay que nombrar a Stephen McHattie (Watchmen, Una historia de violencia), como el dueño de una empresa armamentística.

Shoot 'Em Up es un film que no se toma en serio a sí mismo, y como tal hay que verlo para poder disfrutarlo, si no lo único que puede conseguir es la más pura de las incredulidades; aunque ciertamente es complicado no entrar en el juego, ya que desde el primer plano queda claro cuál es el estilo que le ha querido dar Michael Davis, su director y guionista. Un buen divertimento que encandilará a muchos y que sin duda también causará repulsión en otros.

LO MEJOR:
-Que no se toma en serio a sí misma.
-La mayoría de las escenas de acción, muchas de ellas absolutamente hilarantes.
-Clive Owen y Paul Giamatti.
-El estilo visual también resulta muy interesante, se nota que toma como referencia los cómics.

LO PEOR:
-No le pongo ninguna pega, aunque a algunos tanta hilaridad no les convencerá.

¿Quién debería verla?
Quien guste del cine de acción sin pretensiones.

¿Y quién no?
Quien tienda a cuestionarse todo a pesar del evidente tono jocoso del film.


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