07 abril 2009

Sobre el significado de la Semana Santa (y otras cosillas)

Como tantas otras veces comienzo a escribir sin saber realmente lo que quiero escribir, ¿saldrá algo que merezca la pena? Eso deberéis juzgarlo vosotros.

¿Qué significa la Semana Santa? Unas fiestas tan curiosas realmente no tienen el mismo significado para todos, de hecho para algunos no tienen la mayor relevancia. Para mí no tienen nada en particular, aunque eso sí, me traen muchos recuerdos de infancia. Como en una ocasión en la que participé en una procesión, muy de pequeño, me encargaba de llevar el pañuelo con el que el cura limpiaba la copa de vino cada vez que empinaba el codo, aunque en la primera parada se me olvidó volver a cogerlo y tuvieron que esperarme hasta que volví de mi búsqueda. No recuerdo muy bien por qué decidí hacer el encargo, o sea, ir a la procesión, sobre todo porque aunque por esa época se podría decir que tenía cierta afinidad con el párroco, a mí lo que es la religión jamás me interesó especialmente (no me aprendí ni el Padre Nuestro) . Para mí la Semana Santa sólo me evoca recuerdos de infancia, nada más. No me viene la inspiración divina, no se me aparece ningún santo, no me salen las lágrimas a borbotones cuando no puede salir un paso, nada de nada...

No me resulta muy complicado entender el porqué mucha gente llora a moco tendido cuando un paso no puede salir por culpa del tiempo. Se puede considerar lógico teniendo en cuenta que son muchos los ensayos y esfuerzos que han tenido que realizar a lo largo del año para que luego, por cosas del destino, el "mágico" día se vaya al garete. Pero más allá no lo entiendo, o sea, que gente que no ha estado dando el callo haga escenitas no tiene mucho sentido, sobre todo porque si es por ver al santo sólo es cuestión de entrar a la iglesia.

La Semana Santa también es una contradicción para la religión católica, ¿no se supone que los católicos no deben adorar ídolos ni estatuas? Según mi humilde punto de vista las figuras de Jesucristo, María y José son ídolos, estatuas, a las que muchos veneran con denodada devoción, haciendo a veces promesas realmente duras (eso de ir arrastrándose con las rodillas peladas detrás de la figura, por poner un ejemplo), poniendo en sus altares todo tipo de ofrendas, etc. Puede que esta opinión mía se deba a mi ignorancia, y si es así no estaría mal que alguien me iluminara.

Pero la mayor contradicción del catolicismo es la propia Iglesia. Que un Papa visite África me parece fenomenal (que visite lo que le venga en gana, de hecho), pero que dicho individuo afirme en el continente que más afectado está por la pandemia del SIDA que el preservativo agrava el problema es una desfachatez e irresponsabilidad absolutas. Ratzinger Z sin duda no es estúpido, así que me gustaría saber por qué demonios dijo eso, ¿en qué puede beneficiar eso a su Iglesia? La misma Iglesia que pregona con las virtudes de la contención se ve inmersa en multitud de escándalos en Estados Unidos o en la vieja Europa, en algunas de sus Sectas internas (o congregaciones, como suelen llamarlas) como los Legionarios de Cristo. Y lo único que hacen es proteger a los pederastas que tienen en sus filas, escondiéndolos en monasterios recónditos, o en el mismo Vaticano. Amén de predicar con la eliminación de la pobreza, y a la par tener un patrimonio de incalculable valor, y que se ve aumentado por las dádivas que le ofrecen los gobiernos (el de España entre ellos); invirtiendo en bolsa incluso, pero cuyos beneficios no sirven para ayudar mucho a los millones de africanos que se mueren de VIH, no, más bien van a las cuentas de los altos miembros eclesiásticos, o quizás lo usan para comprar un nuevo vestido de oro a la Virgen de Nosequé.


La Semana Santa es una fiesta bonita de ver, sin duda, los claroscuros, las velas, los olores, la gente. Todo ello hace que tenga un ambiente especial, y ciertamente no debería molestar a los ateos (a quien no le guste, pues que no vaya a las procesiones y listo). Pero antes de sacar a un santo con lujosos vestidos bordados con hilos de oro y plata, con collares de platino y anillos de diamantes, con coronas luminosas de metales preciosos y gemas relucientes; antes de invertir tanto dinero en ello deberían dedicarlo a las personas que realmente lo necesitan. Recordemos que Jesús era hijo de un carpintero, tanto él como progenitores no vivían en un palacete de la Costa del Sol, no vestían trajes de Armani, no tenían grifería de lujo, ni cubertería de relucientes metales, así que esta celebración católica debería ser consecuente con ello.

Un saludo a todos, y feliz semana (Santa o no).

04 abril 2009

Gran Torino

Hace unos pocos meses que el señor Clint Eastwood nos obsequió con una gran película como es El intercambio, y ahora nos vuelve a sorprender con otro filme. De hecho se trata de una pequeña película que el intérprete de Harry el sucio hace que sea grande.


Walt Kowalski es un cascarrabias, veterano de Corea, que nunca está contento con nada. Su relación con sus hijos es mala y encima su mujer acaba de fallecer quedándose solo en su casa sita en un barrio que se ha llenado de inmigrantes asiáticos, que, como todo lo demás, parece que no le gustan, y más cuando el joven Thao intenta robarle su preciado Ford Gran Torino del 72. Un buen día sus vecinos hmong tienen un altercado con una banda del barrio, Kowalski les "ayuda" y ante tal hecho todos los del barrio le consideran un héroe. Tras otra situación comprometida se gana todavía más respeto, sobre todo por parte de la hermana de Thao, Sue. Éste será sólo el comienzo de todo un descubrimiento para él, de una historia de amistad y también de una forma de encontrar la redención.

Sorprende un tanto que los Oscar se olvidaran por completo de esta joya cinematográfica que es Gran Torino, en cuya sencillez esconde precisamente su gran baza. El personaje de Kowalski es de esos que no se olvidan, y se suman a la galería de cascarrabias que al final caen más que simpáticos, según mi punto de vista es uno de los personajes más curiosos y entrañables que ha interpretado el veterano actor y director.

Eastwood decidió hacer de Kowalski por la misma razón que hizo del entrenador de Million Dollar Baby: se enamoró del personaje. Ciertas similitudes sí que tienen, aunque Frankie Dunn no era tan cínico pero sí igual de honesto a Walt Kowalski, en la película más galardonada del director también se narraba básicamente una historia de amistad (y superación), y a Gran Torino se le suma la de redención. Lo que sí que tienen ambas es la extraordinaria capacidad de trabajo y sensibilidad del director de Un mundo perfecto, que suma y sigue en su ascenso a convertirse en uno de los actores y directores más queridos en la historia del cine.

No me extraña el éxito que ha cosechado en Estados Unidos y el que está teniendo aquí en España, tanto la dirección como la actuación de Eastwood son dignas de elogios, el guión está plagado de diálogos chispeantes y un gran sentido del humor (amén de ser crítica con la sociedad estadounidense –y no estadounidense-). Además el final es de esos con los que es inevitable emocionarse, supone toda una lección de principios. Id a verla, no os decepcionará.


LO MEJOR:
-Todo.

LO PEOR:
-Que pueda ser el último filme en el que Eastwood interprete un papel.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine te encantará.

30 marzo 2009

Inju

Probablemente esta sea la historia menos fantástica de toda la Muestra Sci Fi de Cine Fantástico, pero al menos es un producto bien hecho y entretenido.

La historia trata de Alex Fayard, un escritor y profesor francés de literatura policíaca que está obsesionado con la obra de un autor nipón. Éste va a Kioto a promocionar su última obra y además tiene las aviesas intenciones de conocer a Oe, el escritor por el que está obsesionado y que se dice que nadie ha visto jamás. Ya en la ciudad le suceden hechos extraños, en el que el propio Oe le "invita" a irse de Kioto antes que sea demasiado tarde. Pero nuestro protagonista ignora las advertencias y decide quedarse. Esto le lleva a conocer una geiko (o geisha, como prefiráis) que le provoca una gran fascinación desde el primer momento, y la cual le pedirá ayuda al enterarse que el profesor es experto en Oe, pues ella está siendo amenazada por dicho individuo, al cual, dice, lo conoció años ha en persona.

Dirige el veterano Barbet Schroeder (Mujer blanca soltera busca...) quien también colabora en el guión que se basa en la novela del mismo título del escritor japonés Rampo Edogawa. A la cabeza del reparto tenemos al francés Benoit Magimel (La pianista) y a la hermosa nipona Lika Minamoto, la cual parece que debuta como actriz en el cine y a fe mía que hace un buen trabajo.

Lo primero que me llamó la atención de esta cinta fue su estética y la puesta en escena. Inmediatamente me recordó a imágenes de filmes clásicos japoneses, así como a otras tantas películas policíacas. La fotografía, el vestuario, los personajes en sí mismos, todo es más o menos reconocible, por lo que en ese sentido se puede considerar como un homenaje a ese tipo de cine, el cual ya raramente se hace.

En cuanto a la historia en sí hay que decir que no es muy original, que no es difícil imaginar quién es Oe verdaderamente, ya que pienso que hay que ser un poco cegato para no darse cuenta cómo está siendo manipulado el protagonista. No obstante la historia avanza bien y mantiene siempre cierto interés, hasta que llega lo que se supone que es el clímax, que quizás sea lo menos conseguido.

Como conclusión, Inju es una muestra más de la fascinación que sienten los franceses por la cultura oriental (sólo hay que ver cómo se recrea la escena de la ceremonia del té y la danza) y un filme entretenido pero poco original según mi punto de vista.


LO MEJOR:
-La puesta en escena, el vestuario y la fotografía.
-La hipnotizante belleza de Lika Minamoto.

LO PEOR:
-El final no sorprende.

¿A quién puede interesar?
Pues si te gustan los thrillers con un puntito macabro te gustará este film casi con toda seguridad.

28 marzo 2009

Che, Guerrilla

Hace ya unos meses se estrenó en nuestros cines Che, El Argentino, y hace unas pocas semanas llegó a nuestras pantallas lo que es la segunda parte de este biopic sobre el famoso revolucionario: Che, Guerrilla.

El final de la primera parte (que en realidad no son dos films sino uno, pero se ha estrenado en dos partes para resultar más comercial) nos dejaba un poco con la miel en los labios (un poco sobre todo porque todo el mundo conoce el triste final de Ernesto "Che" Guevara) cuando Ernesto le comenta a Fidel que él se unirá a su revolución, pero que después será Fidel el que le ayude a extender la misma por todo el globo. Esta segunda parte comienza con la lectura que hizo Fidel Castro de la carta de renuncia del Che para irse a llevar la revolución a Bolivia (aunque tengo que decir que llegué un poco tarde a la sala, por lo que cabe la posibilidad que me perdiera algo xD), y el posterior viaje a dicho país disfrazado de funcionario de la Confederación de Estados Americanos (si la memoria no me falla, claro). Se nos muestra cómo reclutan subrepticiamente a los primeros revolucionarios y cómo levantan un campamento y los entrenan. Pero para desgracia del Che y sus allegados, el Partido Comunista Boliviano no les apoya, por lo que están solos. A medida que avanza la historia se darán cuenta cuan difícil es su causa, puesto que los campesinos son reacios no sólo a unirse a ellos sino simplemente a colaborar vendiéndoles víveres. He aquí pues que por más denodados esfuerzos que realizan apenas logran nada, y que poco a poco el ejército boliviano les va cercando con la ayuda de los estadounidenses, hasta darles caza a todos.

Steven Soderbergh ha realizado probablemente el mejor trabajo cinematográfico sobre el Che Guevara hasta la fecha (con permiso de Walter Salles y su Diarios de motocicleta), esta segunda parte (o segunda mitad) vuelve a estar plagada de multitud de personajes, aunque la mayor diferencia respecto a la primera es que hay menos diálogos y más acción; pero sobre todo es mucho más angustiosa debido a la implacable persecución y asedio que van sufriendo los guerrilleros, a las traiciones y las deserciones, o los fracasos continuos y la desesperación que va apareciendo en los rostros de los protagonistas, a la terrible soledad y aislamiento a la que se ven sometidos. Guerrilla es a mi juicio un filme algo más comercial y también entretenido que el anterior, pero que no olvida lo realmente importante: el porqué de la revolución (o del intento de ella en este caso).

Benicio del Toro sigue estando genial, su caracterización continúa siendo fantástica, el cambio físico que su personaje va sufriendo a lo largo de la película es más que destacable, su trabajo es digno de elogio. El coral resto del reparto es espectacular, teniendo entre ellos a Franka Potente, Joaquín de Almeida, Óscar Jaenada, Jordi Mollá e incluso en un breve papel de párroco alemán nos encontramos con Matt Damon.

A pesar que la trama se desarrolla en su mayoría en el mencionado país sudamericano, Che, Guerrilla fue mayoritariamente rodada aquí, en España, exactamente en El Buitrón, sito en la provincia de Huelva, aunque si uno mira los créditos también se percata que se ha rodado algo en la provincia de Cádiz o Málaga, en el bello Parque Natural de los Alcornocales (recomiendo que lo visitéis ^^).

Son muchos los que critican el hecho que no se narran todos los acontecimientos que acaecieron durante el periodo que abarca el film, algunos afirman que sólo muestra la parte amable del Che, que no muestra el lado oscuro del personaje, como la “represión” que realizó tras derrocar al gobierno de Batista. No es la primera vez que Soderbergh realiza un montaje como el de Che, contando sólo partes que le interesan, las que él cree que son necesarias o más importantes para entender a los personajes, su forma de ser y actuar. Desde mi punto de vista no creo que ninguna de las dos partes sean manipuladoras, ni creo que sólo muestren la parte “buena” del Che, sólo hay que ver El Argentino para darse cuenta con certeza de este hecho.

Esta segunda mitad de la visión del Che según Soderbergh es un film alto recomendable para todo aquel que tenga interés acerca no del mito, sino más bien de la persona tras el mito. Se nota que el director ha procurado ser lo más objetivo posible (hay que recordar que está inspirada en el diario que Che Guevara escribió durante su "estancia" en Bolivia), ya que su distanciamiento con los personajes es evidente, de hecho no pocos lo han tachado de frío, pero según mi punto de vista ha logrado en conjunto un más que notable trabajo que merece la pena ver sin lugar a dudas.


LO MEJOR:
-Las interpretaciones, sobre todo la de Benicio del Toro.
-La banda sonora obra de Alberto Iglesias.

LO PEOR:
-La fría acogida que ha tenido tanto por parte del público como de la crítica, se merece algo más.

UNA ANOTACIÓN:
Es recomendable ver antes Che, El Argentino, pero aún así no creo que sea imprescindible para disfrutar de Guerrilla.

23 marzo 2009

20th Century Boys

La VI Muestra Sci Fi de Cine Fantástico nos brindó la oportunidad de ver esta película tan esperada por muchos otakus, este filme está basado en el famoso manga del mismo nombre, y puedo afirmar sin miedo a equivocarme que es una frikada en toda regla, aunque una frikada divertida.


Basada en el famoso manga de Naoki Urusawa, la historia comienza con unas extrañas muertes y desapariciones, pronto un grupo de antiguos amigos descubren que dichos sucesos pueden estar relacionados con su infancia y un libro de profecías que escribieron, ya que encontraron un dibujo que era el símbolo de su bandera de juegos. Incrédulos al principio, no tardan en tomárselo más en serio cuando comienzan a cumplirse lo que habían escrito tan inocentemente cuando eran pequeños. Es en ese justo momento cuando deciden ponerse en acción para parar al misterioso responsable que se esconde tras todos los acontecimientos, un tal Amigo.

No he leído el manga original por lo que no puedo opinar si es una buena o mala adaptación (aunque me dicen que es bastante fiel), pero como película se puede decir que ha salido un trabajo bastante entretenido. Entretenido pero se me hizo algo larga... Y es que algunas escenas quizá se dilatan demasiado, es como si el director quisiera dar más dramatismo del que puede haber, logrando únicamente que el espectador se canse, sobre todo porque encima no son pocas las veces en la que suena una machacona música con la cual se pretende emocionar pero que no logra otra cosa que dar cierto dolor de cabeza. Y es que la música me ha parecido de lo peor de la película, a veces, como digo, abusan de ella, pues intentan que provocar una reacción en el espectador que conmigo al menos no lo consiguieron, a esto hay que sumarle que muchas de las melodías me son extrañamente familiares, como si las hubiera escuchado antes en más de un filme.

Por otra parte algo que quizá empaña el resultado final es el exceso de personajes, con tantos personajes no es difícil hacerse cierto lío mental sobre quién es quién, pero al menos todos resultan más o menos simpáticos, muchos bastante divertidos incluso.

En definitiva, nos encontramos con una adaptación que casi con toda seguridad gozarán más de ella los que se hayan leído el manga previamente, puesto que no tardarán en identificar personajes y situaciones, volviendo a rememorar el que dicen que es uno de los mejores y más enganchantes cómic japonés que se puede leer en la actualidad.



LO MEJOR:
-El peculiar sentido del humor.
-El tipo de los chasquidos, me parece un personaje de lo más excéntrico (aunque hiperbreve).

LO PEOR:
-La banda sonora.

¿Quién debería verla?
Los fans del manga original (que ha sido editado en España por Planeta DeAgostini).

Una nota importante:
Es la primera parte de una trilogía. La segunda parte se estrenó el pasado enero en Japón.

16 marzo 2009

Déjame entrar

Durante los días 5, 6, 7 y 8 de marzo se celebró en los cines Palafox de Madrid la VI Muestra Sci Fi de Cine Fantástico. Por desgracia no pude hacerme con un bono, pero sí que tuve la oportunidad de ver algunos de los 13 films que se proyectaron. Así pues, ni corto ni perezoso me he puesto con ello y he escrito mis impresiones sobre los 4 largometrajes que pude/quise ver, obviamente las iré publicando a lo largo de 2 ó 3 semanas, esperando como siempre que os resulten interesantes.

***

La película que más expectación generó junto con la inaugural fue este atípico trabajo dirigido por el sueco Tomas Alfredson. Déjame entrar de hecho ha logrado reconocimiento tanto por parte de la crítica como del público por todo festival que ha pasado, como el Festival de Cine Fantástico de Sitges o el Festival de Tribeca.

Oskar es un niño de 12 años tímido y solitario, en la escuela le acosan unos matones y no hace nada para defenderse, tras ésta no tiene nada que hacer salvo fantasear con su venganza. Una de esas noches de fantaseo se encuentra con una misteriosa niña de su misma edad, pero ésta le dice que no pueden ser amigos; no obstante al día siguiente la chiquilla, cuyo nombre es Eli, vuelve a aparecer, y así irán viéndose todos los días (bueno, noches), hasta ser más que amigos. Pero sin embargo Oskar desconoce un terrible secreto de su nueva amiga.

Tomas Alfredson firma lo que es una de las mejores historias de vampiros que se han hecho en los últimos tiempos, una bella historia de amistad y amor, sazonada con un poco de sangre fresca y unos personajes entrañables (sobre todo la vampiresa). La historia está basada en una novela de John Advide Lindqvist (sí, no creo que sea muy conocido por estos lares, pero el libro lo ha editado Espasa), y al parecer ya están preparando, por desgracia, un remake en Hollywood.

Probablemente estemos ante la historia de vampiros más humanista que se haya hecho, el director ha querido darle un enfoque diferente al de otras muchas películas de género y desde luego que lo ha logrado. Con una puesta en escena sobria y un ritmo narrativo pausado Alfredson no ha apostado por la sangre ni la violencia (que, todo sea dicho, también hay), sino por contar una historia de amistad y a la vez de superación de los miedos del protagonista.

Los dos jóvenes protagonistas fueron escogidos tras un año de castings por toda Suecia, siendo seleccionados Káre Hedebrant (Oskar) y Lina Leandersson (Eli), los cuales queda demostrado que fueron una elección perfecta, ya que realizan un gran trabajo y la química entre ellos es más que evidente.

Déjame entrar es una bella historia de un amor aparentemente imposible, está contada con mesura y elegancia, logrando emocionar incluso en los momentos más sórdidos. El único handicap que le veo es precisamente su ritmo, el cual puede resultar cansino para parte del público en algunos momentos, pero no obstante si dicho tipo de espectador hace un pequeño esfuerzo se verá recompensado con otros instantes realmente brillantes.


LO MEJOR:
-La pareja protagonista.
-La dirección.
-La banda sonora.

LO PEOR:
-A algunos se le puede hacer lenta.

¿Quién debería verla?
Aquellas personas que estén fascinadas por la mitología vampírica descubrirán otro punto de vista que probablemente agradezcan.

¿Y quién no?
Quien busque acción frenética y violencia a diestro y siniestro.

12 marzo 2009

Watchmen

Lo primero que hay que dejar claro es que no me he leído el cómic en el que se basa la película, por lo que obviaré el asunto de si es o no una buena adaptación y me dedicaré a opinar si Watchmen me pareció o no un buen filme. Os haré un adelanto: me gustó.

Estamos en el año 1985, aunque no es un 1985 cualquiera, sino uno que jamás existió, una época alternativa. La guerra fría continúa, Nixon gobierna con mano férrea, el peligro de un ataque nuclear por parte de los rusos es inminente. A todo esto alguien asesina a un antiguo Vigilante, un viejo héroe enmascarado. Rorschach, el único enmascarado que todavía sigue en activo (pues a través del Acta Keene se prohibió salir a las calles para impartir justicia) cree que hay alguien detrás que quiere acabar con todos los antiguos Vigilantes, pero sus ex-compañeros no parecen estar tan seguros. No obstante los acontecimientos darán la razón al desequilibrado héroe, cosa que obligará al resto a volver a ponerse los trajes; pronto se darán cuenta de que todo es una conspiración que podría provocar un holocausto nuclear.

Zack Snyder dirige esta adaptación de la opera magna de Alan Moore y Dave Gibbons, el mejor cómic/novela gráfica de la historia según dicen. El director nos vuelve a demostrar que tiene talento, y que sabe trasladar el estilo visual de los tebeos a la pantalla (ya lo hizo con 300, aunque el contenido de dicha cinta distaba mucho de ésta). Nos encontramos ante unas de esas películas cargadas de simbolismo, con multitud de lecturas y unos personajes de psicología compleja, para nada plana. Cada uno tiene sus motivaciones, sus miedos, sus virtudes y defectos, no son personajes maniqueístas (cosa que abundaban en el film anterior de Snyder). Estéticamente es cuasi perfecta, la atmósfera y la ambientación están completamente logradas, los efectos especiales son fantásticos y las actuaciones de los intérpretes solventes y creíbles. Por cierto, respecto al reparto hay que decir que en líneas generales es bastante desconocido, quizás los más reconocibles para el público sean Carla Gugino (Spy Kids), Billy Crudup (Big Fish) , Patrick Wilson (Hard Candy) y Stephen McHattie (Una historia de violencia); no obstante éste podría haber sido muy diferente, ya que los estudios apostaban por hacer un elenco de grandes estrellas al estilo de Ocean's Eleven.

Watchmen no supone una revolución, pero es un punto de inflexión en lo que a cinecómic superheróico se refiere, puesto que adapta una obra que nada tiene que ver con los típicos héroes de la Marvel o de DC, es más adulta y su contenido y densidad son mayores, apenas tiene acción y sí muchos diálogos, su ritmo es pausado y no atropellado, sin embargo no causa sopor ni se hace pesada (aunque para algunos lo será). Si la valoramos como simplemente película hay que decir que el resultado es bueno, el realizador de Amanecer de los muertos ha vuelto a hacer un buen trabajo, si la valoramos como adaptación... bueno, de eso ya se encargan otros de opinar, seguro.



LO MEJOR:
-Rorschach, a medida que avanza la trama va cayendo más simpático.
-Los efectos especiales, la dirección, la fotografía, la ambientación...
-La historia en sí.

LO PEOR:
-Puede hacerse pesada para algunos.

¿Quién no debería verla?
A los seguidores más puritanos del cómic seguro que no les gusta.

10 marzo 2009

Slumdog Millionaire

Un joven está siendo interrogado con métodos para nada sutiles, los hombres que lo hacen le preguntan cómo hizo trampas pero el chico se niega a confesar. Le dan una buena descarga eléctrica y por momentos se queda inconsciente, los hombres comienzan a pensar que quizás respondió lo que respondió porque lo sabía, el chico recobra la conciencia y lo dice bien claro: "Sabía las respuestas."

Tras ello lo llevan a las dependencias menos oscuras de la comisaría y le ponen el video con el programa del día anterior de "¿Quiere ser millonario?", y allí está el chico, en la pantalla del televisor, y el agente comienza a interrogarle pregunta por pregunta del concurso, y el chico, aunque a regañadientes, comienza a explicarle cómo podía saber las respuestas. Curiosamente, todas las respuestas le aparecieron a lo largo de su vida, prácticamente todas por experiencias para nada divertidas.

Danny Boyle, el hombre que parió Trainspotting, La playa, Sunshine y Millones, entre alguna que otra, ha vuelto a sorprender a muchos con su nuevo filme, una película a la que le costó encontrar distribuidora (o eso dicen) y que al final ha logrado triunfar en los Oscar y con ello ha logrado una jugosa taquilla mundial, sobre todo si tenemos en cuenta que el presupuesto del film rondó los 15 millones de dólares. Está inspirada en la novela de Vikas Swarup, Rupien, Rupien! (en España ha sido publicada por Anagrama con el título de ¿Quiere ser millonario?), Simon Beaufoy (Full Monty) se ha encargado de adaptarla a guión cinematográfico logrando hacer un meritorio trabajo con el que ha conseguido multitud de premios además del Oscar al mejor guión adaptado.

Rodada buena parte en escenarios reales de Bombay, en barrios chabolistas y con muchos actores no profesionales (los niños básicamente), Slumdog millionaire nos muestra la dura vida de los que están completamente desprotegidos en un país que tiene más de 1000 millones de habitantes, y donde la pobreza y la corrupción forman parte de la cotidianeidad de la mayoría de la población. Sin embargo no se trata de un filme deprimente ni triste, sino que se puede considerar una especie de cuento de hadas, una aventura fantástica de un niño con una fuerza y determinación inauditas, de un amor que logra superar todas las barreras. Es por lo tanto, una historia optimista a pesar de todo, y cuyo final es sin duda el que todo el mundo puede pensar: feliz.

No me parece que sea tan buena como para conseguir 8 Oscar, tampoco que sea especialmente original, no creo que sea la mejor película del pasado año, ni mucho menos de la última década; sin embargo sí que estamos ante un trabajo que destila buen hacer, sentido del humor cuando lo necesita y cruda realidad es muchas otras ocasiones, su banda sonora es una mezcla entre Bollywood y Hollywood, creando un peculiar ambiente en muchas ocasiones, se empatiza con los personajes fácilmente (de hecho al final te caen bien hasta los policías que al principio torturaban al protagonista) y la historia de amor imposible no por ser mil y una veces contada deja de interesarte. Sin duda estamos ante una bonita (y maniquea) historia, para una bonita (y un tanto manipuladora) película.


LO MEJOR:
-La banda sonora.
-La personalidad de Jamal Malik.
-El mensaje de la historia.

LO PEOR:
-A pesar de todo uno no deja de tener la impresión que es un filme que ha sido hecho, pensado, para ganar premios. Si os fijáis tiene multitud de tópicos que a los miembros de La Academia les encanta.

¿Quién debería verla?
Éste es uno de esos filmes que encandilan prácticamente a todo el mundo.

¿Una incongruencia?
Jamal afirmó en el concurso que no sabía leer, pero bien que buscó a su hermano en el ordenata del trabajo...

28 febrero 2009

Vals con Bashir

Todo comienza con un sueño. En el sueño unos perros aparecen de la noche y comienzan a correr rabiosamente. Poco a poco se van uniendo más y más, formando una jauria, atravesando calles y sembrando el terror entre los transeúntes. Llegado un momento se paran en seco y comienzan a ladrar, a través de una ventana mira tímidamente un hombre... Dicho sueño se lo cuenta un amigo a Ari Folman, el director de este filme, llegando a la conclusión de que el mismo tiene que ver con la misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con Líbano. Ari se da cuenta entonces de que no recuerda nada sobre dicha guerra, y es entonces cuando busca respuestas. A medida que va conversando con diferentes personas, algunos antiguos compañeros de combate, su memoria va aflorando, lo malo es que quizás recuerde cosas que realmente no quiere recordar.

Vals con Bashir es el primer documental de animación, una arriesgada y valiente apuesta visual por parte de su director, y una película dura e impactante.

Definir Vals con Bashir es complicado, comentar algo sobre ella me resulta harto difícil, pero haré un esfuerzo para intentar transmitir al menos una parte de lo que me ha hecho sentir.

Locura. Estupidez. Absurdidad. Sinsentido. Sinrazón. La guerra. Eso es la guerra ni más ni menos, la mayor de las estupideces humanas, y una forma de controlar la población... aunque este último comentario nada tiene que ver con el documental que nos ocupa. Ari Folman sin duda estuvo inspirado al jugársela haciendo un trabajo como el que ha realizado, desde principio a fin es un ejercicio de reflexión no sólo acerca de la barbarie de las guerras, sino de la propia condición humana, que se deja llevar por sus instintos más bajos, que es sumamente manipulable a través del miedo, que no reacciona a pesar de las evidencias.

Visualmente nos encontramos ante una película con imágenes realmente bellas, como el sueño del director; muchas otras oníricas y sugerentes; incluso alguna puede ser considerada de mal gusto por unos pocos. Pero lo que no se puede negar es que es un acierto desde principio a fin, el estilo de animación, los diseños, los colores, todo transmite esa atmósfera entre onírica y sórdida, entre el sueño y la pesadilla. Si a todo ello le sumamos una banda sonora realmente buena, regalándonos momentos llenos de poética locura y de cruda realidad.

Vals con Bashir es un film diferente, un atrevido y necesario trabajo, su desarrollo es magnífico, su final es desolador. Dejó a la sala en el más absoluto silencio, no se escucharon ni cuchicheos, ni aclarado de gargantas, es uno de esos rarísimos finales que hacen que no puedas evitar contener la respiración, un final que te recuerda que todo aquello fue real, que la matanza de los campos de refugiados de Sabra y Chatila es un hecho, por mucho que algunos quieran enterrarlo en el olvido.



LO MEJOR:
-El concepto en sí de realizar un documental de animación.
-Absolutamente todo: banda sonora, dirección, dirección artística, animación...
-El final.

LO PEOR:
-¿Que no haya ganado el Oscar a mejor película extranjera de habla no inglesa?

¿Quién debería verla?
Todo el mundo.

¿Y quién no?
No llevaría a que la viera un niño, que sea de "dibujitos" no quiere decir que tenga que ser infantil.

24 febrero 2009

EL DESAFORTUNADO CASO DE Mr. PEPE LUI

Iba caminando por la calle Pepe Lui, que andaba que te andaba como cada día a esa misma hora minuto más minuto menos. Pues bien, que iba caminando Pepe Lui, con su sombrero de copa, su distinguido bastón (aunque bien sabía él que no lo necesitaba, le gustaba porque le daba un porte elegante -al menos eso pensaba-), su chaqueta negra a pesar del calor, su pantalón azul marino y sus zapatos de azabache recién engrasados, brillantes de tan limpios que estaban. Se cruzó en su camino el perro de Paco, el cual vivía a tres manzanas de allí, por lo que dedujo con su perspicaz intelecto que o Paco estaba cerca o se le había escapado su mascota, así que dio más de una vuelta alrededor del quiosco de doña Tecla, en busca del tal Paco, el cual le debía dos pesetas desde hacía más de un mes, pero no estaba por ningún lado. Por lo que optó por llamar al perro, que tenía el nombre de Clotildo, en honor al abuelo de Paco según decía el mismo. Una vez lo atrajo y capturó con sus fornidas manos lo cogió en brazos y fue en pos del dueño, el cual o estaba en su casa o, más probablemente, en el bar de la esquina, junto a la verdulería de Rafaela, que era prima hermana de Pepe Lui por parte de padre.

Pasado un rato llegó al bar del Bernardo, echó un vistazo fugaz, pues el hedor a tabaco le molestaba sobremanera, y comprobó que Paco no se encontraba allí, aunque sí que estaba el bueno de Gustavo, el cual vendía cupones desde hacia un par de años, que fue precisamente cuando comenzó a perder la vista; también estaba María, la mujer de don Eustaquio, el cual estaba sordo como una tapia, de ahí que siempre le acompañara su señora a todas partes. Siguió su camino Pepe Lui, con el pobre Clotildo a cuestas, el cual ya comenzaba a impacientarse, estando deseoso por bajar y caminar por su propio pie, cosa que no estaba dispuesto a dejar Pepe Lui.

Al fin llegó al portal de Paco (aunque antes se había cruzado con la viuda Jimena, con la que no tuvo más remedio que conversar durante más de media hora), el cual vivía en un séptimo y el ascensor estaba estropeado... Pepe Lui, que como ya he dicho era un tipo de perspicaz inteligencia, dedujo que Paco no saldría de su casa hasta que no arreglaran el ascensor, por lo que seguramente habría dejado que el perro saliera solo a la calle, a su infortunio. Pepe Lui, que también era un tanto suspicaz, no estaba dispuesto a perder sus dos pesetas, por lo que a pesar que subir escaleras no era su fuerte decidió hacerlo. Clotildo se removía, más Pepe Lui lo tenía aferrado fuertemente, y subió de uno en uno los escalones, y tras una eternidad llegó al séptimo izquierda y llamó a la puerta. ¿Está Paco?, le preguntó a un joven que había abierto, a lo que éste respondió: ¿Paco el manco?, con una cara un poco de circunstancia. No, Paco el Remolachero, dijo pepe Lui. No, hombre, ese Paco vive en el bloque de al lado. Pepe Lui maldijo a Paco y a todos sus parientes, así como a su perro, el cual salió pitando cuando vio la oportunidad.

Semanas más tarde Paco murió. En su testamento no ponía nada de dos pesetas a favor de un tal Pepe Lui.

18 febrero 2009

El Curioso Caso de Benjamin Button

El nuevo trabajo de David Fincher se convirtió en una de las películas más esperadas por mí desde el primer momento que leí algo sobre el proyecto, pero sobre todo cuando hace ya bastantes meses vi el primer trailer del mismo. La historia de un hombre que va envejeciendo al revés me resultó del todo intrigante desde el principio, ¿cómo lo abordaría el director?, ¿qué tal estaría el guión? Lo que no dudé es que el trabajo de Brad Pitt y Cate Blanchett iba a ser redondo. Parece que no me equivoqué, y que mis expectativas (y las de tantos otros) no eran vanas.

La historia comienza en un hospital donde vemos a una anciana Daisy (Cate Blanchett) junto con su hija, Caroline (Julia Ormond). Se están despidiendo, puesto que bien saben ambas que ya le ha llegado la hora. Daisy le pide a Caroline que coja un libro de sus maletas y se lo lea, éste no es otro que un diario de alguien a quien amó con locura Daisy; en él está la historia de dicha persona y buena parte de su propia historia. A medida que avanza la misma, que Caroline va leyendo páginas, se da cuenta de todo lo que desconocía de su madre, de todos los momentos extraordinarios que vivió durante su vida, de todos los secretos que guardaba en lo más profundo de su corazón.

No son pocos los que han comparado El curioso caso de Benjamin Button (que está basado en un cuento de F. Scott Fitzgerald de idéntico título) con otra gran película como es Forrest Gump. Bien cierto es que Eric Roth también escribió el libreto del oscarizado filme de Robert Zemeckis, que tiene similitudes en el montaje y en la propia historia, o más bien en la forma de contar ésta y quizás también el juego con los apellidos; pero de ahí a afirmar que es un Forrest Gump 2 va un buen trecho, puesto que el film de David Fincher tiene personalidad propia, una estética diferente y unos personajes principales que para nada me recuerdan a los de la primera, aunque en lo que se refiere a los secundarios sí que se pueden ver ciertos parecidos (al menos yo la veo entre la madre de Gump y la "madre" de Button).

David Fincher es un director que se prodiga poco, comenzó con esto del cine con una cinta que tuvo cierta polémica, puesto al parecer los productores no le dejaron hacer el trabajo que quería (y así salió), esta no era otra que Alien 3, sin duda la peor de la tetralogía alienígena. Tras el bache nos trajo una obra que a día de hoy aún perdura su influjo, con Seven sin duda nos lo hizo pasar genialmente mal; después de la entretenida The Game vino la transgresora y gamberra El club de la lucha, que fue su segunda colaboración con Brad Pitt; La habitación del pánico fue su quinto filme y todo un taquillazo, le siguió Zodiac, que fue elogiada unánimemente por la crítica pero que al público no pareció gustarle tanto. Con su último trabajo parece que sí que ha convencido tanto a los espectadores como a los críticos.

El curioso caso de Benjamin Button es, ante todo, una bonita historia de amor y una fábula sobre la vida. Sus personajes intentan sacarle el máximo jugo a ésta, aprenden que nada es para siempre, que todo tiene su momento, y que lo importante es emplear ese tiempo que tenemos para hacer lo que verdaderamente queremos; los personajes nos hacen ver que nunca es tarde para cumplir los sueños, que siempre se puede volver a empezar desde cero y corregir aquello que creamos que hayamos hecho mal, o sea, que lo verdaderamente importante es cómo vives tu vida.

Los actores y actrices están grandiosos, comenzando por Brad Pitt y terminando por Taraji P. Henson, que hace de una madre fuerte y llena de vitalidad; y pasando por Cate Blanchett, la cual sale guapísima, aunque a veces la veo rara con tanto maquillaje (me parece más logrado, menos artificial, el de Pitt). La banda sonora de Alexandre Desplat es todo un gozo para los oídos, dándole más emotividad a las escenas, concordando a la perfección la música con las imágenes.

Los efectos especiales y el maquillaje se merecen una mención aparte. Y es que ver como va rejuveneciendo Benjamin es algo soberbio (y que tiene más de magia virtual de lo que podáis imaginar), sin duda el Brad Pitt de casi el final de la película es el mismo que hace ya cerca de veinte años encandiló a todas en Thelma y Louise. El paso del tiempo es vital en este filme, que transcurre a lo largo de toda una vida, por lo que absolutamente todos los personajes van envejeciendo, les van saliendo arrugas y canas, mientras que a Benjamin Button es justo lo contrario. Realmente es increíble la transformación de los personajes.

Nada es para siempre, y eso lo hace todavía más bello; dice un personaje de la cinta. El hecho de que los que están a tu alrededor, tus allegados, vayan muriendo hacen que te importen más, ya que te das cuenta de que luego los vas a echar muchísimo de menos. Y esa es la vida al fin y al cabo, te encuentras con una persona y en un determinado momento tu camino se separará del suyo, quizás haya suerte y en un futuro no muy lejano te topes con ella, o también puede que jamás ocurra. Es por ello que realmente merece la pena exprimir al máximo el tiempo que estás con las personas que quieres, disfrutar cada segundo, porque realmente nunca se sabe cuando, por una u otra causa, dejará de formar parte de tu vida.


LO MEJOR:
-La dirección de Fincher, hay cientos de imágenes que se quedan impregnadas en la memoria.
-El elenco de intérpretes.
-El maquillaje y los efectos especiales, así como la banda sonora y la fotografía.
-El guión, aunque según mi punto de vista hay un momento que se ralentiza en exceso.

LO PEOR:
-Desaprovechar el tiempo y no ir a ver esta película.
-La parte intermedia del film, que se puede hacer tediosa para algunos.

Ponyo en el acantilado

Ponyo en el acantilado es la nueva película de Hayao Miyazaki, director de El Viaje de Chihiro, La Princesa Mononoke y El Castillo Ambulante (entre otras muchas). Su estreno en cines es el 24 de abril, ¡¡id a verla sin falta!!

Ponyo en el acantilado (Gake no Ue no Ponyo) es un filme del Studio Ghibli, dirigido por Hayao Miyazaki. Se estrenó el pasado año en Japón, convirtiéndose en una de las películas más taquilleras de 2008 en dicho país. Ha pasado por múltiples festivales y obtenido siempre una gran ovación por parte del público y la crítica.

15 febrero 2009

Evangelion 1.0 You are (not) alone

Cuando apareció la noticia de que se iba a estrenar en cines la nueva película basada en la famosa serie de los noventa que tanto nos hizo disfrutar (y sufrir) a muchos, sin duda muchas sonrisas se dibujaron, aunque claro, por esa época no sabíamos que tan sólo iba a ser proyectada en dos salas y que encima iba a ser durante cinco días cochinos y una sesión diaria... Para mi suerte he estado en el lugar y momento apropiado para poder visionarla en pantalla grande (al igual que tuve suerte de ver Gedo Senki en tal formato), aunque ciertamente el destino me jugó alguna que otra mala pasada hasta que al fin logré verla, en su último día y sesión (en Madrid al menos, pues los barceloneses gozaron de una semana extra).

Todo comienza cuando vemos a un jovenzuelo que está esperando a alguien y salta la alarma en la ciudad, un enorme bicharraco (un Ángel para los amigos) está atacando Tokyo-3 y el pobre de Shinji Ikari (que así se llama el muchacho como ya sabréis muchos), ya está pensando que le queda poco de vida. Justo a tiempo llega ha recogerle Misato con su flamante coche deportivo; ella le lleva a las instalaciones de NERV, lugar donde trabaja el padre de Shinji, Gendo Ikari, el cual le pedirá que pilote un EVA, un enorme mecha con el cual luchan contra los Ángeles; Shinji se niega tajantemente al principio, pero al ver el lamentable estado de la otra piloto decide hacerlo, aunque verdaderamente no tiene ni idea de cómo lo va a hacer y está cagado de miedo...

Evidentemente la historia no acaba ahí, ése es sólo el principio de la película, al igual que era el principio de la serie original. Evangelion 1.0 You are (not) alone (Evangerion shin gekijôban: Jo) forma parte de un proyecto más grande al cual han denominado Rebuild of Evangelion, que no va a ser otra cosa que una tetralogía en la que cuentan de nuevo la misma historia, reinventando algunos aspectos, metiendo algún que otro personaje nuevo, cambiando acontecimientos... y lo que se le ocurra a las mentes pensantes de Khara y Gainax, lo que se le ocurra al idolatrado y odiado Hideaki Anno, que es al fin y al cabo el que tiene las riendas del proyecto. La cuestión es que con dicho plan quieren rehacer la serie, desarrollando en los tres primeros films lo que sería la serie original, y en la cuarta y última (esperemos) volver a hacer un final, que muy difícil no lo tienen para hacer uno que tenga sentido, pero conociendo a Anno diría que es capaz de hacer otra criatura infumable e ininteligible.

El que haya visto la serie tendrá al principio cierta sensación agridulce en los labios, y es que plano a plano verá repetido lo mismo que ya ha visto con anterioridad, los diálogos también son iguales básicamente, la banda sonora es la misma (o sea, sigue siendo buena). Al comienzo no me convencía lo que veía, me parecía demasiado clónico, pero por suerte a medida que avanzaba la trama e iban introduciendo detalles, ciertas modificaciones, algún que otro plano nuevo, me fue gustando más y más, y encima luego tras ver los créditos observé con alegría que había un avance de lo que nos depararía el futuro. Ahí sí que me froté las manos, puesto parece que va a haber novedades muy jugosas.

La animación está bien, pero no es nada del otro mundo, al igual que en la serie abundan los planos fijos sin que los personajes muevan un dedo (bueno, son menos exagerados, puesto que se ha de suponer que tienen presupuesto suficiente). Sin duda lo que más destaca en dicho aspecto son las peleas contra los Ángeles, sobre todo el último que sale en el filme (que es el quinto) que sin duda da pie a la escena más emocionante de toda la cinta.

Como conclusión decir que Evangelion 1.0 You are (not) alone es un digno largometraje para una de las series de culto más importante de la última década del pasado siglo, de obligado visionado para los que gozaron con ella, y una oportunidad de oro para que los neófitos descubran este paranoico y fascinante universo creado por un tipo que sin duda ha debido experimentar con estupefacientes.


LO MEJOR:
-Volver a rememorar la serie original.
-Las peleas de los EVAS contra los Ángeles, simplemente espectaculares.

LO PEOR:
-Pocas novedades respecto a la serie.
-Que haya sido un estreno tan limitado.

¿Quién debería verla?
Los fans de Evangelion y aquellos que amen el anime.

¿Y quién no?
Si te quedaste en La abeja Maya, quizás no es recomendable que la veas (sobre todo por tu salud mental).

Fechas variadas:
Evangelion 2.0 You can (not) advance se estrena este año en Japón. Evangelion 1.0 se edita en DVD el próximo 20 de mayo.

10 febrero 2009

El Intercambio (Changeling)

Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre soltera trabajadora, cada mañana lleva a su hijo, Walter, a clase y tras ello va al trabajo. Inesperadamente se tiene que ir a trabajar durante un fin de semana, dejándole la promesa a su hijo de que al día siguiente sí que irán al cine. Cuando vuelve, ya anocheciendo, Christine se extraña de que las luces de la casa están apagadas, angustiada busca por todas las habitaciones a Walter, pero no lo encuentra. Varios meses después la policía le trae la buena noticia de que han encontrado a su hijo, pero la dicha le dura poco, ya que nada más ver al niño se da cuenta de que alguien ha cometido un error, que ése no es su hijo. No obstante, y tras las protestas de la mujer, la policía parece no creérselo e incluso la acusan de estar desequilibrada mentalmente. Sólo un hombre la ayudará en tan aciagos momentos, el reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich).

Sorprende como un hombre de cerca de ochenta años puede tener esa capacidad de trabajo como la tiene Clint Eastwood, al que muchos ya denominan el último director clásico. Y es que últimamente parece que estrena las películas a pares, ya lo hizo en 2006 con dos filmes complementarios como son Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima; y nos vuelve a ofrecer de nuevo una doble ración de cine con El Intercambio, que se estrenó a finales del pasado año, y Gran Torino, que nada tiene que ver con la primera y se estrena en pocas semanas.

Con la película que nos ocupa Eastwood vuelve a demostrar su valía, y es que este film que produce, dirige y del cual también ha compuesto la banda sonora es un peliculón en toda regla, y eso que no estamos hablando que sea la mejor película del director. La dirección es simplemente genial, sin duda recuerda a muchos filmes clásicos (cosa que ayuda la cuidada ambientación y vestuario), el ritmo que le da mantiene siempre el interés del espectador y la fotografía de Tom Stern le da una atmósfera singularmente melancólica, al igual que la propia música.

Muy destacable es el trabajo de Angelina Jolie, que hace de una madre coraje muy creíble, y que se deja la piel en el papel realizando lo que es uno de sus mejores trabajos hasta la fecha. El resto del reparto cumple a la perfección su cometido, destacando (por nombrar a algunos) el siempre eficaz John Malkovich; Jeffrey Donovan, que interpreta el papel del capitán Jones; y también Jason Butler Harner, cuyo personaje es de los más interesantes y oscuros de la cinta.

En conclusión, que si aún no la habéis visto no dudéis en hacerlo si tenéis la oportunidad, El Intercambio es una de las mejores películas del pasado año, una obra imprescindible que nadie debería dejar pasar, un melodrama que muestra una turbia época de la historia de Los Ángeles, pero que sin duda se podría trasladar a la actual corrupción política que parece imperar en multitud de ciudades.


LO MEJOR:
-La dirección de Eastwood.
-Angelia Jolie y el reparto en general.
-La música, hay algunos temas realmente buenos.

LO PEOR:
-No haberla podido ver antes.

¿Quién debería verla?
Todo el mundo, y muy especialmente los seguidores de su director.

05 febrero 2009

Revolutionary Road

Sam Mendes encandiló allá por 1999 tanto a crítica como a público con su debut cinematográfico American Beauty, una crítica a la sociedad norteamericana, y a la clase media-alta estadounidense en particular. Diez años después, y tras haber realizado un drama de gángsteres y otro bélico, vuelve con otro film de parecido al primero, aunque sin un ápice de sátira.

Frank y April Wheeler (Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, respectivamente), son una pareja ideal, especial, diferentes a ojos de todo el mundo. Se han comprado una casita en los suburbios de la ciudad, en un buen barrio con mucha luz y muchos jardines, tienen dos hijos maravillosos y la vida parece que les sonríe... Pero un buen día se dan cuenta que ésta está vacía, que no la están viviendo sino que la están dejando pasar, así que deciden que hay que cambiar de aires y que irán a vivir a París. No obstante, a medida que avanza el plan también van apareciendo dificultades.

El novelista y guionista Justin Haythe adapta la novela Revolutionary Road, de Richard Yates, en la cual criticaba tanto el conformismo como el consumismo de las familias americanas. Desconozco si el guión es muy fiel a la novela o no, pero sin duda el filme de Mendes es toda una crítica al conformismo, a pesar de estar ambientado en los 50 es perfectamente trasladable a la época actual, o según mí entender, a cualquier época. La familia Wheeler intentan aparentar que son felices cuando no lo son, Frank tiene un trabajo que le parece estúpido pero sin embargo se aferra a él con uñas y dientes, y no es sino su mujer la que intenta hacerle ver que pueden vivir de otra manera. Kate Winslet, una de las actrices con más talento de su generación, hace un trabajo realmente bueno, mientras que Leonardo DiCaprio vuelve a demostrar su solvencia, y de paso vuelve a compartir pantalla junto a la que fuera su compañera de reparto en Titanic. Kathy Bates los secunda en un papel que está hecho a su medida, bueno, en realidad todo el casting es realmente genial, equilibrado y lleno de talento (especial mención al hijo "loco" de Helen).

Sam Mendes convence y firma un notable trabajo, logra que nos interesemos por el destino de los Wheeler y no aburre en ningún momento. Revolutionary Road es, sin duda, un destacable film dentro de la cartelera actual, tanto por la dirección, el gran trabajo interpretativo de todos los actores y actrices, la ambientación, la banda sonora... sale uno de la sala realmente satisfecho.



LO MEJOR:
-El reparto. Un gran trabajo de todos y cada uno de los miembros del mismo.
-La dirección de Mendes.
-La banda sonora.

LO PEOR:
-Al final hay varias escenas en la que uno cree que ya se acaba, pero no hace sino equivocarse una y otra vez. Dicha parte se hace un poco larga.

¿Quién debería verla?
Si eres de los que le gustaron las anteriores películas del director, ésta también lo hará.

¿Y quién no?
Si no te gustan los dramas con problemas de pareja de por medio quizá sea mejor que te vayas a ver otra peli.

29 enero 2009

Import/Export

Tras un oscuro pasillo -después de haber pasado junto con un luminoso letrero donde estaba colocado un póster con la imagen de una mujer de espaldas y desnuda apoyada sobre sus rodillas y bajo ella, separados por una línea, varios ancianos disfrazados-, escondido entre dos altos edificios, se encontraba la entrada de un pequeño cine. Era lo único que alumbraba el lugar, allí estaba la sala donde fui a ver este interesante filme austriaco.

La película se centra en dos personajes, dos historias. Por un lado tenemos a Olga, una joven madre ucraniana que trabaja como enfermera a cambio de un mísero sueldo; y por otro lado tenemos a Paul, un joven austriaco que está entrenándose para ser vigilante de seguridad. En ambos casos el ambiente es sórdido, aunque más si cabe en el primero, donde los paisajes urbanos o semi-urbanos, barrios marginales todos ellos, son la nota dominante. Olga, harta de que apenas le paguen en el hospital donde trabaja y encima no le den unas míseras vacaciones, se arriesga con otro empleo quizás no tan bien visto, pero sí mejor remunerado como es ser una chica de Webcam. Mientras, Paul, pelea con su novia por culpa de un perro que se quiere comprar, y tiene una mala experiencia laboral que le lleva a perder el trabajo de "segurata"; a eso hay que añadirle que debe dinero a más de una persona, por lo que las cosas se le empiezan a poner difíciles.

Olga se da cuenta que no puede seguir con su nuevo empleo, por lo que se va a Austria en busca de uno que sea digno. Allí lo primero que consigue es ser limpiadora en una casa, mas la suerte no le sonríe en esta primera ocasión. Posteriormente consigue otro empleo de limpiadora, aunque en esta ocasión en un geriátrico, allí establecerá una curiosa amistad. Paradójicamente el camino de Paul lo lleva a recorrer varios países con su padrastro hasta llegar a Ucrania; allí simplemente tienen que dejar una máquina tragaperras, pero tras un suceso Paul decide seguir su propio camino y dejar en el hotel a un padrastro que detesta.

En estos dos párrafos se podría resumir el argumento Import/Export, una película para nada comercial: es larga y lenta, tiene infinidad de planos fijos, es bastante parca en diálogos, la ambientación es árida y fría... Tiene todos los ingredientes para no atraer a millones de espectadores, pero sin embargo es uno de esos films que te muestran otra realidad tal y como es.

En este caso el director (Ulrich Siedl) nos hace ver una Europa desconocida para prácticamente todos nosotros, una Europa del este depresiva, marginal, pobre, donde la dignidad hay que dejarla a un lado para poder alimentar a la familia, donde por un poco de dinero se puede comprar cualquier cosa. Nos muestra los ruines que pueden ser algunas personas, lo vacías que están de valores o de una mínima sensibilidad y solidaridad. Sin duda las poco más de dos horas de metraje se hacen largas, pero aún así prácticamente en ningún momento deja de tener puntos de interés, es quizás en algunos planos fijos demasiado extensos donde más de uno puede pensar salir de la sala corriendo (de hecho a la sesión que fui lo hizo una persona), sobre todo porque llegan a ser grotescos.

Estamos ante una de esas películas que hay que echarle paciencia, que no hay que esperar ni acción a raudales ni explosiones. Simplemente hay que dejarse llevar por los personajes (interpretados magníficamente todos por un buen plantel de actores), seguir con interés sus historias y sin duda cuando las luces de la sala se vuelvan a encender uno no se sentirá engañado por lo que ha visto. A mi entender, Import/Export, es uno de esos pocos filmes que te dejan muchas de sus imágenes impregnadas en la retina, que sólo una vez digeridos se da uno cuenta de que sin duda a visto una buena película.



LO MEJOR:
-El plantel de actores y actrices, muy correctos.
-El que una película se atreva a mostrarnos la Europa más marginal.
-Los planos fijos.

LO PEOR:
-El metraje, un poco más corta quizá hubiera estado mejor.
-También los planos fijos, algunos no aportan nada, más bien aburren al espectador.

¿Quién debería verla?
Es muy difícil recomendar esta película, supongo que el que goce con el cine menos comercial será el que más la disfrute.

¿Y quién no?
El que crea que los movimientos de cámara y los montajes de Michael Bay son el súmmum del cine.

20 enero 2009

Ansiada paz

Cuando uno está aburrido, adormilado, y le es imposible echar una cabezadita, sin duda una buena opción es escribir algo para así despejar la mente...


Gaza es noticia desde hace ya varias semanas, por suerte parece que ahora la cosa se ha calmado un poco, Israel ha decretado un alto el fuego unilateral y Hamás le ha seguido al paso y también ha anunciado una tregua de una semana. Así, con un poco de suerte, los palestinos podrán disfrutar de al menos siete días sin disparos y sin bombas. Quizás en ese periodo encuentren tiempo para encontrar los cadáveres de sus familiares entre los escombros y darle una sepultura adecuada, puede que incluso en ese tiempo les llegue la ayuda que necesitan: comida, medicinas, agua, combustible, mantas... ¿Y después qué? Esa es la pregunta, cuando pase la semana de la tregua de Hamás y comiencen de nuevo a lanzar los cohetes a suelo israelí, ¿cómo responderá el elefante a la picadura de mosquito? ¿Le dará un pisotón o simplemente soplará un poco con su trompa? Y es que por mucho que diga el gobierno israelí, su ataque a Gaza ha sido completamente desproporcionado, la muerte de víctimas inocentes, de niños, no puede ser justificable de ningún modo, y por muchas condolencias que den los políticos israelíes, todas ellas serán vanas, estarán vacías. Si no cejan en su empeño de responder con matanzas cada vez que algún palestino le tira una piedra, no lograrán otra cosa que crear más odio y más violencia.

El pueblo palestino, y especialmente los que (mal)viven en la Franja de Gaza, son un pueblo oprimido desde hace ya décadas, lo único que desea la mayoría de ellos es vivir en paz. Y pienso que ya es hora de que ésta vaya llegando.


Sinceramente, la mente no se me ha despejado, pero espero que estas pocas líneas sean al menos una pequeña gota del vasto océano de vuestras conciencias.

19 de enero de 2009

18 enero 2009

Cuando ella me encontró

A veces uno ve películas por accidente, y este caso podría ser uno de ellos, ya que en principio no pretendía ver el filme de Helen Hunt, pero el hecho que el que quería ver no lo echaban por culpa de un preestreno y en todos los cines posteriores que miramos las sesiones eran demasiado tardías. Resultó que en la última posibilidad sí que había dos películas que nos venían bien, Buscando un beso a medianoche y el que nos ocupa.

Cuando entramos a la sala ya estaba comenzada, me costó un poco meterme en el film por ese hecho, ya que la protagonista, una gran Helent Hunt (aunque ciertamente la veo muy estropeada de cara) y un convincente y barrigudo Matthew Broderick, estaban teniendo una conversación que desde luego no entendía. Pasados los minutos me percaté que ambos eran un matrimonio en sería crisis, de hecho él le acababa de abandonar a ella por no sé qué razón (de hecho, sigo sin saberla xD)... Pero me estoy adelantando, así que procuraré hacer una sinopsis en condiciones en vez de divagar tanto.

April Epner (Helent Hunt) es una mujer madura, de 39 años, y está obsesionada con quedarse embarazada. No obstante no pasa por su mejor momento, puesto que su inmaduro esposo (Matthew Broderick) le acaba de dejar. Angustiada pasa toda la noche sin dormir y va al trabajo, que al parecer es una guardería o quizás una escuela de primaria; allí conoce a Frank (Colin Firth) un hombre atractivo que también ha sufrido recientemente una separación y que tiene a su cargo a dos retoños. Para más inri se le presenta una curiosa y un tanto excéntrica mujer (Bette Midler) que afirma que es su madre biológica.

Helen Hunt se atreve a co-escribir, dirigir y protagonizar este filme, el cual está basado en una novela de Einor Lipman, además también es productora ejecutiva, por lo que desde luego se nota que tenía un empeño personal en llevar adelante el proyecto. Y, ciertamente, cumple, ha firmado un más que correcto trabajo en todos los sentidos, una buena interpretación, un guión con algunos puntos realmente buenos y una dirección que, a pesar de ser debutante en el mundo del cine ha logrado hacer un gran trabajo tanto a nivel técnico como en lo que se refiere a los actores.

Cuando ella me encontró navega entre la comedia y el drama, de repente te puedes encontrar con una escena que comienza de forma cómica y acaba convirtiéndose en todo un drama (especialmente en las escenas de Bette Midler, cuyo personaje sin duda le viene como anillo al dedo). No cabe la menor duda que ese es el gran acierto de la película, esa sabia mezcla entre humor y tragedia que impregna todo el metraje.

El reparto es bastante bueno, empezando por, como ya he dicho, la protagonista y terminando por la mencionada Midler. Colin Firth, actor que hasta hace poco no podía casi ni ver, realiza un estupendo trabajo de padre abandonado; mientras que la elección de, el un tanto perdido en la cartelera, Matthew Broderick como el marido inmaduro es sin duda otro de los aciertos, este actor es de esos que siempre encajan en los papeles de este tipo; la (casi) desaparecida Bette Midler sorprende por lo vivaz de su actuación, imposible no empatizar con su personaje. Otra de las cosas que me ha dejado extrañado es que el escritor Salman Rushdie también tuviera un papel, en este caso hace de doctor; toda una curiosidad.

En definitiva, nos encontramos ante una de esas pequeñas sorpresas que de vez en cuando se dejan ver por la cartelera, una película que no es una superproducción súper promocionada, ni un film especialmente comercial, sino una pequeña cinta que lo único que pretende es contar una historia que bien podría pasarle a cualquiera... ¿o no?


LO MEJOR:
-El reparto, la dirección y el guión.

LO PEOR:
-No haberla visto desde el principio.

¿Quién debería verla?
Todos los que disfruten del cine independiente y de filmes con historias sencillas y cotidianas, pero inteligentes.

¿Y quién no?
Los que sólo disfrutan con películas de encefalograma plano.