La Leyenda de Madre Sarah, de Katsuhiro Otomo y Takumi Nagayasu

Según palabras del propio Otomo, después de terminar Akira deseaba distanciarse un poco del manga, así que, entre otras cosas, se puso a escribir el guión de la obra que nos ocupa con la intención de que una segunda persona le diera forma en el papel, aunque luego su trabajo en otros proyectos (léase Steamboy) hizo que la escritura avanzara a trompicones y llegado un momento, de hecho, fue el autor de los dibujos, Takumi Nagayasu, el que puso punto y final a las aventuras de Sarah escribiendo el guión de los dos últimos tomos. No obstante esta es una historia que de principio a fin destila a Otomo, y aunque no es ni mucho menos su mejor obra (dudo mucho que el autor de Memories logre superar su opera magna), sí que estamos ante un cómic post-apocalíptico con muchos puntos de interés, con un grafismo de calidad y unos personajes carismáticos.

Tras la Guerra Nuclear la Tierra se ha convertido en un lugar yermo e inhabitable, los pocos que lograron sobrevivir lo hicieron gracias a que consiguieron escapar del planeta, y ahora viven en varios satélites artificiales que orbitan alrededor de la Tierra. No obstante se planteó la posibilidad de volver a la cuna del hombre, pero para ello deben lanzar unas potentes bombas para inclinar el eje terrestre y que así el hemisferio sur se volviera habitable. Sin embargo no todo el mundo estaba de acuerdo con dicha medida, tanto que al final se dividieron entre los Epoque (E), que querían lanzar la bomba y los Mother Earth (ME), que se negaban a ello, pues no querían dañar aún más a la Tierra. Toda esta polarización hizo que surgieran grupos extremistas de ambos bandos que atentaron en las colonias, mientras que los Epoque fabricaron la bomba y la lanzaron a la Tierra. A partir de dicho momento el conflicto se recrudeció, y la gente comenzó a querer ir de nuevo al Planeta Azul sin esperar el tiempo necesario a que éste se recuperara. Sarah y su familia son unos miembros de ME que intentan coger uno de esos vuelos a la Tierra, pero ciertos acontecimientos hacen que se vean obligados a separarse, por un lado Sarah y su bebé, por otro el marido de ésta y por otro sus otros tres hijos. Tiempo después, ya en la Tierra, Sarah recorre los desiertos de ciudad en ciudad, con la foto de sus hijos en sus manos y la compañía de Tse-tse, un vendedor ambulante que siempre le está tirando los tejos. Durante sus viajes se topará con todo tipo de personas: saqueadores, niños con poderes psíquicos, religiosas, unos conferenciantes por la paz que parecen negociar más por sus propios intereses y hasta gente proveniente de lugares sorprendentes. Kilómetros y kilómetros de carriles intransitables que le muestran lo peor y lo mejor del ser humano.Takumi Nagayasu es el encargado de dar vida a la historia salida de la mente de Katsuhiro Otomo. El estilo empleado por Takumi es muy parecido al del propio Otomo, o sea, personajes y entornos realistas acabados con trazos limpios y finos. El diseño de personajes es más que correcto, así como el de los escenarios y de los objetos mecánicos (a pesar de que Nagayasu afirma en el último tomo que es un negado para ello hace algunas ilustraciones realmente impresionantes).

En cuanto al argumento en sí decir que aunque no nos encontramos con una historia muy compleja, sí que es indudablemente interesante. El mundo en el que se mueven los personajes, así como las motivaciones de éstos, la búsqueda incesante de Sarah y los problemas con los que se va topando mantienen cierta intriga por saber cómo se resolverá todo.

Norma Editorial la publicó ya hace unos años en formato grande de tamaño pero con la mitad de páginas que un tomo típico, por lo que ocupaba unos 14 números (esto si la memoria no me falla); ahora acaba de terminar de reeditarla en el mismo tamaño pero en 7 tomos, por lo que el número de páginas por tomo se ha visto notablemente aumentado. La edición es bastante buena, tapas de cartoné con sobrecubiertas y 8 páginas a color y papel e impresión de excelente calidad. El número de páginas por tomo oscila entre las 224 y las 344; y el precio por desgracia también oscila, así los dos primeros tomos cuestan 12 euros, el tercero 15 y los cuatro restantes valen 13 euros; un precio quizá un tanto elevado.

Así pues, La Leyenda de Madre Sarah es la búsqueda de una madre coraje que no sólo lucha por encontrar a sus hijos, sino también para hacer del mundo un lugar mejor donde puedan vivir éstos. Un manga recomendable para los seguidores de Otomo y para los que gusten de la ciencia ficción y muy especialmente de las historias post-apocalípticas.



LO MEJOR:
-Que el personaje protagónico sea una mujer tan fuerte, nada que ver con los típicos personajes femeninos de los mangas.
-El grafismo de Nagayasu.

LO PEOR:
-No es una obra redonda, quizá tenga demasiados tópicos y en algunos momentos peque de previsible.

Solomon Kane

Solomon Kane es un guerrero y capitán de un navío que arrasa todo aquello que se cruza en su camino, su ambición no conoce fin hasta que cierto suceso le hace plantearse todo el sufrimiento que ha causado. Para redimirse decide dejar de ser un hombre que vive para la guerra y convertirse en una persona de paz, no sesgar ninguna vida humana más y vivir recluido en un monasterio. Pero no se puede tener un pasado como el suyo y esperar que todo se arregle con el tiempo, por lo que al final tendrá que salir de su autoreclusión en busca de la auténtica redención.

Basado en el personaje creado por Robert E. Howard, conocido por todos por ser el padre del bárbaro cimmerio Conan (y de Kull el conquistador), Solomon Kane es una producción europea (participan productores de Reino Unido, Francia y República Checa) de abultado presupuesto y buenos resultados. Dirige con garbo el británico Michael J. Basset, quien ha dirigido el film de horror Deathwatch.

El argumento de Solomon Kane no destaca por su originalidad, pero tiene todos los elementos necesarios como para enganchar al espectador: un antihéroe carismático (que en muchos momentos nos recuerda al Hugh Jackman de Van Helsing), unos siniestros enemigos y unas buenas personas por quién luchar (o más bien una damisela a quien rescatar). Y a todo ello le añadimos una magnífica fotografía, un diseño de producción y dirección artística muy notables (con ese toque clásico en la ambientación y el vestuario que tanto me gusta a mí al menos), y unos buenos actores y ya hemos conseguido un producto que probablemente en unos años sea casi tan querido como lo es hoy Conan el bárbaro.

El intérprete elegido para encarnar al personaje principal es James Purefoy que conocerá muy bien todo aquel que viera la serie Roma, pues hacía de Marco Antonio; más conocido (para mí al menos) es Pete Postlethwaite, que tiene un papel secundario y que ha trabajado a las ordenes de Spielberg en El Mundo Perdido e hizo de monje poeta en Dragonheart (que una de las pocas películas buenas de Rob Cohen); de hija de éste hace Rachel Hurd-Wood (El perfume); y en un pequeño papel que no le da mucho tiempo a lucirse tenemos al gran Max Von Sydow (Mientras nieva entre los cedros), toda una leyenda viva y activa del cine a sus 80 años.

Solomon Kane es pues un film de espada y brujería, una película oscura, con muchas dosis de aventura y acción, y con un antihéroe como protagonista con el suficiente carisma como para querer ver más desventuras del mismo.


LO MEJOR:
-Que en Europa también se haga cine de este tipo.
-La potente banda sonora, obra de Klaus Badelt.
-La dirección, creo que se puede esperar buenos trabajos futuros del realizador (he de añadir que sus dos anteriores filmes no los he visto).

LO PEOR:
-El único pero que le veo es que puede ser un poco previsible.

¿Quién debería verla?
Si te gustaron las antiguas películas de Conan y el cine de espada y brujeria en general. También si eres seguidor de la obra de Robert E. Howard (aunque es cierto que desconozco si el filme es fiel al original en papel).

¿Y quién no?
Si no te van filmes como El señor de las bestias, Excalibur (que es una obra maestra del género) y los ya mencionados.

El dato:
Si tiene suficiente éxito es probable que se hagan dos películas más de Solomon Kane, ya que esta primera entrega en realidad no adapta nada de la obra de Howard, sino que es una especie de precuela.


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Ninja Assassin

Después de una semana yendo a la biblioteca e intentando conectarme a la Wi-Fi de la misma lo he logrado al fin, así que con una semana de retraso actualizo...

No hay nada como finiquitar el año viendo buen cine (en este caso re-viendo, pues la peli elegida fue Avatar, que por cierto, ha arrasado estas navidades) y comenzar el nuevo con una sesión doble de cine de puro entretenimiento. El primer filme de esa larga sesión fue del que hablo a continuación, y el segundo fue una aventura oscura con mucha fantasía, o sea, Solomon Kane, del cual la semana próxima (supongo) publicaré mis impresiones.
¡Ay, cuán veloces pasan las vacaciones! Pero bueno, ahí estarán siempre los cines para poder hacer una escapadita a lugares y mundos lejanos cada vez que apetezca (y se pueda), con vacaciones o sin ellas.

***

Mika Coretti (Naomie Harris) es una agente de la Europol que investiga junto con su superior Ryan Maslow (Ben Miles) sangrientos asesinatos, descubriendo de esta forma que en dichas muertes están involucrados nueve clanes milenarios de ninjas. Con sus investigaciones irá muy lejos, tanto que molestará a dichas organizaciones, que querrán su muerte. Para su suerte obtendrá un aliado con objetivos similares a los suyos.

El que fuera ayudante de dirección en la trilogía Matrix, James McTeigue, se pone al mando de lo que es su segundo largometraje tras V de Vendetta, y al igual que en ésta la producción corre a cargo de Joel Silver y Larry y Andy Wachowski (además de Grant Hill), quienes lo eligieron para que realizara este filme de acción y artes marciales con mucha sangre y miembros cercenados de por medio.

Y es que queda bien claro desde la escena introductoria que nos encontramos ante un filme que no siente reparos a la hora de mostrar la violencia, así pues desde dicho instante tenemos amputaciones de miembros, degollamientos y decapitaciones, todo ello sazonado con litros de sangre. Aunque antes de que comience la carnicería de verdad tenemos unos momentos para conocer a los personajes, regalándonos planos no faltos de sensibilidad y ternura en los flashbacks de Raizo, algunas de esas escenas son de mis favoritas del film (y es una película que tiene muy buenas imágenes), ya que dicen mucho con pocas palabras (o con ninguna). Pero como bien digo son las secuencias de luchas y violencia los que priman.

Al parecer la idea de realizar esta película les surgió a los Wachowski al rodar una secuencia de lucha en Speed Racer, curiosamente en esa escena peleaba Rain que se ha convertido en el protagonista de Ninja Assassin. Para ello McTeigue ha bebido de diversas fuentes entre ellas (y se nota mucho) del anime, muy especialmente de Ninja Scroll, de Yoshiaki Kawajiri, una de las cintas más veneradas del género y del que se prepara un remake en imagen real. El guión ha sido escrito a cuatro manos por Matthew Sand y J. Michael Straczynski, el segundo también es guionista de cómics y creador de la serie Babylon 5, aunque el trabajo que le ha dado más alegrías hasta la fecha ha sido el libreto de El Intercambio.

En el reparto no abundan precisamente las estrellas, ni siquiera las caras conocidas. Así, nos encontramos el mencionado Rain, cuyo nombre real es Jung Ji-Hoon, cantante coreano con una corta filmografía, en la que destaca la ya mencionada Speed Racer y Soy un cyborg, y que aspira, según sus propias palabras, a convertirse en una estrella en occidente. También tenemos a Randall Duk Kim, que era el Creador de llaves en The Matrix Reloaded; el nombrado en el primer párrafo Ben Miles y al que hemos visto en el anterior film de McTeigue; como la compañera de éste tenemos a Naomie Harris que ha trabajado en la adaptación cinematográfica de Corrupción en Miami y en la segunda y tercera parte de Piratas del Caribe; como Kiriko tenemos a la bella y desconocida y debutante Anna Sawai; y como líder del clan Ozunu escogieron al veterano Sho Kosugi, que según he leído es toda una leyenda del subgénero ninja, con films como La venganza del ninja.

En definitiva, Ninja Assassin es una buena película de acción y artes marciales, con un gusto por la violencia explícita que no se ve últimamente y que por lo tanto quizá eche para atrás a más de uno, pero si no eres de esos que le molesta ver algún que otro brazo volar, o alguna cabeza rebanada, seguro que la disfrutas.


LO MEJOR:
-Los flashbacks, en ellos tenemos algunas de las mejores escenas.
-Las peleas, aunque...

LO PEOR:
-Algunas peleas pueden llegar a ser confusas.

¿Quién debería verla?
Si te gustan las películas de acción y artes marciales, y los maravillosos años ochenta y su forma de retratar la violencia.

¿Y quién no?
Sobre todo si no te van los excesos de hemoglobina... y los cuchillos.


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Avatar

Doce son los años que James Cameron llevaba sin estrenar un film de ficción (pues entre Titanic y la película que nos ocupa dirigió dos documentales: Misterios del Titanic y Aliens of the Deep), y cuatro son los que ha dedicado para finiquitar Avatar. En realidad este proyecto viene de lejos, de 1995 ni más ni menos, cuando el director comenzó a escribir el guión, pero en su momento no pudo realizarlo debido a las limitaciones técnicas (quería rodarla tras Titanic), simplemente le hubiera sido imposible hacerlo tal y como él lo concebía. Así que esperó pacientemente y a la par experimentó con el 3D en sus documentales, hasta que el fin la espera llegó a su fin.

No sé si Avatar es revolucionaria, pero lo que estoy seguro es que es “evolucionaria”, marcará un antes y un después en la forma de crear cine, y probablemente en poco tiempo veremos filmes que seguirán su estela. Estamos ante una película que técnicamente es apabullante, con algunas de las escenas más sorprendentes de los últimos años, increíblemente realistas y genialmente rodadas. Pero toda esta espectacularidad no tendría sentido sin unos personajes y un entorno creíbles, y es ahí donde realmente radica el gran avance que ha conseguido el director de Terminator, no sólo ha logrado crear una especie indígena totalmente verosímil y expresiva (ayuda mucho esos grandes ojos) sino que ha generado un mundo a su alrededor que nos devuelve el sentido de la maravilla de las viejas novelas y películas de ciencia ficción, logrando asombrarnos a la par que al protagonista, haciendo que descubramos junto a él todo un paraíso lleno de un colorido sin igual, adentrándonos en la frondosa selva, en sus maravillas y peligros. Y todo ello lo consigue en buena medida gracias a la capacidad que tienen las 3D para que el espectador logre sentirse más dentro de los acontecimientos narrados, por lo que recomiendo a todo que desee verla que lo haga en su versión digital en 3D.

Sam Worthington, actor australiano muy de moda en Hollywood tras actuar (gracias a una llamada de James Cameron) en Terminator Salvation y que pronto será Perseo en el remake de Furia de Titanes, es Jake Sully un ex marine que se embarca en una misión a la luna (que no planeta) Pandora, una arbolada esfera poblada por unos seres de tres metros de envergadura, los Na'vi. Su misión será conocer las costumbres de los nativos, y lograr que éstos se "muden" para que así la ADR pueda extraer del lugar un valiosísimo mineral, el unobtanio. Pero los planes no siempre salen como uno espera.

Secundando a Worthington, tenemos a Zoe Saldana (Star Trek), que es Neytiri, una preciosa Na'vi a la que conocerá Jake en peligrosas circunstancias; Sigourney Weaver (Aliens: el regreso, Gorilas en la niebla) es la doctora Grace Augustine, una enamorada y ferviente defensora de los Na'vi; Michelle Rodríguez (Resident Evil, Perdidos) es Trudy Chacón, una soldado y piloto de un moderno helicóptero con el que se desplazan en las misiones científicas Grace y su equipo, y el único personaje interpretado por Michelle que me cae bien (y es que esta chica tiene un gran capacidad de caer fatal); también tenemos como científicos a Joel Moore (Cuestión de pelotas), como Norm, que llega junto con Sully a Pandora y a Dileep Rao (Arrástrame al infierno) como el doctor Max Patel; y por supuesto a Stephen Lang (Enemigos públicos) como el coronel Miles Quaritch, al cual Jake se encarga de pasarle los informes; Giovanni Ribisi (Heaven) es Selfridge, el dirigente de ADR en Pandora, que sólo piensa en la manera de extraer el mineral. Además tenemos a más Na'vi como a Moha, que se encarga de interpretar CCH Pounder (La huérfana) y me dejo en el tintero algún otro más.

Avatar es una epopeya ecologista de ciencia ficción, una historia de amor, una aventura de descubrimiento, una especie de Bailando con lobos o El último samurái (salvando las distancias, pero sí, el protagonista sufre básicamente la misma transformación), una maravilla visual con un guión que aunque no sea original (pues básicamente es una variante del típico “viaje del héroe”) sí que tiene detalles más que interesantes para considerarlo de indudable calidad. Es un film plagado de escenas impresionantes, es inevitable quedarse boquiabierto en numerosas ocasiones, embobado no sólo por la espectacularidad, sino también porque las imágenes destilan emotividad, los personajes te enganchan, logran que nos sintamos identificados, que nos preocupemos por su futuro y el de su hogar, en definitiva consigue que te enamores perdidamente de los personajes y de Pandora. Señores, Avatar es una película que hay que ver.

LO MEJOR:
-Técnicamente es perfecta.
-La dirección de Cameron.
-El reparto, destacando Sam Worthington, Sigourney Weaver y Zoe Saldana (o Zoë Saldaña, que según la fuente varía la forma de escribirse).
-Los Na'vi, increíble el realismo y expresividad alcanzados, se nota que no son una simple animación, sino que es la propia actuación de un actor.
-Pandora, todo un mundo que no deja en ningún momento de maravillarnos.
-La banda sonora, obra de James Horner (Braveheart, Titanic, Leyendas de pasión).  

LO PEOR:
-Si hay que ponerle alguna pega es que no es muy original y que hay un momento en que el ritmo decae, pero es sólo la calma que precede a la tormenta.

 ¿Quién debería verla?
¡Pues todo el mundo!  

¿Y quién no?
Aquellos seres recalcitrantes que seguro que la critican por cualquier chuminada incluso antes de haberla visto (que estoy seguro que pronto aparecerán -de hecho, según he leído, antes de que se estrenara la película ya los hubo-).

¿Y la próxima?
Pues si hay suerte el siguiente proyecto de James Cameron será Battle Angel Alita, o Alita, ángel de combate, o Gunnm (como prefiera el personal), adaptación del manga de Yukito Kishiro.  

Se dice:
Que podría haber secuela (el mismo James Cameron lo ha dicho en una entrevista concedida a la revista Imágenes de Actualidad -nº297 Diciembre 2009 pág. 55-) e incluso una trilogía... La verdad es que es muy explotable, pero no sé si sería recomendable.

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La ciencia del sueño

La ciencia del sueño (The Science of Sleep) es una película rara, rara y original. Escrita y dirigida por Michel Gondry, el director de, entre otras, Olvídate de mí y Rebobine, por favor, el film es un viaje surrealista por los sueños y la realidad de Stéphane (Gael García Bernal), el cual vuelve a Francia tras la muerte de su padre y acaba enamorándose de su vecina Stéphanie (Charlotte Gainsbourg). Pero es un tipo muy tímido, por lo que no deja de darle vueltas a la cabeza, fantaseando la manera de conquistarla una y otra vez con inusuales resultados. Al final se ve inmerso en un mundo en el que no está claro qué es real y qué es sueño.

Esta película me ha desconcertado, me ha dejado con una extraña sensación de realmente no tener muy claro lo que he visto, ¿era una comedia romántica, una historia fantástica, o quizá un drama psicótico? Me he quedado pasmado sin saber a ciencia cierta nada, o más bien me niego a creer que lo sé, que La ciencia del sueño simplemente no es lo que aparenta ser. Y es que al final te deja un regusto amargo, y eso, teniendo en cuenta que durante casi todo el metraje hay más comedia que otra cosa, es mucho decir.

A Michel Gondry le pasa un poco como le pasaba a Philip K. Dick, le gusta jugar con la realidad, los sueños y los recuerdos. Precisamente ahora me estoy leyendo una novela del mencionado escritor (Tiempo de marte, para ser más concreto), y no dejo de ver paralelismos entre Stéphane y Jack Bohlen (que es el protagonista principal del libro). Pero bueno, intentaré dejar de divagar y comentar cosas concretas sobre el filme.

No sé cómo ha parido esta criatura Michel Gondry, pero desde luego no tiene desperdicio. Visualmente es realmente genial, Gondry ha optado por realizar un filme de la forma más artesanal posible sin usar apenas efectos digitales, así que lo que ha hecho es construir un mundo onírico tan artesanal como alucinado, surrealista y transgresor. Para ello se ha servido como principales materias primas del cartón, los lápices de colores, la tela y el celofán, para posteriormente animarlo fotograma a fotograma mostrándonos de este modo un mundo tan rico como colorido.

Gael García Bernal (Diarios de motocicleta) es el protagonista indiscutible del filme y, como suele hacer este actor, borda su papel (muy recomendable verlo en versión original); lo acompaña otra gran actriz como es Charlotte Gainsbourg (Anticristo, Los miserables); y un buen elenco de secundarios encabezado por Alain Chabat (el César de Astérix y Obélix: Misión Cleopatra), Miou-Miou (Un indio en París), Emma de Gaunes (La edad de la ignorancia) y ya no pongo más para no aburrir y no cansarme mucho.

Como conclusión decir que sin duda estamos ante uno de esos filmes que tienen mucho de experimentales por la forma que es contada la historia; y de arriesgado por la historia en sí misma, pero indiscutiblemente el resultado es más que satisfactorio. En La ciencia del sueño podréis encontrar mucho humor y fantasía, os sumergiréis en un mundo de ensueño que en ocasiones se torna pesadilla, y cuyo final nos devuelve a una realidad que quizá no sea tal, ¿quién sabe?


LO MEJOR:
-El extraño y original guión, así como la dirección de Michel Gondry.
-Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg.
-La originalidad de alguno de los sueños.

LO PEOR:
-Llevar leídos cuatro libros consecutivos de Philip K. Dick y después ver esta película... Eso no puede ser bueno para mi salud mental.

¿Quién debería verla?
Si estás harto de ver películas que siempre cuenta las mismas historias pero con diferente envoltorio.

¿Y quién no?
En realidad pienso que le puede gustar a cualquiera, aunque claro, al ser tan especial no es raro que terminéis con la cabeza hecha un lío, cosa que no tiene por qué ser malo.


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Mi vecino Totoro Edición Limitada

Ayer, 9 de diciembre, salió a la venta en DVD Mi vecino Totoro, y Aurum, que es consciente de que es una de las películas más queridas de Ghibli, lo lanzó ni más ni menos que con tres ediciones diferentes: la sencilla de un disco, la edición de dos discos con estuche metálico y la edición limitada.

Yo, como buen fan de Ghibli, fui raudo a agenciarme la edición limitada, de la que comentaré mis impresiones en estas pocas líneas.

La Edición Limitada incluye la edición metálica de dos DVD, una agenda y un póster, todo ello preciosamente presentado en una caja de cartón con unas ilustraciones muy bonitas y coloridas (la misma que la carátula de la edición sencilla más alguna otra más), esta caja se abre como un libro y se mantiene cerrada gracias a un potente imán (al menos a mí me pareció potente, a la primera al menos no logré abrirla xD). Al abrirla uno ve algunos fotogramas del filme muy bien seleccionados y por supuesto da pie a extraer el contenido: la mencionada agenda en cuya portada y contraportada nos encontramos la misma ilustración de la caja y el póster original japonés (además del DVD en sí, claro).

Aunque me parece que hay que aplaudir a Aurum por haber hecho ni más ni menos que tres ediciones diferentes, y que sin duda se nota que se están esmerando en cuidar las ediciones de las diferentes películas del Estudio Ghibli, también pienso que en esta ocasión, tratándose de una edición limitada, podrían haber cuidado y/o ampliado más el merchandising incluido. Echando un vistazo a la agenda (que dudo que vaya a usar alguna vez, todo sea dicho) uno se queda con ganas de algo más, ya que es demasiado sencilla, pienso que con un poco más de esmero, añadiendo un par de detallitos les hubiera salido un producto la mar de molón; no sé, quizá deberían haber señalado fechas relacionadas con Ghibli, sus integrantes y por supuesto sus filmes (por ejemplo: cumpleaños de Miyazaki, Takahata, Suzuki...; curiosidades, estrenos, etc...). En cuanto al póster la única pega que le pongo es que es demasiado pequeño, poco más grande que un folio A4, (puede que llegue a un A3) así que no hubiera estado mal que el formato usado hubiese sido al menos el de un A2. Por otra parte la edición metálica de dos discos me parece impecable, tanto el diseño e ilustración de la carátula como el interior (el contenido de los DVD no he tenido tiempo de ojearlo). También hubiese estado bien la inclusión de un libreto sobre la película, el Estudio Ghibli o Hayao Miyazaki, como el de la edición coleccionistas (y también limitada) de Millennium Actress de Selecta, por poner un buen ejemplo; o quizá algunas postales con fotogramas del film, e incluso un llavero de Totoro.
Soy consciente que los contenidos extras en buena medida (o en toda medida) los marcan desde Japón, pero aún así creo que la Edición Limitada, el merchandising incluido en ella, es mejorable como indico más arriba. A pesar de ello estoy más contento que un enano de habérmela autorregalado, por lo que se lo recomiendo a cualquier fan de Ghibli. Sin embargo, quizá no se la recomendaría a aquellos que no lo fueran, a éstos mejor la edición sencilla o de dos discos, que son más baratas aunque menos bonitas.

Final Fantasy VII: Advent Children

Dos años después de los acontecimientos acaecidos en Final Fantasy VII Cloud trabaja como mensajero (o recadero) y además sufre el GeoStigma, enfermedad provocada por las células Jenova (que aparecieron por culpa de Sephirot al usar Meteorito) y que afecta a buena parte de la población. Un grupo de motoristas están buscando a una tal Madre con la cual quieren resucitar a Sephirot, y a la vez el presidente de Shinra quiere resarcirse de sus pecados pasados evitando tal cosa y buscando una cura para el GeoStigma.

En 2001 se estrenó en los cines de todo el mundo Final Fantasy: La fuerza interior, a pesar de sus indudables logros técnicos y que argumentalmente tampoco estaba mal no pareció gustarle a casi nadie y muy especialmente a los fans de la saga de videojuegos de Square-Enix. Como para resarcirse de este hecho, y también para explotar aún más el juego más querido por los aficionados, en 2005 sacaron la película que comento.

La historia de Final Fantasy VII: Advent Children es una continuación directa del videojuego, por lo que es conveniente o haber jugado al mismo o al menos ver el resumen del mismo que incluye el DVD (eso último es lo que hice yo). Y es que no es difícil perderse un poco en la historia, sobre todo porque se da básicamente por sentado que el espectador ya conoce a los personajes, y por lo tanto aparecen sin presentación alguna. No obstante, y según mi punto de vista, éste no es el mayor handicap de la película, y sí ciertos momentos en que la acción salta de un lado (o momento) a otro, generando cierta confusión. De todos modos el argumento no es el punto fuerte del film, más bien está planteado para lucimiento de los animadores y los encargados de las texturas, puesto es en el apartado técnico donde sorprende.

Y es que a pesar de estar realizado para ser sacado directamente en DVD no cabe duda de la calidad técnica del producto, habiendo escenas realmente buenas, como alguna que otra lucha y persecución motera. Además los personajes se suelen mover y gesticular con una naturalidad pasmosa, sus rasgos y expresiones están minuciosamente recreados, así como su forma de gesticular con las manos por poner un ejemplo.

Escenas sorprendentes, acción, diálogos que a los profanos quizá nos suenan un poco a chino, buen sentido del humor (sobre todo a través de dos personajes) y muy buena animación es lo que nos ofrece Final Fantasy VII: Advent Children. Ideal para amantes del cine animado por ordenador.


LO MEJOR:
-El apartado técnico.
-La pelea de la antigua iglesia y la segunda persecución en moto.

LO PEOR:
-La banda sonora es muy machacona, aunque tiene algún tema muy bueno.
-Es más disfrutable teniendo amplios conocimientos de los personajes y la historia previa.

¿Quién debería verla?
Los fans de Final Fantasy, especialmente de su séptima aventura.

El dato:
Este mismo año han sacado en Japón Final Fantasy VII: Advent Children Complete, que añade treinta minutos a la historia (o sea, se convierte en una película de más de dos horas).

La edición en DVD:
La edición que me agencié es la edición especial de dos discos, existe una de coleccionistas y hace poco sacaron el blu-ray. Los contenidos del primer disco son la película en sí y un resumen recordatorio de lo acontecido en el videojuego, mientras que en el disco dos tenemos un "Cómo se hizo", la presentación en el Festival de Venecia, un anticipo de los videojuegos de Final Fantasy VII y varios tráilers y spot publicitarios.


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Thai-Dragon

Tony Jaa logró la fama internacional gracias a Ong Bak (película que aún no he visto), con la cual dejó a muchos con la boca abierta. Su siguiente film fue este Thai-Dragon (Tom yum goong), desde luego todo un espectáculo para los amantes de las peleas marciales cinematográficas.

Nuestro protagonista, Kham, ha crecido toda la vida junto a un par de elefantes que trata como a hermanos, su padre le ha inculcado esa cultura del elefante, y el sueño de presentarlo ante el rey. Pero un buen día unos delincuentes roban dichos penungulados, mas Kham no duda y va hasta Sidney para recuperarlos de las garras de una organización criminal, allí tendrá la ayuda de un detective de origen tailandés y una atractiva muchacha.

Todo aquel que visione este filme buscando una historia algo elaborada no disfrutará, pues apenas la hay. Sin duda ésta es muy floja, está cogida con pinzas, así que lo único que nos queda básicamente son las peleas. Y es que los diálogos no son precisamente abundantes (sobre todo para el protagonista) ni especialmente buenos (los mejores corresponden al detective) y encima el argumento es muy típico. Pero en las escenas de luchas esta película lo da todo, son sencillamente geniales, muchas de ellas sorprendentes y desde luego espectaculares, una delicia para todo aquel que guste del cine de artes marciales. Es una gozada ver a Tony Jaa pegar brincos, dar puñetazos, patadas y rodillazos a enemigos de par en par o pelear contra individuos montados en bici, motos de trial e incluso quads; hay muchos golpes que realmente duelen de verlos, y más si uno piensa que no hay cables ni dobles, no puedo ni imaginar cuántos luchadores saldrían no sólo con moratones sino con algún que otro hueso roto.

Thai-Dragon es una película que sin duda encandilará a aquellos que disfruten del cine de artes marciales, pero que raramente enganchará al resto de espectadores debido sobre todo a su poco elaborado argumento.


LO MEJOR:
-Las peleas.
-La fotografía.

LO PEOR:
-El guión, muy poco elaborado.

¿Quién debería verla?
Como bien comento en la reseña, los fanáticos del cine de artes marciales.

¿Y quién no?
Si las artes marciales no te atraen probablemente te acabarás aburriendo.

La edición en DVD:
La edición que poseo (que edita Manga Films) está presentada en una bonita caja de cartón decorada con varias imágenes del film. Es de dos dicos, el primero contiene la película y en el segundo el material adicional, que podemos encontrar un par de tráilers, una entrevista con Tony Jaa, la espectacular presentación en Barcelona, entrevistas con los actores y el equipo, detrás de las cámaras, ficha técnica y artística, el recorrido que hizo el equipo para promocionar el filme, y algún extra más. Todo por un precio muy ajustado.

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El hombre lobo ibérico ha muerto

Sí, me refiero, evidentemente, a Paul Naschy, el mítico actor falleció a causa de un cáncer dejándonos más de un centanar de películas como legado, una aún por estrenar. Descanse el auténtico hombre lobo ibérico.

Celda 211

Juan Oliver (el debutante Alberto Ammann) es un funcionario de prisiones que en su visita a la prisión el día previo a su incorporación se ve envuelto en un motín organizado por Malamadre (un inmenso Luis Tosar), uno de los presos más peligrosos y problemáticos, entonces se verá obligado a hacerse pasar por un reo para poder sobrevivir.

Bajo esta sencilla premisa Daniel Monzón (El corazón del guerrero) nos ofrece una de las mejores películas del año, con un magnífico guión firmado por él mismo junto con Jorge Guerricaechevarría, basándose en el libro de Francisco Pérez Gandul.

Desde el comienzo vemos que el tono del film será crudo y realista, sin dar muchas concesiones al espectador (aunque es cierto que a lo largo del metraje no hay muchas escenas tan explícitas y duras como la primera), mostrándonos de lleno el drama de estar en la cárcel, siendo bastante crítico con el sistema impuesto y la impunidad reinante. En la película cualquier personaje puede pasar de ser un villano a alguien a quien admiramos y justamente al revés, de parecer alguien deleznable a que al final acabemos entendiéndolo y cayéndonos bien.

Sin duda uno de los puntos fuertes del filme son sus personajes, tanto principales como secundarios, que dotan al conjunto de una gran credibilidad (acrecentada ésta si se sabe que muchos figurantes y actores eran antiguos presos). El trabajo de los intérpretes es encomiable, y a la cabeza de todos, como apunto arriba, un grandioso Luis Tosar (Te doy mis ojos), que hace que vibre la pantalla en cada plano que sale con esa voz rota que ha dado a su personaje, un tipo con el que el espectador cada vez se siente más identificado con su lucha, aunque uno nunca sabe si realmente es bueno fiarse del mismo. Alberto Ammann realiza un estupendo debut, muy acertada su elección, sobre todo viendo la transformación que se produce en su personaje. Luego tenemos a actores tan conocido como Antonio Resines (La caja 507), que hace de Urquijo, jefe de servicios y un tipo de mucho cuidado; Carlos Bardem (El niño pez), como Apache, un peligroso y poco fiable compañero de celda; Marta Etura (La vida que te espera) realiza un pequeño pero importante papel como la mujer de Juan; además de otros tantos actores secundarios, todos realizan un gran trabajo.

La excelente ambientación también contribuye a crear el clima de verosimilutd que rodea toda la cinta, así como su calidad técnica, ya sea la excelente fotografía, la inteligente dirección o los efectos especiales y de maquillaje, así como una banda sonora muy apropiada a cargo de Roque Baños.

En definitiva, Celda 211 es una excelente película carcelaria, una "rara avis" en el cine español repleta de buenas actuaciones e inteligentes giros de guión, además de una cuidada ambientación y dirección. Si se hicieran más trabajos como éste no estaríamos hablando constantemente de crisis en el cine nacional.


LO MEJOR:
-El elenco interpretativo, sobresaliendo entre todos Luis Tosar.
-La dirección y el guión, así como la ambientación.

LO PEOR:
-Cualquier "pero" que ponga se queda eclipsado por el magnífico conjunto.

¿Quién debería verla?
Si te gustan los dramas carcelarios y las cintas de acción pero con trasfondo, ésta es tu película.

¿Y quién no?
Las mentes sensibles. Como digo la escena inicial, al menos a mí, me pareció dura.

¿Por qué...
... la Academia de Cine al menos no la preseleccionó para los Oscar?


Leer critica Celda 211 en Muchocine.net

Mi primera protesta

Ayer (24/11/2009), tras llevar más de dos años en Madrid, acudí a mi primera acción de protesta. Era una concentración de informáticos convocada por la CGT para protestar por las condiciones laborales que se padecen en este sector, y cuya presentación era "Por el futuro de la informática, contra la precariedad". Durante el acto dos representantes del sindicato leyeron un comunicado (o quizá un extracto del mismo), en el que sobre todo se mencionaron las plabras "subcontratación", "externalización" y "consultoras", los grandes males del sector. Citando directamente de uno de los papeles que repartían:

La subcontratación y la externalización no sólo empeoran nuestras condiciones de trabajo, también degradan la informática pues las consultoras menosprecian nuestra capacitación técnica reduciéndonos a meros gestores para así engordar más sus cuentas y hacernos más prescindibles.

Valga decir que todo este párrafo es una verdad bastante tangible. Yo tengo bastante suerte en estos momentos, pero la inmensa mayoría de los informáticos tienen un horario laboral bastante amplio y echan horas extras y gratuitas en ingentes cantidades, a eso hay que añadir que muchas veces se está trabajando como externo subsubsubsubcontratado, y por lo tanto notablemente desprotegido, sin saber ante quién demonios hay que protestar puesto los distintos subcontratantes se pasan las responsabilidades.

Pero realmente no quería hablar de este asunto, que seguro que afecta a más sectores, sino de la paupérrima participación que tuvo la concentración. En los momentos más álgidos quizá habría unas cien personas y eso si contamos a los turistas y curiosos que pasaban por allí y echaban fotos o ojeaban el cartel: una pareja de orientales, un abuelo con collarín incluido, dos mujeres mayores con sus abrigos de piel de bicho muerto... Al principio probablemente había más policías que "concentrados". La verdad es que daba un poco de vergüenza.

El fracaso fue evidente, el entusiasmo de los presentes no, y el impacto que ha tenido en los medios ha sido, obviamente, inexistente. Si se protesta por algo y no se entera nadie de dicha acción poco efecto real tendrá. Esta apatía (la mía propia y la de todos) sólo beneficia a los políticos y a los empresarios, pero no me extraña que haya tal desencanto viendo la clase política existente y el uso que hacen de los medios de idiotización masiva.

2012

Roland Emmerich es bien conocido por ser uno de los directores más "americanos" de Hollywood a pesar de ser alemán, pero sobre todo se le conoce por tener el empeño de destruir el mundo, o parte del mismo, ya sea a través de catástrofes naturales (El día de mañana), como por invasiones alienígenas (Independence Day), o enormes bichos mutantes procedentes de oriente (Godzilla). En todo caso, su cine es reconocible porque hasta la fecha siempre se ha dedicado a hacer filmes con grandes efectos especiales, y que por lo general han funcionando de maravilla en taquilla.

Supongo que esa es la principal razón que hizo que los estudios se decidieran a financiar esta superproducción de 260 millones de dólares, donde Emmerich junto con su colaborador en 10.000 (y compositor de la banda sonora de sus tres últimos films) Harald Kloser firman el guión de la destrucción del mundo tal y como lo conocemos.

Todo comienza en 2009, el geofísico Adrian Helmsley (Chiwetel Ejiofor) visita a un viejo colega y amigo en la India, donde trabaja a más de 3000 metros de profundidad, allí le muestra evidencias de que algo está pasando en el Sol, y que eso está afectando a la Tierra irremisiblemente. Año 2012, Jackson Curtis (John Cusak), un escritor cuyo mayor éxito fue vender cuatrocientos y pico ejemplares de su libro, va con sus hijos de acampada al parque de Yellowstone, allí además de comprobar asombrado que un lago ha desaparecido, conoce a un extravagante individuo que se dedica a pronosticar el fin del mundo. Al volver a Los Ángeles, y con ello a su trabajo como chófer de un adinerado hombre de negocios ruso, descubre que quizá el loco no lo estaba tanto. A partir de ese momento todo será una carrera contrarreloj para salvar a su familia.

2012 parte de la idea de que el calendario Maya termina el 21 de diciembre de 2012, en dicha fecha se producirá una rara alineación de planetas que produciría, según la extinta civilización, la desaparición de la humanidad. Con esa premisa, y un buen puñado de dólares bajo el brazo, Emmerich nos regala escena de destrucción tras escena de destrucción, comenzando por el increíble hundimiento de Los Ángeles por culpa de un temible terremoto (realmente espectacular), pasando por la erupción de un enorme volcán y la formación de un tsunami de gigantescas dimensiones, casi todas las catástrofes imaginables caben en esta película (para mí que solo faltan los tornados), y así nos regala con dos horas y media de frenético metraje, donde los protagonistas demuestran tener muy buena estrella.

Como supongo que habréis deducido por lo dicho hasta ahora, 2012 es la típica película catastrófica (bueno, se podría considerar La Película de Catástrofes), repleta de efectos especiales (muy buenos, por cierto), cuyo protagonista es un tipo normal que simplemente intenta salvar su vida y la de los suyos. Roland Emmerich y Harald Kloser no se han devanado los sesos mucho en lo que respecta al guión como podéis comprobar, es típico, está llenó de tópicos y de momentos (y personajes) más o menos vistos con anterioridad, y aún así logran atrapar la atención del espectador a base de explosiones y de situaciones límites, salpicadas éstas con algunas escenas dramáticas más o menos conseguidas. Pero sin embargo los personajes están poco trabajados, no han conseguido que la empatía sea plena, habiendo casos en que muere alguno y, al menos a mí, importa bien poco, no te produce ninguna reacción. No obstante, y teniendo en cuenta el producto, se puede considerar que en general es correcta la actuación del elenco de actores, en especial del siempre convincente John Cusak (Con Air, Medianoche en el jardín del bien y del mal) y muy a destacar el pequeño papel de Woody Harrelson (No es país para viejos), el que sin duda tiene el personaje más interesante (y a pesar de ello también típico) del nutrido elenco del film.

Terremotos, maremotos, olas gigantes, erupciones volcánicas, inundaciones, aterrizajes forzosos, escenas subacuáticas, muchas explosiones y con ellos efectos especiales a porrillo, es lo que nos ofrece 2012, la película de catástrofes por excelencia (o quizá por acumulación). Un buen divertimento que a pesar de su duración no se hace larga.



LO MEJOR:
-La destrucción generalizada, especialmente de California.
-Los efectos especiales.

LO PEOR:
-Típica, tópica, personajes poco trabajados...

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine catastrófico seguro que disfrutas.

¿Y quién no?
Si buscas algo más que ver como el mundo se va al garete.

Lo próximo:
El siguiente film de Emmerich no estará plagado de efectos generados por ordenador (o al menos me lo supongo), sino que será un trabajo acerca de Shakespeare, y de la posibilidad de que no fuera él quien escribió sus obras.

La Naranja Mecánica

En 1971 se estrenó uno de los filmes más recordados de Stanley Kubrick, y en 2009 se ha reestrenado con la excusa de un nuevo master digital. Como aún no la había visto me dije que era un buen momento para hacerlo, así que ni corto ni perezoso fui alegremente a uno de los dos cines madrileños en los que estaba, y salí del mismo con cierto dolor de cabeza y pensando que tampoco era para tanto.

Me imagino que en su época debió de ser una película polémica, ya que retrata la violencia desde una perspectiva bastante singular y además no se contiene al mostrar la anatomía humana... y a una sociedad hipócrita donde las haya.

Para quien no sepa de qué va, deciros que la historia gira en torno a Alex (Malcolm McDowell, en el que ha sido probablemente el gran papel de su vida), líder de un cuarteto de delincuentes adolescentes (cuatro drugos de toda la vida). Por el día se dedican a las deberes de cualquier joven de su edad, mientras que llegada la noche beben leche con aditivos, apalean a mendigos, se pelean contra otros grupos de delincuentes juveniles, allanan viviendas, violan y agreden a sus inquilinos y de paso les roban. Pero un buen día Alex es atrapado por la policía, y esta vez es acusado de asesinato, por lo que acaba con sus huesos en la cárcel, allí se porta como un niño bueno, ayuda al cura a decir misa y lee la Biblia con desbordante interés. Mas lo que él desea es salir de la trena lo antes posible, así que se presenta voluntario para un programa experimental de curación de la maldad.

Basada en la novela del mismo nombre de Anthony Burgess, La naranja mecánica (A Clockwork Orange) es una fiel adaptación del libro, con su raro dialecto incluido. Se trata de un film arriesgado, extraño en ocasiones, con personajes bastante excéntricos y con mucho contenido político.

Malcolm McDowel (Calígula), como ya apunto arriba, hizo el papel de su vida, su interpretación es sin duda de innegable calidad, aunque me imagino que no lo tuvo que pasar muy bien si tenemos en cuenta la fama de más que exigente que se labró Kubrick (eso me vino a la cabeza al ver las escenas del "tratamiento"). De los otros personajes destacables, o al menos que me caen simpático, es el tonto de Dim (personaje que está hecho para eso, al fin y al cabo), interpretado por Warren Clarke (Firefox), que después de esta película no ha hecho nada realmente interesante. El resto del reparto cumple su función más que correctamente, con unas interpretaciones que en ocasiones roza la caricatura.

Cuatro drugos, hiperviolencia, Beethoven, un tratamiento de condicionamiento, personajes variopintos y, curiosamente, ninguno de ellos bueno, es lo que nos ofrece La naranja mecánica, además de mucha crítica detrás de ello, por supuesto. Un clásico que por desgracia nunca dejará de estar de actualidad.


LO MEJOR:
-Malcolm McDowel, el cual borda su papel.
-La efectiva dirección de Kubrick, y el interesante argumento.
-Que se haya reestrenado en cines.

LO PEOR:
-Ahora mismo no se me ocurre nada.

¿Quién debería verla?
Si te gustó la novela o si eres fan del fenecido director.


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Mi vecino Totoro

Con motivo de la próxima salida del DVD, y de la mano de Aurum, llega a unas pocas salas (en principio 2 en Madrid y 3 en Barcelona, aunque es probable que se vayan moviendo las copias por varias ciudades) una de los films más queridos y esperados de la factoría Ghibli. Además de esta película, Aurum ya ha puesto a la venta Ponyo en el acantilado, de Hayao Miyazaki, y Susurros del corazón, de Yoshifumi Kondo, y junto con Totoro saldrá el DVD de Pompoko, de Isao Takahata. A lo largo de 2010 aparecerán prácticamente todas las películas que quedan inéditas del estudio, más alguna ya editada pero descatalogada.

***

El señor Kusakabe, junto con sus dos hijas, Satsuki y Mei, se mudan a una vieja (y dicen que embrujada) casa en el campo, mientras que la madre de éstas se recupera de una enfermedad en un hospital no muy lejano. Las niñas pronto descubren que no están solas en el idílico lugar, puesto que unas adorables y esquivas criaturas viven escondidas en el gran árbol de detrás de su nuevo hogar.

En 1988 el Estudio Ghibli realizó un díptico sobre la II Guerra Mundial en Japón, una de las películas era La tumba de las luciérnagas, dirigida por Isao Takahata, y que se convirtió en una de las historias más honestas y crudas sobre la realidad de las guerras (algún día procuraré comentarla); mientras que la otra cara de la moneda venía de la mano de Hayao Miyazaki, con un filme completamente opuesto, colorido, fantasioso, onírico, en definitiva, de desbordante imaginación, dicha película es, obviamente, Mi vecino Totoro. La decisión del estudio de estrenar las dos a la vez, en sesión doble, hizo que se tambaleara financieramente hablando, pero no obstante fueron los totoros (en forma de merchandising) los que lograron salvarlo.

Valga decir que ésta es una de los largometrajes más ligeros del director de El castillo de Cagliostro, su historia es sencilla, claramente dirigida a un público infantil, pero qué queréis que os diga, Miyazaki es capaz de encandilar con cualquiera de sus creaciones tanto a los más pequeños como a los más grandes, y Totoro no es una excepción. Los personajes son tan entrañables (con Mei y los totoros a la cabeza, una dulzura de personajes), la paleta de colores tan vívida, una animación que a día de hoy sigue siendo de enorme calidad y las situaciones tan imaginativas y originales en la que se ven envueltos los protagonistas (de algo tan simple como unas gotas cayendo a un paraguas Miyazaki logra un momento delicioso), que consigue que el espectador se deleite con cada plano. Y es que precisamente su sencillez es una de las grandes bazas de Mi vecino Totoro.

Ya sabes, si tienes la gran suerte de tener un cine cercano donde se proyecte no dudes ni por un segundo en ir a verla aunque ya lo hayas hecho con anterioridad, y si por desgracia no es tu caso no vaciles en hacerte con alguna de las ediciones en DVD. Seguro que no te arrepentirás.



LO MEJOR:
-La imaginación y ternura que desprende cada uno de sus fotogramas.
-La dirección, el guión, la banda sonora, la animación... y en general todo.
-El gatobús.
-Que se haya estrenado en cines, aunque con 21 años de retraso.

LO PEOR:
-Que se haya estrenado en tan pocas salas y sólo en versión original (aunque esto último es por motivos técnicos).

¿Quién debería verla?
Todo el mundo.


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El Imaginario del Doctor Parnassus

Terry Gilliam es uno de los directores más peculiares e interesantes que existen en la actualidad, ya lo ha demostrado a lo largo de su dilatada carrera, y lo vuelve a demostrar con esta película, la última del malogrado Heath Ledger (El Caballero Oscuro), el cual no la terminó al morir en las circunstancias que ya conocemos todos, pero que el director de 12 Monos lo arregló haciendo que el personaje cambiara de aspecto, tornándose su rostro en Johnny Depp (Enemigos Públicos), Jude Law (A.I. Inteligencia Artificial) y Colin Farrel (Alejandro Magno).

Parnassus es un hombre milenario capaz de, a través de su "Imaginario" (un show itinerante de escaso éxito), guiar la imaginación de la gente para llevarlos a un paraíso o a un verdadero infierno. Pero el menor de sus problemas es la afluencia de público de su espectáculo, sino una antigua apuesta con un siniestro personaje que pone en peligro a su propia hija, aunque pronto verá un rayo de esperanza ante la “asfixiante” aparición de un amnésico personaje.

Clasificar El imaginario del doctor Parnassus (The Imaginarium of Doctor Parnassus) es tarea difícil, de hecho lo mejor es simplemente nombrar a su director y ya ahí todo (o casi todo) el mundo se hace una idea de lo que hay. Y es que la filmografía del realizador de Brazil no se caracteriza precisamente por ser convencional o comercial, sino por el surrealismo y el no ya saltarse las reglas impuestas por los estudios y las modas cinematográficas, sino el de inventarse las suyas, aunque hay veces que se ha amoldado a lo que le han impuesto, como ya lo hizo en El secreto de los hermanos Grimm. Así pues, y como esta última, El imaginario del doctor Parnassus se puede considerar una especie de cuento, en este caso con influencias del mito de Fausto, una historia de la que sin duda se puede extraer moraleja y desde luego que hay mucha doble lectura.

A nivel técnico nos encontramos con un logrado trabajo en la recreaciones de los que tienen en las mentes los personajes que entran en el "Imaginario", personalmente el que más me impactó y gustó fue el primero, ya que es realmente oscuro, a diferencia del resto que son bastantes más coloridos, aunque con sus toques tétricos en determinados momentos. Otro punto interesante es el contraste entre el "Imaginario" con el "mundo exterior", se pasa de la desbordante fantasía, a la más cruda de las realidades, empezando por el propio escenario del show, un destartalado y antiguo carro-casa tirado por dos caballos, con trapos sucios como telones, con un cartel desvencijado; así como los lugares donde van en busca de clientes, sitios marginales (la mayoría), aparcamientos de centros comerciales, salidas de discotecas, oscuras calles, lugares que en algunos casos podrían ser basureros o escombreras.

Del reparto poco hay que decir salvo elogiarlo a casi todos ellos, empezando por Christopher Plummer (El nuevo mundo), que hace de un Parnassus depresivo pero que se le ilumina la mirada cada vez que le proponen una apuesta, pasando por Lily Cole (Rage), que representa la inocencia personificada, o Andrew Garfield (Leones por corderos), celoso y desconfiado, pero de buen corazón; o el enano Percy, interpretado por Verne Troyer (Austin Powers 2), fiel acompañante de Parnassus y una especie de Pepito Grillo. También magnífico el último (e inconcluso) trabajo de Heath Ledger, que demuestra su talento de nuevo. De los actores que lo han sustituido el que menos me convenció fue Jude Law, que me pareció que sobreactuaba en exceso.

El imaginario del doctor Parnassus es una película imaginativa donde las haya, que cuenta mucho más de lo que muestra, que engalana las miserias con coloridos paisajes virtuales, es un cuento para adultos con moraleja, una historia más oscura de lo que parece, un gran filme que hay que verlo con el chip cambiado, porque de otro modo se corre el riesgo de salir del cine sin tener claro lo que se ha visto.


LO MEJOR:
-El "Imaginario", los mundos que en él se recrean.
-El reparto, la dirección, el argumento...

LO PEOR:
-Quien vaya a verla sin ninguna experiencia previa en el cine de Gilliam puede sufrir efectos devastadores en su mente.

¿Quién debería verla?
Si te gustan los trabajos anteriores del ex Monty Python.

¿Y quién no?
Si lo surreal y absurdo te aturden quizá no sea tu película.


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