La Bella y la Bestia

A pesar de mis reticencias a ver un recauchutado en 3D, me dejé guiar por la recomendación de Ger y acudí presto al cine para ver por vez primera esta mítica película de Disney. Y, ciertamente, si tuviera un sombrero puesto ahora mismo no tendría otra que quitármelo, ya que, La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, 1991), es todo un peliculón.

La historia es conocida de sobra por todos. Un príncipe es maldecido por una bruja, puesto que su corazón es incapaz de amar y ver más allá de las aperiencias, así que la bruja lo transforma en un ser velludo y terrible, y si no consigue amar a una mujer y que ésta se enamore de él antes de cumplir los 21 años, se quedará maldito por siempre. Tiempo después, un hombre se pierde y acaba en el castillo del príncipe, éste, enfadado por la intromisión, lo encierra en las mazmorras; mas no tarda aparecer la hija del buen hombre, una hermosa muchacha llamada Bella, que al ver el estado de su padre decide quedarse como prisionera a cambio de que su progenitor sea liberado.

Dirigida por Gary Trouslade y Kirk Wise (quienes también realizaron otro éxito del estudio, El jorobado de Notre Dame) y escrita por Linda Woolverton (autora del guión de Alicia en el País de las Maravillas, de Tim Burton), La Bella y la Bestia es uno de los filmes más oscuros a la par que hermosos de una de las mejores épocas de Walt Disney, hecho que se observa simplemente al contemplar cómo se nos muestra el castillo del príncipe, con encuandres forzados y muchas sombras, gárgolas en forma de monstruos y enormes torreones; o todavía más con las primeras apariciones de Bestia, momentos realmente impactantes y terroríficos; o la misma escena inicial donde se nos narra a través de preciosistas vidrieras la historia del príncipe. Si bien es cierto que no todo es lóbrego y gótico, la escena en la que se nos presenta a Bella y el pueblo donde vive y sus habitantes, por ejemplo, es bastante naif, además dicho momento es aprovechado para describir cómo es la chavala, que no es como los demás, y que es por ello, y porque siempre le da calabazas, por lo que el creído y engreído Gaston quiere hacerla su esposa; y es ahí donde observamos que Bella es realmente diferente al resto, puesto que es una chica independiente, con sus propias ideas (cosa que parece molestar a Gaston, prototipo de macho), y que no es una mujercita que busca un hombretón para que la cuide y la mantenga, algo que demuestra a lo largo de film en más de una ocasión.

En cuanto a la adaptación al 3D, he de decir que la sensación de profundidad es muy marcada, aunque al ser un film de animación tradicional es más que visible que va por capas, cosa que a mí al menos no me molesta, pero puede que a alguien no le guste al principio al menos. También en los primeros minutos del film tenía la sensación de que los personajes no se movían con suficiente fluidez, pero fue algo que desapareció, supongo debido a que mis ojos se adaptaron. En todo caso no se puede negar que los chicos de Disney han hecho una buena conversión, que hace de algunas escenas todo un deleite para la vista (aunque me da la impresión que sin las tres dimensiones también lo serían). No obstante, y como ya afirmo arriba, no me gusta nada la política de exprimir un producto por la vía de reconvertirlo al formato de moda, pero por lo que se ve esta película no será la última que sufra dicha transformación, y que en poco tiempo tendremos la oportunidad de visionar otros clásicos de Disney de la misma guisa.

La Bella y la Bestia está plagada de grandes momentos, de aventura, de emoción, de magníficos personajes, y de tantos y tantos detalles que hacen, sin la menor duda, que sea una gran película. Imprescindible.


LO MEJOR:
-La secuencia inicial contando la historia del príncipe.
-Las dos primeras apariciones de Bestia ante Bella, realmente impresionantes.
-La escena del baile mientras la tetera canta.
-La expresividad de los personajes, realmente los animadores han coseguido transmitir mucho.
-La música, gran banda sonora de Alan Menken (que se hizo con el Oscar).
-La dirección, la animación, el guión, el diseño de escenarios..., en realidad todo.
-Que Ger me persuadiera para que la viera en pantalla grande.

LO PEOR:
-No haberla visto antes.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine y las buenas historias.

¿Y quién no?
Si no te gusta el cine (¿entonces qué haces leyendo esto?).

Entrelobos

Mientras el personal estaba gozando con el Barcelona-Real Madrid, yo estaba disfrutando de una película y, además, española. De hecho, estas últimas semanas estoy viendo bastante cine nacional, y encima de géneros variados: he pasado por el biopic humorístico de El Gran Vázquez, por la opresión dramática de Enterrado, por un drama de posguerra en Pan negro, y ahora me he paseado por Sierra Morena en una aventura basada en hechos reales en Entrelobos (Ídem, 2010), una película que si bien no es redonda ha hecho que saliera del cine encantado.

El film nos narra la historia de Marcos, un niño que por avatares de la vida acaba solo en mitad del monte, y de cómo sobrevive e incluso hace amistad con los lobos.

Gerardo Olivares (que tiene varios documentales en su haber, así como un par de filmes) dirige y escribe esta coproducción hispano-alemana de muy buena factura técnica, en la que sobresale una gran fotografía y los parajes naturales donde se rodó el film, así como la ambientación en los pocos escenarios antropizados que aparecen, que nos trasladan de verdad al año 1954. Pero no sólo en lo visual me ha gustado, ya que lo que es sobre todo al principio de la película podemos ver claramente cómo era la sociedad rural andaluza de la época, donde "los señoritos" eran personajes con el poder de dejar a una familia sin nada, y que explotaban sin miramientos a sus "trabajadores" y a los hijos de éstos por muy pequeños que fueran, y les importaban bien poco siempre y cuando no les perjudicara. También vemos cómo algunos de esos trabajadores, sobre todo los que tenían ciertas responsabilidades (los aperadores o capateces), podían llegar a ser incluso peores que sus amos, con tan sólo unas pocas escenas queda patente todos esos detalles. Yendo a una parte más amable, me ha encantado también ver cómo el protagonista aprende con el espectador métodos que se usaban (y no pocos se siguen usando en el campo andaluz) para cazar conejos o pajarillos, y así poder llevarse algo a la boca.

La película es, desde luego, toda una delicia para la vista, sin embargo, como ya he apuntado en el primer párrafo, no es un trabajo redondo. Si bien toda su primera parte está genial, a partir de la desaparición de cierto personaje el ritmo es irregular, no llegando a resultar pesada, pero sí lenta en más de un momento, cosa que puede impacientar a parte de los espectadores. No obstante, en el último acto el ritmo vuelve a ser el adecuado hasta llegar a un final profundamente emotivo.

En cuanto al reparto, hay que aclarar que aunque en el cartel se nos anuncia como protagonista absoluto al convincente Juan José Ballesta (del cual se estrena este mismo mes la interesante Bruc), lo cierto es que el auténtico actor principal es, junto con la propia Sierra Morena y sus habitantes animales, el debutante Manuel Camacho, un niño con unos ojazos verdes que cautivan, y que me da la impresión que se lo ha pasado pipa haciendo el film; también participan Carlos Bardem (Celda 211), Alex Brendemühl (Héroes), Antonio Dechent (Atún y chocolate), Luisa Martín (Las 13 rosas, Médico de familia), y un inmenso Sancho Gracia (El crimen del padre Amaro), entre otros.

Es bien cierto que siento cierta debilidad por este tipo de historias, y más si la misma está ubicada en paisajes que para mí son familiares y me encantan, pero no por ello resto valor al trabajo de Gerardo Olivares en Entrelobos, ya que ha logrado recrear perfectamente el ambiente y las gentes de la época, y ha sabido imprimir a la historia la fuerza necesaria para que el espectador se meta de lleno en ella, y a pesar de que no lo haya conseguido en toda la cinta el conjunto resulta más que satisfactorio. La historia de Marcos Rodríguez Pantoja merecía la pena llevarse a la gran pantalla, al igual que merece la pena pagar una entrada por ella.


LO MEJOR:
-La recreación de la sociedad de la época, conseguida con tan sólo unas pocas pinceladas.
-La fotografía y los paisajes de Sierra Morena (del Parque Natural de Sierra Cardeña y Montoro, para ser exactos).
-Los intérpretes, destacando un gran Sancho Gracia.

LO PEOR:
-El ritmo, un tanto irregular.

¿Quién debería verla?
Si te atraen las historias de niños que se han criado solos en plena naturaleza.

¿Y quién no?
Si no te gusta el campo y eres soberanamente impaciente.


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Leslie Nielsen, un tio cachondo que nos ha dejado

Lo bien que me lo he pasado desde pequeñajo con este hombre de pelo cano y mirada de no haber roto un plato. Desde su descacharrante papel de médico en Aterriza como puedas no dejó de ofrecernos personajes cómicos en decenas de filmes, como la saga de Agárralo como puedas, o la parodia del vampiro en Drácula, un muerto muy contento y feliz, o en la cuarta entrega de la franquicia Scary Movie, también fue Mr. Magoo en la adaptación de la famosa serie de dibujos... Curiosamente, empezó siendo un actor dramático, de hecho fue el héroe de Planeta prohibido, todo un film de culto hoy día, y también participó en el cine catastrófico y de aventuras en La aventura del Poseidón, que hacía ni más ni menos que del capitán; pero por cosas curiosas del destino le dieron el papel en Aterriza como puedas y a partir de dicho momento se convirtió en un actor cómico. Hay que apuntar que también ha hecho trabajos televisivos en algunos episodios de series tan famosas como Kung Fu, Las chicas de oro, Autopista hacia el cielo o El fugitivo (y en muchas más). Toda una vida dedicada al séptimo arte, que si bien nunca consiguió el favor de la crítica, pero lo que es al público siempre se lo metía en el bolsillo con su simpatía y su buen hacer en los gags visuales.

Murió el pasado domingo a la edad de 84 años.

Mystic River

La vida de Jimmy, Sean y Dave fue marcada en su infancia, cuando uno de ellos subió a un vehículo. Ahora son adultos, Jimmy tiene un pasado oscuro y regenta una tienda, Sean es policía y Dave es un tipo gris al que le gusta jugar al béisbol con su hijo. Cierto día Katie, la hija mayor de Jimmy, es hallada muerta.

Ya hacía tiempo que quería ver esta película, hace pocos días me lo recordé, y ayer mismo (19 de septiembre) la emitieron por televisión, así que no dudé en verla. Me fascinó de principio a fin.

Y es que, a pesar de que la historia y los temas que se tratan en ella son duros, o probablemente por eso mismo, Mystic River (Ídem, 2003) tiene esa cualidad hipnótica que no muchos filmes poseen. Por eso y por la magnífica dirección de Clint Eastwood, que ha firmado a mi juicio una obra superior a la posteriormente multioscarizada (y también estupenda película) Million Dollar Baby y a un reparto que no sólo está lleno de buenos nombres para cubrir hueco, sino que simplemente están geniales, destacando un intenso Sean Pean (que obtuvo el Oscar y el Globo de Oro al mejor actor por este trabajo), y unos contenidos Tim Robbins (Oscar y Globo de Oro a mejor actor de reparto) y Marcia Gay Harden (actriz que posteriormente también haría un gran papel en La Niebla).

El guión está escrito por Brian Helgeland (que ha escrito el libreto de más de un buen film) basándose en el libro de mismo título de Dennis Lehane, del cual han adaptado otras de sus obras, como el celebrado debut en la dirección de Ben Affleck, Adiós, pequeña, adiós.

Ciertamente se podría escribir mucho sobre esta película, pero a mí no me quedan palabras, no quiero destripar más de la historia y, por qué negarlo, apenas sé de cine como para comentarla en condiciones. Baste decir que estamos ante uno de los mejores trabajos del director de El Intercambio, Sin perdón, Un mundo perfecto, Gran Torino y otras tantas grandes películas.


LO MEJOR:
-La dirección, los actores... y todo lo demás.

LO PEOR:
-No hay nada especialmente malo.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine te gustará esta película.

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Tamara Drewe

He de confesarlo, no habría ido a ver esta película si no estuviese protagonizada por Gemma Arterton, y eso es algo que no había hecho nunca, jamás de los jamases se me habría ocurrido que algún día iba a ir visionar un film por el único motivo de su protagonista… Creo que necesito un médico.

La acción se sitúa en un bucólico y tranquilo pueblecito de la campiña inglesa, más exactamente en una casa rural donde cualquier escritor puede ir a retirarse para buscar inspiración para su obra. El lugar está regentado precisamente por la esposa de un escritor de éxito, del que los demás envidian sus ventas (y que le publiquen, claro). Cierto día aparece Tamara Drewe, una periodista oriunda del lugar que hacía años se había ido a Londres, y con ello trastocará la tranquilidad de muchos.

Stephen Frears (Café irlandés, The Queen) dirige la que es la traslación del tebeo (¡uy!, perdón, novela gráfica) de Posy Simmond a imagen real, y cuya historia ha sido adaptada por Moira Buffini, guionista con pocos trabajos a sus espaldas, pero que puede tener futuro si sigue así, ya que lo que es a mí, Tamara Drewe, me ha resultado muy divertida e ingeniosa. Aunque claro, que sea divertida e ingeniosa no quiere decir que sea la leche, puesto me mosquea un poco el hecho de que muchos de los personajes secundarios que se nos presentan en el primer tercio del film luego simplemente desaparecen sin dejar rastro, y aunque se puede sobreentender el porqué de que se esfumen, no sé, se echa en falta que al menos se les vea marcharse cogiendo un autobús o algún otro medio de transporte, además, algunos están claramente desaprovechados, o al menos no se les da el uso que se les podría dar.

Respecto al reparto, tenemos, obviamente, a la hermosa Gemma Arterton, chica a la que vimos hace más bien poco metiéndose en la piel de la princesa Tamina de Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo, y a la que parece que también podremos admirar en la tercera parte de Los hombres de negro (que esperemos que sea más potable que las dos anteriores, sobre todo de la insulsa segunda parte -y eso a pesar que contaba con la espectacular Rosario Dawson-); También está Roger Allam, que yo nada más verlo me percaté que hizo de malo en la espectacular Speed Racer, mientras que aquí su papel es el de escritor de éxito y adúltero; Luke Evans es el jardinero-horticultor-ganadero-yotrosmenesteres, y que por lo que veo en IMDB será Aramis en la próxima versión de Los tres mosqueteros que dirige Paul W.S. Anderson; Bill Camp (Enemigos públicos) es un escritor completamente bloqueado al que el personaje interpretado por la televisiva Tamsin Greig hará que recobre la inspiración; mientras que Dominic Cooper es un roquero que siente un gran amor hacia su perro, y al que pronto lo veremos como el papá de Iron Man, en Captain America: The First Avenger. El elenco es más amplio, como las jovencitas Jessica Barden y Charlotte Naughtie, aunque la mayoría de estos otros personajes se evaporan súbitamente como ya he indicado.

Para ir acabando, Tamara Drewe es una comedia dramática o un drama con tintes cómicos, va de uno a otro género de forma bastante cómoda; los personajes que pululan resultan algo más que simpáticos, y el desarrollo de la acción tiene momentos realmente divertidos salpicados con otros melodramáticos. Un film que si bien no es la mejor obra de Frears sí que es un trabajo correcto, cuyas cerca de dos horas entretienen notablemente, y en el que se nos cuenta muchas cosas acerca de cómo somos y cómo nos comportamos en lo que a temas sentimentales se refiere; y encima siempre que la cámara enfoca a Gemma Arterton uno se da cuenta que aunque haya ido a verla sólo por ella..., ya merece la pena.


LO MEJOR:
-Gemma Arterton y el reparto en general (mención especial también para el dúo adolescente).
-La estética, conseguida en buena medida gracias a la deliciosa fotografía.

LO PEOR:
-Que no se hayan explotado más a algunos secundarios, y la desaparición repentina de muchos de ellos.

¿Quién debería verla?
Si te gustan las comedias con toques de drama o los dramas con toques de comedia, pero sobre todo si te mola Gemma Arterton.

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Pan negro

Un hombre cruza un bosque en carromato y escucha un ruido, se para y observa a su alrededor, saca la navaja, pero de poco le sirve, pues un asaltante le ataca por la espalda y da cuenta de él. Después despeña el carro con el cuerpo dentro. Al pie del acantilado está Andreu, que ve el cuerpo magullado de un niño que le dice una sola cosa: Pitorliua. Poco después el padre de Andreu, Farriol, huye a Francia porque cree que le acusarán de haber sido el autor del crimen.

Agustí Villaronga (El niño de la luna) dirige y adapta la novela de Emili Teixidor en esta película rodada en catalán y que tuvo muy buena acogida en el pasado Festival de San Sebastián, donde Nora Navas se llevó la Concha de Plata a mejor actriz.

Pan negro (Pa negre), es un film sobre la posguerra contada desde la mirada de un niño, a través de sus ojos vamos perfilando el mundo de los adultos, un mundo repletos de secretos y mentiras, de odios y enfrentamientos por oscuras acciones del pasado; y a la vez un mundo con multitud de misterios y repleto de fantasías, fantasías que en la mayoría de las ocasiones se tornan pesadillas y que moldean la personalidad de Andreu, que sufre un cambio más que drástico al final del film.

Si bien el tema de la posguerra ya está muy manido, Villaronga ha sabido sacarle jugo a través de unos personajes con sus luces y sombras, con personalidades perfectamente definidas, y con una puesta en escena (usando mucho la cámara en mano) que te mantiene pegado a la butaca, además el hecho de que la información que tengamos sea la que vemos a través del niño Andreu (interpretado más que bien por Francesc Colomer) le da más fuerza a la historia, ya que en muchas ocasiones somos nosotros como espectadores quienes debemos dilucidar lo que ocurre o lo que hay tras ello. Todo ello se refuerza con una fotografía magnífica, y unos escenarios que nos trasladan a aquella época donde los vencidos tenían que agachar la cabeza ante los vencedores, y tragar todo lo que hiciera falta para sobrevivir.

Es obligatorio mencionar que todos los actores hacen un trabajo perfecto, así, aparte de los ya mencionados, tenemos en papeles más o menos importantes a Sergi López, Eduard Fernández, Marina Comas, Roger Casamajor, Mercè Arànega, y otros tantos, que han logrado infundir pequeños matices a su personajes, haciéndolos del todo creíbles, y sobre todo muy humanos.

Pan negro es una nueva muestra de buen cine español, una película que nos hace reflexionar con una historia oscura llena de personajes cuya moralidad e ideales no siempre están reflejadas en sus acciones, puesto cuando la situación es desesperada a veces se echan a un lado los escrúpulos y lo único que vale es sobrevivir.


LO MEJOR:
-El reparto.
-La dirección, la fotografía, los escenarios...
-La escena introductoria.
-El punto de vista desde el que está narrada, mostrando y ocultando sabiamente, según lo vea o no el niño.

LO PEOR:
-Por poner algo, que al principio recuerda demasiado a El laberinto del fauno (más por los actores y la fotografía, y el entorno, que por otra cosa).

¿Quién debería verla?
Quién crea que ya estaba todo visto acerca de la Guerra Civil y algunas de sus consecuencias, y quien todavía siga pensando que el cine español sigue siendo como las películas de Pajares y Esteso.

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Colegas en el bosque

Boog es un oso que fue salvado cuando era osezno por una guarda forestal, ahora que se ha hecho mayorcito es como la mascota de ésta y toda una estrella local. Pero el día que decide ayudar a Elliot, un excéntrico ciervo, su suerte se verá truncada y pronto dejará el confortable garaje donde vive por el siempre incómodo bosque.

Viendo que en los últimos años el cine de animación estaba generando numerosos éxitos, Sony no quiso quedarse sin su tajada, así que ni cortos ni perezosos se pusieron a ello con este film que nos ocupa, que como muchos de los que han triunfado cuenta como personajes protagonistas todo tipo de animales, aunque en este caso los principales son dos seres antagonistas tanto en personalidad como en gustos culinarios (aunque es cierto que los osos también pacen). A la cabeza del proyecto están Roger Allers, Jill Culton y echando alguna manilla más Anthony Stacchi, los tres firman un trabajo que si bien no pasará a los anales de la historia sí que logra el más importante de los cometidos: hacer pasar un rato la mar de entretenido.

No obstante la cosa comienza un poco floja, resultando como mucho un producto simpático en los primeros minutos, pero a medida que los acontecimientos se suceden, y muy especialmente cuando la acción cambia de ubicación (del pueblo al bosque), es cuando pasamos de las risitas circunstanciales a momentos realmente divertidos, como el encuentro de Elliot con su manada o la riada provocada accidentalmente por Boog.

Visualmente hablando estamos ante un producto muy vistoso, del cual me llamó mucho la atención ese aspecto de animación tradicional en los fondos y planos generales, así como el diseño de los personajes, especialmente animales.

Colegas en el bosque (Open Season, 2006) es una entretenida película de dibujos animados por ordenador, sin más pretensión que la de hacer pasar un buen rato, cosa que consigue. Recomendable para echarse unas risas.


LO MEJOR:
-A medida que avanza el metraje los gag se van haciendo más graciosos y la química entre los dos protagonistas cuaja.
-Ese toque a animación de toda la vida.

LO PEOR:
-Es bastante convencional.

¿Quién debería verla?
Si te gustan todas esas pelis de animación protagonizadas por todo tipo de animales seguro que ésta también lo hará.

¿Y quién no?
Lo mismo que el párrafo anterior, pero a la inversa.

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Anacondas: La cacería por la orquídea sangrienta

Una laboratorio farmacéutico ha descubierto que una rara flor, que se daba por extinguida y tan sólo florece cada 7 años, tiene propiedades que podrían alargar la vida de las personas, pero por desgracia para ellos el ejemplar que hallaron se estropeó y necesitan más si desean obtener un jugoso contrato con una gran multinacional. Raudos viajan a Borneo en busca de la orquidea, tienen tan sólo dos semanas para encontrarla, y la meteorología no acompaña por lo que los barqueros locales no parecen estar dispuestos a internarse por el peligroso río, aunque hay uno que sí lo está.

 

Anacondas, la cacería por la orquidea sangrienta (Anacondas: The Hunt for the Blood Orchid) es la secuela de la "célebre" Anaconda, que protagonizó en su día una ascendente y jovencita Jennifer López y que en esta ocasión no participa, de hecho salvo por el título y por el hecho de que aparezcan los mencionados bichejos no hay ningún nexo que las una, por lo que se puede ver sin problema se haya o no visionado la primera.

 

Si la entrega precedente resultó ser entretenida aunque con algunos fallos de campeonato (como ese famoso plano de la catarata de aguas ascendentes), ésta nos ofrece al fin y al cabo más de lo mismo pero sin cataratas ascendentes y con anacondas en Borneo (no soy experto en el hábitat de dicho reptil, pero creo que por Asia muchas no hay), o sea, que es un film de serie B cuya mayor pretensión es hacer pasar el rato al espectador, no inventa nada nuevo, los personajes, las situaciones, los supuestos giros, la puesta en escena, todo, mana de películas del mismo género, por lo que quien espere sorpresas va bien listo. Así pues Dwight H. Little (Asesinato en la Casa Blanca, Halloween 4: el regreso de Michael Myers), su director, firma un trabajo correcto, siempre si tenemos en cuenta las limitaciones del producto (y del propio realizador); quizá podría haber puesto más de sí y procurar sorprendernos, pero no voy a ser yo quien se lo eche en cara, porque es bien sabido que muchos que intentan hacerlo al final lo único que logran es causar sopor.

 

Personajes típicos pero soportables, efectos especiales resultones, alguna que otra escena conseguida, un metraje justo, interpretaciones mediocres y diálogos que si bien no pasarán a la historia no nos causan rubor, son los ingredientes de Anacondas, la cacería por la orquídea sangrienta, y hacen de ella un producto entretenido que incluso tiene unos pocos instantes de emoción. Recomendable para quien guste de filmes con bichos gigantes y de serie B en general.

 

LO MEJOR: 

-La capacidad de entretener, y algunos momentos de cierta tensión.

 

LO PEOR: 

 -Que ya la hemos visto de uno u otro modo.

 

¿Quién debería verla? 

Ya lo he apuntado arriba: "para quien guste de filmes con bichos gigantes y de serie B en general".  

 

¿Y quién no? 

Si eres de los que se ponen a rascar mucho aun a sabiendas de que no hay nada debajo.

Ga'Hoole, la leyenda de los guardianes

Soren es un joven "lechuzo" que no deja de soñar con las historias que le ha contado su padre sobre Los Guardianes. Un día, tras un pequeño accidente, es secuestrado junto a su hermano mayor por dos extrañas lechuzas y llevado ante Los Puros, los cuales tienen a cientos de lechuzas y otras rapaces nocturnas esclavizadas. Mas Soren consigue escapar junto a una pequeña mochuelo, su misión no es otra que encontrar a los míticos Guardianes.

Zack Snyder, director de violentos filmes como 300 ó Watchmen, cambia un poco de registro al realizar una película familiar y además de animación 3D (estereoscópico, para más inri), basándose en los libros de Kathryn Lasky. La peculiaridad de los libros y, por lo tanto, de esta película, es que los protagonistas (como ya habréis notado) de las fantásticas aventuras no son humanos (ni siquiera humanoides), sino que son rapaces nocturnas. Este hecho da pie a mostrarnos paisajes y, sobre todo, escenas aéreas realmente alucinantes, puesto que si en algo destaca Ga'Hoole, la leyenda de los guardianes (Legend of the Guardians: The Owls of Ga'Hoole) es en el plano técnico y en el uso del 3D estereoscópico que, al menos que yo haya visto, es el mejor uso que se le ha dado a este formato desde Avatar, teniendo los escenarios una gran profundidad y potenciando la espectacularidad de muchas escenas que de por sí ya son realmente asombrosas.

Si bien en el plano visual no se le puede poner ninguna pega, en lo que es a nivel narrativo y de historia sí, ya que a pesar de que comienza con muy buen pie, cuando la trama avanza, más que nada en la última parte del film, se hace un poco confusa, ya sea por el montaje o más bien porque faltan piezas del puzle. Al menos esa fue la sensación que me asaltó en diversos instantes, que se había hecho unas elipsis demasiado grandes, porque de otro modo no se entiende cómo los personajes tardan tan poco en cruzar lo que antes parecía que iba a durar una vida. No obstante, obviando esos errores, nos hallamos ante una historia de superación, de creer en los sueños y de abogar por la tolerancia ante los que son diferentes a nosotros.

Ga'Hoole, la leyenda de los guardianes es una película para degustar de sus virguerías visuales, un film al que le ha faltado muy poco para pasar de ser una obra entretenida (y espectacular) a una joya animada, pero aún así seguro que hará las delicias tanto de los pequeños como de los grandes.


LO MEJOR:
-Técnicamente es apabullante.
-El vuelo de Soren en la lluvia, y entre las llamas. Espectaculares.
-El 3D estereoscópico, realmente Snyder ha sabido sacar partido del mismo.
-El doblaje al español, sobre todo de los protagonistas principales.
-El corto que precede al film, rememorando las viejas aventuras del Coyote.

LO PEOR:
-El tramo final resulta en ciertos momentos un tanto confuso, probablemente debido al uso abusivo (o al menos equivocado) de la elipsis.
-Da la impresión que se podía haber sacado más partido a la historia.

¿Quién debería verla?
Si disfrutas con las películas fantásticas, y si te atraen los grandes espectáculos visuales.

Lo que no entiendo:
El frío recibimiento en taquilla tanto en Norteamérica como aquí, sobre todo viendo que productos más mediocres consiguen buenos resultados.


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Resultados y nueva encuesta

Ya está cerrada la encuesta en la que os preguntaba, queridos lectores, qué tal os había parecido el cambio de diseño en el blog; y si bien no es que haya sido muy entusiasta la acogida, para ser la primera (en realidad la segunda, pero eso ya es otra historia...), y que el tema tratado al fin y al cabo tampoco es que fuera de interés general, me doy por satisfecho.

En total han participado diecisiete personas (he de confesar que yo he sido una de ellas), y por lo que veo a todos os ha gustado bastante el cambio (aunque el truco para eso está en que no puse ninguna respuesta en la que pudieseis votar que no era así, jujuju...). Así bien, a tres personas (lo que viene a ser el 17%) le ha molado cantidad y les ha resultado una obra de arte; estas personas, he de decir, que son un poco exageradas, pero aún así me halagan con su sinceridad. Por otra parte, a ocho lectores (lo que viene a ser el 47% de los que han participado) simplemente les ha gustado el cambio, piensan que se ha ganado con ello; estas personas son sin duda gente sensata, que saben apreciar lo bueno sin con ello elevarlo demasiado..., me caéis bien. Tres han sido también los que si bien piensan que el cambio no está mal, opinan que me lo podría haber currado más; yo no me enfado con ellos por no saber apreciar los cambios como deberían (jujuju, uno que es modesto), pero sí les digo que, aunque poco apreciables, continuo haciendo modificaciones para que el blog siga siendo atractivo a la vista, a la par que funcional. Por último, otros tres encuestados parecen que no se han enterado del asunto y han respondido ¿El qué?, opción que puse para todo aquel que no hubiese notado los cambios, o simplemente haya conocido el blog posteriormente a los mismos.

Me gustaría poner un gráfico molón para mostrar y resumir los resultados claramente, pero como no tengo las herramientas adecuadas en estos momentos, me limitaré a ponerlo tal cual:

¿Qué te parece el nuevo diseño?

*¡Mola!, es una obra de arte. -> 3 (17%)

*Me gusta, ha ganado con el cambio. -> 8 (47%)

*No está mal, pero te lo podrías haber currado más. -> 3 (17%)

*¿El qué? -> 3 (17%)


Nueva encuesta

Una vez vistos los resultados de la super-encuesta, se me ocurre proponer otra a mis queridos lectores, y además que es del todo interesante, sobre todo para nostálgicos. Y es que el otro día me surgió una pregunta de esas que le surgen a uno cuando se hace "mayor", ¿cuál es la peli que más mella me hizo en mis años de mozalbete? De dicha cuestión salió la idea de preguntar a mis lectores (que por cierto, por segundo mes consecutivo el blog ha superado las mil visitas), a través de una encuesta, cuál es su peli que le marcó en la infancia. Como comprobaréis, me he centrado en la fantasía para posteriormente hacer otra con filmes de ciencia ficción. Así que sólo tenéis que responder en la encuesta (que ahí estará durante un mes aproximadamente), que se halla en el menú de la derecha; sin duda, me dejo muchas películas en el tintero, pero creo que las que pongo son más o menos representativas.


¿Qué película de fantasía os marcó más?
Willow
La princesa prometida
Conan el Bárbaro
Cristal Oscuro
Dentro del laberinto
Jasón y los argonautas
La historia interminable
El señor de las bestias
Excalibur
Lady Halcón

Zombis A.C., de Juan C. Colorado y Juan L. Rincón

Hace unas semanas, para mi sorpresa, me enteré que le publicaron un cómic a dos autores a los que conocía de vista y de alguna escueta charla en los días en los que estudiaba en Puerto Real (Cádiz), y visitaba la mejor librería especializada del lugar, Sopa de Letras (abierta por una gran persona como lo era Manolo, del que sólo guardo buenos recuerdos). La noticia en cuestión me alegró bastante, y la historia del cómic me abrió el gusanillo, así que tomé nota del título y la editorial, y en cuanto he podido me lo he agenciado.

Los zombis, al igual que los vampiros, están de moda, en los últimos tiempos han salido decenas de libros sobre ellos, algunos con un éxito más que notable, como obras originales como Guerra Mundial Z, de Max Brooks; o una versión de la obra de Jane Austen, como lo es Orgullo y prejuicio y zombis, de Seth Grahame-Smith; también hay versiones de clásicos de la literatura hispana, Lazarillo Z, de Lazaro González-Pérez de Tormes; o Quijote Z, de Házael G. González. Así pues, el mundo de los cómics no podía quedar al margen de tal explosión, y una muestra de ello es Zombis A.C., escrita por el debutante Juan Carlos Colorado y dibujada por Juan Luis Rincón, quien hace unos años se autoeditó Rosewind: los guerreros del viento, un cómic de espada y brujeria bastante divertido.

La historia se centra en Zomerio Viriato, un soldado del ejército romano herido de muerte en una batalla junto al lago Trasimeno en las II Guerras Púnicas. Pero aún así, Zomerio está sentado en una piedra preguntándose por qué demonios sigue preguntándose cosas cuando tendría que estar en el fondo del lago siendo devorado por los peces y demás fauna acuática. Así, acompañado de su mejor amigo, deciden viajar, siguiendo el rastro de las batallas, en busca de las respuestas a todas sus cuestiones.

Nada más abrir el tomo el dibujo te llama la atención, el estilo es sencillo y limpio, y aunque en un primer vistazo a uno le puede parecer quizá demasiado simple, la verdad es que no es empezar a leer que uno siente que pega completamente viendo el tono de la historia; sólo le pongo la pega que en unas pocas viñetas le falta algo más de dinamismo, pero fuera parte de ello creo que guión y dibujo conjugan perfectamente. En cuanto al argumento en sí, obviamente, lo primero que uno piensa es que es original realizar una historia de zombis en la época romana, y si encima dichos zombis tienen plena consciencia de su existencia, e incluso reflexionan acerca de su condición y se comunican de una manera un tanto especial, pues todavía más. Y es que Zombis A.C., a pesar de su temática, es un tebeo en el que predomina las reflexiones de sus personajes sobre la acción y la casquería habitual del género, eso le da varios puntos a su favor en la mayoría de sus 64 páginas, pero también le quita otros pocos, puesto que al acabar de leerlo uno se queda satisfecho con la lectura, pero a la vez echa en falta un poco más de acción.

La editorial encargada de publicarlo ha sido Dolmen Editorial, para ello han elegido el formato rústica con solapas, tiene 96 páginas en un blanco y negro (con sus grises) muy bien impreso y con un papel bastante grueso. Además del cómic, y a modo de extras, tenemos un relato, magníficamente ilustrado por Agu Ariza, que narra los hechos del mismo pero unos cuantos años después (y, por lo tanto, distorsionados), varios bocetos y sendas entrevista a los autores. Todo ello por 10 euros, no está mal. Pero siempre hay un pero, y el que yo pongo es la encuadernación, que no es que sea perfecta, ya que se despega al abrirlo con mucha facilidad (y con esto no quiero decir que se caiga la portada o las páginas, no llega a tanto).

Zombis A.C. es por lo tanto una lectura amena e interesante, de dibujo sencillo pero no exento de detalles, con una edición correcta y un precio aceptable, y que además viene acompañado de unos extras igualmente interesantes. Una compra recomendable.


LO MEJOR:
-El dibujo y el guión encajan muy bien.
-Hacer una historia de "no muertos" ambientada en la época romana.
-El relato del final, sobre todo porque la historia complementa a la del tebeo.
-La portada, muy buena la ilustración y el diseño en general.

LO PEOR:
-Se echa en falta un poco más de acción (y zombis, más zombis).
-La encuadernación. No es que sea mala, pero todos los ejemplares que miré se despegaban (un poco) nada más abrirlo.
-Alguna falta de ortografía recurrente.

¡Ya a la venta!

Tras La Espada de Fuego y El Espíritu del Mago, llega

La tercera entrega de la Saga de Tramórea de Javier Negrete.

Evangelion 2.0 You can (not) advance

Hace algo más de un año comentaba aquí mismo la primera parte de lo que se ha dado a llamar como Rebuild of Evangelion, que no es otra cosa que una reinvención de la serie Neon Genesis Evangelion en cuatro películas. La primera de ellas, Evangelion 1.0 You are (not) alone me gustó, aunque me pareció demasiado calcada a la serie; pero ya anoté que al final de la misma (sobre todo en su epílogo), apuntaba que su continuación sí que estaría cargada de novedades. Una vez vista Evangelion 2.0 You can (not) advance (Evangerion shin gekijôban: Ha) no se puede negar que hay muchos cambios respecto a la serie, algunos de ellos bastantes jugosos.

Nada más empezar observamos el primer cambio, puesto que la escena inicial es de un combate con un Ángel en tierras europeas y con una piloto nueva a manos del EVA 05 Provisional. Después de esta batalla la acción se traslada a Japón, donde pronto irrumpirá un tornado en NERV, o sea, Asuka Langley. Pero no sólo ese hecho afectará, ya que entre los pilotos Shinji y Rei están aflorando sentimientos profundos, y esto hace que esta última cambie para sorpresa de todos. Y no pienso entrar en más detalles sobre el argumento para no fastidiar involuntariamente nada a nadie.

¿Qué más comentar sin destripar nada? Quizá lo que deba de decir es que las peleas contra los Ángeles siguen siendo muy buenas (gran animación y ejecución), además he apreciado que los planos en los que los personajes no mueven un dedo han pasado a la historia, siendo los entornos más dinámicos también. De la producción se sigue encargando Khara y Gainax, además de otros estudios que colaboran en el proyecto (creo que incluso hay uno de Vietnam -según vislumbré en los créditos-), y la dirección siguen estando al frente Masayuki y Kazuya Tsurumaki bajo la supervisión de Hideaki Anno, quien también firma el guión. En la música (compuesta por Shira Sagisu) también he notado que es menos continuista, si bien tenemos melodías típicas de la serie, han aumentado los temas inéditos, evidentemente (y lógicamente) motivados por los cambios que se han producido.

Evangelion 2.0 You can (not) advance es un gran film de animación, que mantiene el espíritu de la serie original pero a la vez renueva situaciones y personajes, además de crear nuevas situaciones y dejar algunas cosas (como la relación entre Seele y NERV) más claras (en apariencia al menos). Te deja con ganas de más.


LO MEJOR:
-Desde luego, las batallas.
-Los cambios en la personalidad de los personajes. Siguen siendo los mismos, pero más interesantes para quienes los conocemos (sobre todo porque quienes imagináis son menos apáticos).

LO PEOR:
-En realidad no me molesta, pero han aumentado mucho los planos forzados (o no) donde salen las chicas en ropa interior (o sea, el fanservice).
-Tras el inicio hay un tramo de un ritmo un poco lento.

¿Quién debería verla?
Los fans de Evangelion, y si has visto la primera peli (y te gustó).

Leer critica Evangelion 2.0 you can (not) advance en Muchocine.net

Buried (Enterrado)

Paul Conroy es un conductor de camiones que trabaja en Irak transportando material para las bases; un mal día su convoy es atacado y acaba despertándose en una caja de madera bajo tierra.

Con esta premisa tan arriesgada (el guión es obra de Chris Sparling, quien también ha escrito el libreto de ATM, film que se desarrolla en un cajero...) se ha atrevido el español Rodrigo Cortés, director de Concursante, aunque quizá hasta la fecha ha sido más reconocido por sus cortometrajes que por los largos. Y si es osada (la idea-premisa) no es porque simplemente se limite a narrar la historia de un secuestro "subterráneo", sino porque toda la acción transcurre en un espacio tan reducido como puede ser un ataúd.

Si pensáis que debe de ser un aburrimiento que una película se desarrolle en un sólo escenario y encima tan reducido, he de deciros que os equivocáis, ya que Cortés ha sabido jugar bien sus bazas y logra que la hora y media de metraje no se nos haga monótona, creando incluso situaciones variadas teniendo en cuenta el lugar donde se desarrolla; aunque, por otra parte, lo que es a mí en ningún momento me ha generado claustrofobia y lo que es sentir angustia sólo en los últimos minutos, que son los que más tensión transmiten y gracias a los cuales te vas de la sala satisfecho. Si no fuera por dichos momentos quizá no me habría parecido una mala película, pero sí un proyecto fallido (por suerte, no es el caso), puesto que la obvia intención es mantener en tensión durante todo momento.

El protagonista absoluto es Ryan Reynolds, con el que el director ha obrado un auténtico milagro, porque siendo un tipo al que daban ganas de asesinar en la mala Blade: Trinity y que aparecía sin pena ni gloria en la mediocre X-Men Orígenes: Lobezno, ha pasado a ser un actor que cumple en su papel de tipo en una posición más que angustiosa en esta película cien por cien española, pero rodada en inglés por eso de venderla mejor en el mercado internacional (y porque Reynolds no sabrá español), por ahora han conseguido que en Estados Unidos vaya a tener un muy buen estreno en lo que se refiere a número de salas.

En definitiva, Buried (Enterrado) es una película que te mantiene expectante, que juega bien sus bazas y que intenta sorprendernos y angustiarnos, y aunque no consigue todos sus objetivos, sí que mantiene el interés. Un trabajo que hace esperar más cosas buenas de Rodrigo Cortés.


LO MEJOR:
-Los últimos minutos, que fueron los que verdaderamente me causaron angustia.
-La dirección de Cortés, con una gran capacidad para inventarse planos y movimientos de cámara sin salirse del limitado espacio del escenario (aunque usa ciertos recursos para aumentar el mismo en determinados momentos).

LO PEOR:
-A pesar de las estrecheces, no me ha causado claustrofobia ni excesiva angustia.
-La situación de la serpiente me resultó poco creíble.

¿Quién debería verla?
Si te gustan los thrillers, éste es uno bueno.

El enigma:
Todo un misterio el que le hayan dado en Sitges el premio Méliès d’Or a la mejor película fantástica europea... sobre todo porque no es de ese género (al menos a mi no me lo parece para nada).

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El Gran Vázquez

Manuel Vázquez es uno de los grandes autores del tebeo español, de esos que se dieron a conocer en esa escuela que fue Bruguera; suyos son personajes tan conocidos como Las hermanas Gilda, Anacleto, La familia Cebolleta o él mismo en Los cuentos del Tío Vázquez, por mencionar los más conocidos. Pero Vázquez no era sólo eso, sino que además era un caradura, un polígamo, y una persona cuya filosofía de vida era la morosidad ("¿A qué se dedica?", le preguntaron en una entrevista. "Deber, especialmente deber", respondió). Un gran tipo al fin y al cabo.

Así que teniendo en cuenta lo ajetreada que fue su vida, no es de extrañar que se decidieran a realizar un filme sobre (parte) de la misma. Ha sido Óscar Aibar el que se ha atrevido a escribir y dirigir dicha película (asesorado por dos de las familias de Vázquez...) el director de Platillos volantes le ha dado un tono que va de la comedia al drama, aunque siempre predomina la primera y según mi punto de vista el resultado es equilibrado.

La que podríamos considerar la primera parte es donde más abunda la comedia, aquí observamos, por ejemplo, como Vázquez se libra de unos acreedores haciéndose pasar por uno de ellos, o cómo vive como un rey en un hotel durante semanas sin pagar ni un duro; mientras que en la segunda parte observamos su caída, su primera reclusión en prisión y posterior intento de cambio.

Lo que primero que llama la atención de la película son sus colores, la variedad cromática nos recuerda inevitablemente a los tebeos de antaño, si a eso le sumamos el vestuario y algunos escenarios (la buhardilla especialmente) y la ambientación en general, este hecho no hace más que acentuarse, creando una atmósfera realmente acertada (aunque dichos colores casi desaparecen en los momentos más oscuros), y que en ciertos momentos incluso puede recordar a una de las cintas más divertidas de Spielberg, como es Atrápame, si puedes. Por otra parte también hay que destacar momentos animados, o sea, donde vemos algunos personajes de Vázquez cobrando vida y hablando con el mismo; esto al principio me chocó un poco, pero luego me fue pareciendo algo más natural.

Encarnando a Vázquez tenemos a Santiago Segura, al que vemos más contenido que de costumbre, y que hay que decir que hace un buen papel. Su personaje es el protagonista absoluto, aunque está acompañado por un elenco que incluye a personajes como Ibáñez (al que interpreta Manolo Solo) y otros dibujantes de la editorial Bruguera, como Escobar, Tran o Schmidt; así Álex Angulo es el administrador Peláez, el tipo más odiado de todo el personal; Enrique Villén sin embargo hace del buenazo director González, y Mercè Llorens es Rosa, una de las mujeres de Vázquez.

El Gran Vázquez es en líneas generales una buena película, que nos muestra una parte de la vida y la personalidad que fue ese personaje creado a sí mismo como era Manuel Vázquez, un genio con sus luces y sus sombras, que nos dejó como legado cientos de páginas de magníficos tebeos y mil anécdotas protagonizadas por él mismo.



LO MEJOR:
-El sentido del humor.
-Ese aire de tebeo que se respira en cada fotograma, y a la que ayuda mucho la fotografía, el vestuario y la ambientación misma.
-El elenco interpretativo, con un Santiago Segura bastante contenido.

LO PEOR:
-Hay un chiste, que aunque tiene su gracia, es un error (es uno relacionado con Mortadelo y el Súper).

¿Quién debería verla?
Si has disfrutado leyendo a Vázquez y el resto de personajes de Bruguera.

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Manuel Alexandre nos ha dejado

Esta año está siendo trágico para muchas cosas, entre ellas por los grandes intérpretes que nos han dejado. El último es ni más ni menos que uno de los grandes secundarios del cine español, que nos ha regalado infinidad de papeles entrañables; un tipo de rostro afable y sonrisa contagiosa. Descanse en paz.

Astroboy

Astroboy (Astro Boy) es de esas películas de la que no sabía qué esperar de ella, sobre todo teniendo en cuenta que se trata ni más ni menos que la adaptación por parte de los americanos (y hongkoneses) de uno de los personajes más famosos del maestro Osamu Tezuka, o sea, de Tetsuwa Atom, conocido en occidente como Astroboy. Por todo ello, y a pesar de que no tengo unos profundos conocimientos del personaje, temía que fueran a hacer una mala adaptación o simplemente un bodrio infumable con ínfulas existencialistas; y si bien no les ha salido ni una cosa ni la otra, ni tampoco han creado una obra maestra, sí que han realizado una película de animación muy entretenida.

La historia comienza en la moderna y flotante ciudad de Metrocity, donde la gente vive feliz y contenta gracias a los robots que se lo hacen casi todo. Toby es un niño muy inteligente hijo del doctor Tenma, una de las mentes más grandes de la robótica, y que ha construido un robot llamado Pacificador para saciar las ansias de poder del presidente de la ciudad; pero ocurre un accidente en el que se ve envuelto Toby, donde muere. A Tenma le acosan los remordimientos, así que usando los recuerdos de su hijo crea un robot a su imagen y semajanza para sustituirlo. Pero aunque son idénticos, no son iguales.

Esta es la base de la historia, que seguro que casi todos conocéis (sí, puede que a alguno le haya destripado algo), y a partir de ella se narra la historia de Toby/Astro, la búsqueda de un lugar en el mundo, el viaje a la superficie, el conocer la verdadera amistad y también la traición, hasta al fin hallar su cometido.

Los personajes que pululan son bastante simples, algunos han sido notablemente suavizados, muy especialmente Tenma y su relación con Astro, pero tampoco es algo que realmente importe mucho (al menos a mí). El resto de personajes cumple, son todos estereotipos, pero se hacen querer o no querer (según sea malo o bueno, claro), así hay tres que me han parecido especialmente simpáticos, que son los robots del FRR, cuya primera aparición es muy divertida. También hay detalles que homenajean a Tezuka, como uno de los científicos, que es el propio Tezuka o una imagen casi al final, que sale una caricatura típica de las historietas del Dios del Manga. En lo que se refiere a los diseños, aunque adaptados a los gustos actuales y pensando en el mercado occidental, son bastante fieles (son reconocibles, como el señor Mostacho), aunque quizá algunos personajes nuevos no cuadren perfectamente con el resto.

En cuanto al equipo que ha llevado a cabo el film hay que apuntar que el estudio es el mismo que creo la película animada por ordenador de Las tortugas ninja, y su director es David Bowers, quien codirigió la entretenida Ratónpolis. También hay que destacar que el director de fotografía es el español Pepe Valencia, que trabajó durante varios años para Sony Pictures Imageworks en multitud de películas, como El aviador, Beowulf, o Polar Express.

En definitiva, Astroboy no es una película que marcará un antes y un después en el mundo de la animación, pero sí que es una obra divertida, con un buen sentido del humor, mucha aventura y escenas realmente espectaculares. Una pequeña sorpresa.


LO MEJOR:
-La animación y los efectos, lejos de las grandes superproducciones, pero de notable calidad.
-El sentido del humor, tiene muchos puntos divertidos.

LO PEOR:
-Tenma me parece muy light.
-El mundo de la superficie es apenas un esbozo, habría sido interesante que lo hubieran mostrado más.

¿Quién debería verla?
Los seguidores de la obra de Ozamu Tezuka, o si simplemente quieres pasar un rato entretenido sin pretensiones.


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Resident Evil: Ultratumba

Fue allá por el año 2002 cuando nos llegó la primera (y a mi entender muy entretenida y bien llevada acabo) adaptación de la famosa saga de videojuegos de zombis creada por Capcom. Ésta tuvo una buena acogida, por lo que poco después estrenaron una secuela dirigida por Alexander Witt y que no gustó tanto ni a crítica ni a público, aun así tampoco fue un fracaso e hicieron la tercera parte, también con otro realizador al frente, Russell Mulcahy, dicha entrega se suponía que iba a poner punto y final a la saga (hecho que no se cansó de reiterar su protagonista, Milla Jovovich) pero que todos los que la vimos bien sabíamos que no iba a ser así, y más con ese final tan abierto que tenía. Y bien, tres años después regresan los hombres devoradores de cesos y vuelve a dirigir el que ha sido productor y guionista de toda la saga y director de la primera, o sea, Paul W.S. Anderson, con lo que uno no podía evitar pensar que este era un claro intento de revitalizar la franquicia (eso de ponerle punto y final uno ya no se lo cree). Por desgracia, sólo se ha quedado en eso, en intento.

La acción comienza con Alice atacando la sede central de Umbrella, cumpliendo de este modo su venganza en unas secuencias espectaculares y en las que seguro que a Anderson le debió de dar más de un orgasmo al ver a su atractiva mujer varias veces multiplicada. Tras ello va en busca de los amiguetes que dejó atrás en Resident Evil: Extinción, los cuales fueron tras una señal de radio de un refugio seguro. Allí sólo encuentra a Claire en un estado asilvestrado, pero la amaestra y se la lleva en su avioneta hasta Los Ángeles, donde un grupo de supervivientes resisten en un viejo presidio el asedio de miles de muertos vivientes.

Lo cierto es que al acabar de ver Resident Evil: Ultratumba (Resident Evil: Afterlife) me quedé algo peor a como estaba al entrar a la sala, y eso que no me resultó soporífera, pero sí fría. Y es que en esta cuarta parte parece que impera el silicio, empezando por el mencionado inicio, donde un porrón de “Alices” atacan las instalaciones de Umbrella. Desde luego es todo un festín de imágenes espectaculares, tiros, explosiones, ralentizaciones de la acción, lanzamientos de objetos a la cara y demás parafernalia visual para lucir las 3D (que no lucen mal durante todo el metraje, se nota que ha sido rodada en dicho formato y no chapuceramente), pero son imágenes absolutamente vacías, que le dejan a uno indiferente, y lo malo es que a medida que se desarrolla la trama la cosa sigue siendo más o menos igual.

Resident Evil: Ultratumba es la peor película de la saga sin duda alguna, un producto caro y con un bonito envase, pero que no tiene nada que ofrecer. Su guión es flojo y con fallos, sus diálogos malos, su elenco es variado pero tampoco pueden hacer mucho (por cierto, uno de ellos es el español Sergio Peris-Mencheta, conocido por la serie Al salir de clase, y que será El capitán Trueno), y encima el final es más que evidentemente continuista (y todavía más si esperamos un minutillo al aparecer los créditos). En resumen, es un film mediocre tirando a malo. Puro espectáculo vacuo.


LO MEJOR:
-Los efectos especiales; y las 3D quedan muy vistosas, aunque no sorprenden (comienzo a pensar que sólo James Cameron con su Avatar ha sabido sacarle verdadero provecho al estereoscópico).
-Los nuevos zombis y criaturas, aunque esto se lo debemos más a los chicos de Capcom, pues al fin y al cabo son calcados a los de las últimas entregas del videojuego.
-La escena donde Alice es perseguida por centenares de zombis.

LO PEOR:
-El guión, es pobre y tiene errores más que evidentes.
-Resulta fría, sobre todo al comienzo, que básicamente es una exhibición de efectos especiales y momentos a cámara lenta para lucir mejor el 3D estereoscópico.

¿Quién debería verla?
Es difícil recomendarla, ya que no es buena. No obstante, si sientes curiosidad y has visto las tres anteriores quizá te entretenga, pero difícilmente te enganchará.

¿Y quién no?
Si buscas una buena película.


Leer critica Resident evil: ultratumba en Muchocine.net

Encuesta

Como puede que os hayáis dado cuenta he puesto una mini-encuesta en el menú de la derecha para saber si os ha gustado el cambio de imagen del blog. Así que simplemente os animo a todos aquellos que lo deseen (sobre todo si conoció el blog antes del cambio) a que participe, aunque en realidad es una tontería hacerla, pues sé bien que el nuevo diseño es ¡¡una maravilla!! Jujujuju...


Un saludo y bon día.
Neovallense


PD: La encuesta estará ahí todo este mes. Una vez se termine el plazo quizás me dé por comentar los resultados.
PD2: Si os gusta esto de las encuestas hacédmelo saber. Seguro que se me ocurre alguna más que poner en el futuro.