¡Ya a la venta!

Tras La Espada de Fuego y El Espíritu del Mago, llega

La tercera entrega de la Saga de Tramórea de Javier Negrete.

Evangelion 2.0 You can (not) advance

Hace algo más de un año comentaba aquí mismo la primera parte de lo que se ha dado a llamar como Rebuild of Evangelion, que no es otra cosa que una reinvención de la serie Neon Genesis Evangelion en cuatro películas. La primera de ellas, Evangelion 1.0 You are (not) alone me gustó, aunque me pareció demasiado calcada a la serie; pero ya anoté que al final de la misma (sobre todo en su epílogo), apuntaba que su continuación sí que estaría cargada de novedades. Una vez vista Evangelion 2.0 You can (not) advance (Evangerion shin gekijôban: Ha) no se puede negar que hay muchos cambios respecto a la serie, algunos de ellos bastantes jugosos.

Nada más empezar observamos el primer cambio, puesto que la escena inicial es de un combate con un Ángel en tierras europeas y con una piloto nueva a manos del EVA 05 Provisional. Después de esta batalla la acción se traslada a Japón, donde pronto irrumpirá un tornado en NERV, o sea, Asuka Langley. Pero no sólo ese hecho afectará, ya que entre los pilotos Shinji y Rei están aflorando sentimientos profundos, y esto hace que esta última cambie para sorpresa de todos. Y no pienso entrar en más detalles sobre el argumento para no fastidiar involuntariamente nada a nadie.

¿Qué más comentar sin destripar nada? Quizá lo que deba de decir es que las peleas contra los Ángeles siguen siendo muy buenas (gran animación y ejecución), además he apreciado que los planos en los que los personajes no mueven un dedo han pasado a la historia, siendo los entornos más dinámicos también. De la producción se sigue encargando Khara y Gainax, además de otros estudios que colaboran en el proyecto (creo que incluso hay uno de Vietnam -según vislumbré en los créditos-), y la dirección siguen estando al frente Masayuki y Kazuya Tsurumaki bajo la supervisión de Hideaki Anno, quien también firma el guión. En la música (compuesta por Shira Sagisu) también he notado que es menos continuista, si bien tenemos melodías típicas de la serie, han aumentado los temas inéditos, evidentemente (y lógicamente) motivados por los cambios que se han producido.

Evangelion 2.0 You can (not) advance es un gran film de animación, que mantiene el espíritu de la serie original pero a la vez renueva situaciones y personajes, además de crear nuevas situaciones y dejar algunas cosas (como la relación entre Seele y NERV) más claras (en apariencia al menos). Te deja con ganas de más.


LO MEJOR:
-Desde luego, las batallas.
-Los cambios en la personalidad de los personajes. Siguen siendo los mismos, pero más interesantes para quienes los conocemos (sobre todo porque quienes imagináis son menos apáticos).

LO PEOR:
-En realidad no me molesta, pero han aumentado mucho los planos forzados (o no) donde salen las chicas en ropa interior (o sea, el fanservice).
-Tras el inicio hay un tramo de un ritmo un poco lento.

¿Quién debería verla?
Los fans de Evangelion, y si has visto la primera peli (y te gustó).

Leer critica Evangelion 2.0 you can (not) advance en Muchocine.net

Buried (Enterrado)

Paul Conroy es un conductor de camiones que trabaja en Irak transportando material para las bases; un mal día su convoy es atacado y acaba despertándose en una caja de madera bajo tierra.

Con esta premisa tan arriesgada (el guión es obra de Chris Sparling, quien también ha escrito el libreto de ATM, film que se desarrolla en un cajero...) se ha atrevido el español Rodrigo Cortés, director de Concursante, aunque quizá hasta la fecha ha sido más reconocido por sus cortometrajes que por los largos. Y si es osada (la idea-premisa) no es porque simplemente se limite a narrar la historia de un secuestro "subterráneo", sino porque toda la acción transcurre en un espacio tan reducido como puede ser un ataúd.

Si pensáis que debe de ser un aburrimiento que una película se desarrolle en un sólo escenario y encima tan reducido, he de deciros que os equivocáis, ya que Cortés ha sabido jugar bien sus bazas y logra que la hora y media de metraje no se nos haga monótona, creando incluso situaciones variadas teniendo en cuenta el lugar donde se desarrolla; aunque, por otra parte, lo que es a mí en ningún momento me ha generado claustrofobia y lo que es sentir angustia sólo en los últimos minutos, que son los que más tensión transmiten y gracias a los cuales te vas de la sala satisfecho. Si no fuera por dichos momentos quizá no me habría parecido una mala película, pero sí un proyecto fallido (por suerte, no es el caso), puesto que la obvia intención es mantener en tensión durante todo momento.

El protagonista absoluto es Ryan Reynolds, con el que el director ha obrado un auténtico milagro, porque siendo un tipo al que daban ganas de asesinar en la mala Blade: Trinity y que aparecía sin pena ni gloria en la mediocre X-Men Orígenes: Lobezno, ha pasado a ser un actor que cumple en su papel de tipo en una posición más que angustiosa en esta película cien por cien española, pero rodada en inglés por eso de venderla mejor en el mercado internacional (y porque Reynolds no sabrá español), por ahora han conseguido que en Estados Unidos vaya a tener un muy buen estreno en lo que se refiere a número de salas.

En definitiva, Buried (Enterrado) es una película que te mantiene expectante, que juega bien sus bazas y que intenta sorprendernos y angustiarnos, y aunque no consigue todos sus objetivos, sí que mantiene el interés. Un trabajo que hace esperar más cosas buenas de Rodrigo Cortés.


LO MEJOR:
-Los últimos minutos, que fueron los que verdaderamente me causaron angustia.
-La dirección de Cortés, con una gran capacidad para inventarse planos y movimientos de cámara sin salirse del limitado espacio del escenario (aunque usa ciertos recursos para aumentar el mismo en determinados momentos).

LO PEOR:
-A pesar de las estrecheces, no me ha causado claustrofobia ni excesiva angustia.
-La situación de la serpiente me resultó poco creíble.

¿Quién debería verla?
Si te gustan los thrillers, éste es uno bueno.

El enigma:
Todo un misterio el que le hayan dado en Sitges el premio Méliès d’Or a la mejor película fantástica europea... sobre todo porque no es de ese género (al menos a mi no me lo parece para nada).

Leer critica Buried (enterrado) en Muchocine.net

El Gran Vázquez

Manuel Vázquez es uno de los grandes autores del tebeo español, de esos que se dieron a conocer en esa escuela que fue Bruguera; suyos son personajes tan conocidos como Las hermanas Gilda, Anacleto, La familia Cebolleta o él mismo en Los cuentos del Tío Vázquez, por mencionar los más conocidos. Pero Vázquez no era sólo eso, sino que además era un caradura, un polígamo, y una persona cuya filosofía de vida era la morosidad ("¿A qué se dedica?", le preguntaron en una entrevista. "Deber, especialmente deber", respondió). Un gran tipo al fin y al cabo.

Así que teniendo en cuenta lo ajetreada que fue su vida, no es de extrañar que se decidieran a realizar un filme sobre (parte) de la misma. Ha sido Óscar Aibar el que se ha atrevido a escribir y dirigir dicha película (asesorado por dos de las familias de Vázquez...) el director de Platillos volantes le ha dado un tono que va de la comedia al drama, aunque siempre predomina la primera y según mi punto de vista el resultado es equilibrado.

La que podríamos considerar la primera parte es donde más abunda la comedia, aquí observamos, por ejemplo, como Vázquez se libra de unos acreedores haciéndose pasar por uno de ellos, o cómo vive como un rey en un hotel durante semanas sin pagar ni un duro; mientras que en la segunda parte observamos su caída, su primera reclusión en prisión y posterior intento de cambio.

Lo que primero que llama la atención de la película son sus colores, la variedad cromática nos recuerda inevitablemente a los tebeos de antaño, si a eso le sumamos el vestuario y algunos escenarios (la buhardilla especialmente) y la ambientación en general, este hecho no hace más que acentuarse, creando una atmósfera realmente acertada (aunque dichos colores casi desaparecen en los momentos más oscuros), y que en ciertos momentos incluso puede recordar a una de las cintas más divertidas de Spielberg, como es Atrápame, si puedes. Por otra parte también hay que destacar momentos animados, o sea, donde vemos algunos personajes de Vázquez cobrando vida y hablando con el mismo; esto al principio me chocó un poco, pero luego me fue pareciendo algo más natural.

Encarnando a Vázquez tenemos a Santiago Segura, al que vemos más contenido que de costumbre, y que hay que decir que hace un buen papel. Su personaje es el protagonista absoluto, aunque está acompañado por un elenco que incluye a personajes como Ibáñez (al que interpreta Manolo Solo) y otros dibujantes de la editorial Bruguera, como Escobar, Tran o Schmidt; así Álex Angulo es el administrador Peláez, el tipo más odiado de todo el personal; Enrique Villén sin embargo hace del buenazo director González, y Mercè Llorens es Rosa, una de las mujeres de Vázquez.

El Gran Vázquez es en líneas generales una buena película, que nos muestra una parte de la vida y la personalidad que fue ese personaje creado a sí mismo como era Manuel Vázquez, un genio con sus luces y sus sombras, que nos dejó como legado cientos de páginas de magníficos tebeos y mil anécdotas protagonizadas por él mismo.



LO MEJOR:
-El sentido del humor.
-Ese aire de tebeo que se respira en cada fotograma, y a la que ayuda mucho la fotografía, el vestuario y la ambientación misma.
-El elenco interpretativo, con un Santiago Segura bastante contenido.

LO PEOR:
-Hay un chiste, que aunque tiene su gracia, es un error (es uno relacionado con Mortadelo y el Súper).

¿Quién debería verla?
Si has disfrutado leyendo a Vázquez y el resto de personajes de Bruguera.

Leer critica El gran Vázquez en Muchocine.net

Manuel Alexandre nos ha dejado

Esta año está siendo trágico para muchas cosas, entre ellas por los grandes intérpretes que nos han dejado. El último es ni más ni menos que uno de los grandes secundarios del cine español, que nos ha regalado infinidad de papeles entrañables; un tipo de rostro afable y sonrisa contagiosa. Descanse en paz.

Astroboy

Astroboy (Astro Boy) es de esas películas de la que no sabía qué esperar de ella, sobre todo teniendo en cuenta que se trata ni más ni menos que la adaptación por parte de los americanos (y hongkoneses) de uno de los personajes más famosos del maestro Osamu Tezuka, o sea, de Tetsuwa Atom, conocido en occidente como Astroboy. Por todo ello, y a pesar de que no tengo unos profundos conocimientos del personaje, temía que fueran a hacer una mala adaptación o simplemente un bodrio infumable con ínfulas existencialistas; y si bien no les ha salido ni una cosa ni la otra, ni tampoco han creado una obra maestra, sí que han realizado una película de animación muy entretenida.

La historia comienza en la moderna y flotante ciudad de Metrocity, donde la gente vive feliz y contenta gracias a los robots que se lo hacen casi todo. Toby es un niño muy inteligente hijo del doctor Tenma, una de las mentes más grandes de la robótica, y que ha construido un robot llamado Pacificador para saciar las ansias de poder del presidente de la ciudad; pero ocurre un accidente en el que se ve envuelto Toby, donde muere. A Tenma le acosan los remordimientos, así que usando los recuerdos de su hijo crea un robot a su imagen y semajanza para sustituirlo. Pero aunque son idénticos, no son iguales.

Esta es la base de la historia, que seguro que casi todos conocéis (sí, puede que a alguno le haya destripado algo), y a partir de ella se narra la historia de Toby/Astro, la búsqueda de un lugar en el mundo, el viaje a la superficie, el conocer la verdadera amistad y también la traición, hasta al fin hallar su cometido.

Los personajes que pululan son bastante simples, algunos han sido notablemente suavizados, muy especialmente Tenma y su relación con Astro, pero tampoco es algo que realmente importe mucho (al menos a mí). El resto de personajes cumple, son todos estereotipos, pero se hacen querer o no querer (según sea malo o bueno, claro), así hay tres que me han parecido especialmente simpáticos, que son los robots del FRR, cuya primera aparición es muy divertida. También hay detalles que homenajean a Tezuka, como uno de los científicos, que es el propio Tezuka o una imagen casi al final, que sale una caricatura típica de las historietas del Dios del Manga. En lo que se refiere a los diseños, aunque adaptados a los gustos actuales y pensando en el mercado occidental, son bastante fieles (son reconocibles, como el señor Mostacho), aunque quizá algunos personajes nuevos no cuadren perfectamente con el resto.

En cuanto al equipo que ha llevado a cabo el film hay que apuntar que el estudio es el mismo que creo la película animada por ordenador de Las tortugas ninja, y su director es David Bowers, quien codirigió la entretenida Ratónpolis. También hay que destacar que el director de fotografía es el español Pepe Valencia, que trabajó durante varios años para Sony Pictures Imageworks en multitud de películas, como El aviador, Beowulf, o Polar Express.

En definitiva, Astroboy no es una película que marcará un antes y un después en el mundo de la animación, pero sí que es una obra divertida, con un buen sentido del humor, mucha aventura y escenas realmente espectaculares. Una pequeña sorpresa.


LO MEJOR:
-La animación y los efectos, lejos de las grandes superproducciones, pero de notable calidad.
-El sentido del humor, tiene muchos puntos divertidos.

LO PEOR:
-Tenma me parece muy light.
-El mundo de la superficie es apenas un esbozo, habría sido interesante que lo hubieran mostrado más.

¿Quién debería verla?
Los seguidores de la obra de Ozamu Tezuka, o si simplemente quieres pasar un rato entretenido sin pretensiones.


Leer critica Astro boy en Muchocine.net

Resident Evil: Ultratumba

Fue allá por el año 2002 cuando nos llegó la primera (y a mi entender muy entretenida y bien llevada acabo) adaptación de la famosa saga de videojuegos de zombis creada por Capcom. Ésta tuvo una buena acogida, por lo que poco después estrenaron una secuela dirigida por Alexander Witt y que no gustó tanto ni a crítica ni a público, aun así tampoco fue un fracaso e hicieron la tercera parte, también con otro realizador al frente, Russell Mulcahy, dicha entrega se suponía que iba a poner punto y final a la saga (hecho que no se cansó de reiterar su protagonista, Milla Jovovich) pero que todos los que la vimos bien sabíamos que no iba a ser así, y más con ese final tan abierto que tenía. Y bien, tres años después regresan los hombres devoradores de cesos y vuelve a dirigir el que ha sido productor y guionista de toda la saga y director de la primera, o sea, Paul W.S. Anderson, con lo que uno no podía evitar pensar que este era un claro intento de revitalizar la franquicia (eso de ponerle punto y final uno ya no se lo cree). Por desgracia, sólo se ha quedado en eso, en intento.

La acción comienza con Alice atacando la sede central de Umbrella, cumpliendo de este modo su venganza en unas secuencias espectaculares y en las que seguro que a Anderson le debió de dar más de un orgasmo al ver a su atractiva mujer varias veces multiplicada. Tras ello va en busca de los amiguetes que dejó atrás en Resident Evil: Extinción, los cuales fueron tras una señal de radio de un refugio seguro. Allí sólo encuentra a Claire en un estado asilvestrado, pero la amaestra y se la lleva en su avioneta hasta Los Ángeles, donde un grupo de supervivientes resisten en un viejo presidio el asedio de miles de muertos vivientes.

Lo cierto es que al acabar de ver Resident Evil: Ultratumba (Resident Evil: Afterlife) me quedé algo peor a como estaba al entrar a la sala, y eso que no me resultó soporífera, pero sí fría. Y es que en esta cuarta parte parece que impera el silicio, empezando por el mencionado inicio, donde un porrón de “Alices” atacan las instalaciones de Umbrella. Desde luego es todo un festín de imágenes espectaculares, tiros, explosiones, ralentizaciones de la acción, lanzamientos de objetos a la cara y demás parafernalia visual para lucir las 3D (que no lucen mal durante todo el metraje, se nota que ha sido rodada en dicho formato y no chapuceramente), pero son imágenes absolutamente vacías, que le dejan a uno indiferente, y lo malo es que a medida que se desarrolla la trama la cosa sigue siendo más o menos igual.

Resident Evil: Ultratumba es la peor película de la saga sin duda alguna, un producto caro y con un bonito envase, pero que no tiene nada que ofrecer. Su guión es flojo y con fallos, sus diálogos malos, su elenco es variado pero tampoco pueden hacer mucho (por cierto, uno de ellos es el español Sergio Peris-Mencheta, conocido por la serie Al salir de clase, y que será El capitán Trueno), y encima el final es más que evidentemente continuista (y todavía más si esperamos un minutillo al aparecer los créditos). En resumen, es un film mediocre tirando a malo. Puro espectáculo vacuo.


LO MEJOR:
-Los efectos especiales; y las 3D quedan muy vistosas, aunque no sorprenden (comienzo a pensar que sólo James Cameron con su Avatar ha sabido sacarle verdadero provecho al estereoscópico).
-Los nuevos zombis y criaturas, aunque esto se lo debemos más a los chicos de Capcom, pues al fin y al cabo son calcados a los de las últimas entregas del videojuego.
-La escena donde Alice es perseguida por centenares de zombis.

LO PEOR:
-El guión, es pobre y tiene errores más que evidentes.
-Resulta fría, sobre todo al comienzo, que básicamente es una exhibición de efectos especiales y momentos a cámara lenta para lucir mejor el 3D estereoscópico.

¿Quién debería verla?
Es difícil recomendarla, ya que no es buena. No obstante, si sientes curiosidad y has visto las tres anteriores quizá te entretenga, pero difícilmente te enganchará.

¿Y quién no?
Si buscas una buena película.


Leer critica Resident evil: ultratumba en Muchocine.net

Encuesta

Como puede que os hayáis dado cuenta he puesto una mini-encuesta en el menú de la derecha para saber si os ha gustado el cambio de imagen del blog. Así que simplemente os animo a todos aquellos que lo deseen (sobre todo si conoció el blog antes del cambio) a que participe, aunque en realidad es una tontería hacerla, pues sé bien que el nuevo diseño es ¡¡una maravilla!! Jujujuju...


Un saludo y bon día.
Neovallense


PD: La encuesta estará ahí todo este mes. Una vez se termine el plazo quizás me dé por comentar los resultados.
PD2: Si os gusta esto de las encuestas hacédmelo saber. Seguro que se me ocurre alguna más que poner en el futuro.

Huelga General - 29S

En el momento que escribo estas líneas (que fue ayer) acabo de leer, no sin cierta sorpresa, que a la manifestación de Madrid acudieron, según la empresa Lynce, 17223 personas... Por otra parte la Policía Nacional dice que fueron 40000, El País calcula que unos 95000, y los sindicatos que medio millón. Bien, yo estuve en dicha manifestación, y la primera de las cifras me parece simplemente ridícula, la segunda tampoco me parece realista, la del mencionado diario al menos no es tan rácana y la de los sindicatos no sé, quizá sea algo exagerada, pero viendo que había una marea de gente que iba ininterrumpidamente desde Neptuno hasta Sol es posible que en esta ocasión no se alejen tanto de la realidad. Y es que, lo que es a pie de calle, impresionaba la masa de gente, no había visto tanta junta desde la celebración del pasado mundial.

El ambiente durante la protesta fue muy bueno, hasta donde yo vi nadie hizo ninguna tontería, lo más parecido a ello fue un chaval que pegó un adhesivo de "Cerrado por Huelga" en un edificio de la Comunidad de Madrid, y para ello tuvo que escalar; se ganó de todos los presentes una gran ovación. Fue significativo también un hecho que se palpaba en el ambiente y que se vio claramente en algunas pancartas y un par de actos de protesta: la gente sigue cabreada con los sindicatos. Algunos de los manifestantes llevaban pequeñas pancartas criticando a los mismos, así, un grupo de unas veinte personas en la Cuesta Moyano también lanzaron diatribas contra los sindicatos mayoritarios y sus dirigentes; mientras que ya en Sol desplegaron una enorme pancarta en el edificio de Tío Pepe (ahí os pongo una foto para que lo veáis), donde de nuevo se criticaba a los dirigentes, el despliegue de este cartel también provocó el aplauso de la mayoría de los manifestantes. Todo ello, obviamente, no debería quedarse en una anécdota, sino que tanto Méndez como Toxo tendrían que tomar nota y dejarse de timideces, o sea, deberían olvidar esa política de mantener una falsa "paz social" y convertir tanto a UGT como CCOO en dos sindicatos verdaderamente combativos, que luchen por los derechos de los trabajadores. Porque no hay que equivocarse en señalar a los sindicatos como "malos", puesto que la inmensa mayoría de sus bases dudo mucho que aprobaran la pasividad de sus dirigentes, en todo caso es a estos últimos a los que hay que criticar, no al conjunto.


Pero yendo al tema principal de la historia, que no son los sindicatos ni los sindicalistas, a los que los medios conservadores han atacado brutalmente estas últimas semanas con una campaña de difamación y de meter miedo a la gente hacía ellos (con los piquetes fundamentalmente), afirmando que van a comer a tal lugar o de vacaciones a aquel otro en una muestra exuberante de periodismo de calidad. El tema es el porqué de las protestas, protestas que no sólo se han producido en España con la Huelga General, sino en toda Europa con diversas manifestaciones, con todo ello las gentes de toda Europa les están mandado un claro mensaje a los gobiernos: No queremos más recortes en nuestros derechos, no queremos que el mercado sea el que gobierne, no queremos que nos alarguen la edad de jubilación, ni que congelen las pensiones ni los sueldos de los funcionarios (¡ni de nadie!), queremos una sociedad más justa en la que el que más tenga más pague. Basta ya de concesiones a aquellos que han provocado esta crisis, estamos hartos de ser siempre los mismos quienes paguemos los platos rotos.


Para los de la CEOE "no pasó nada", el miércoles nadie hizo Huelga General salvo los que, dicen, la hicieron forzados por los piquetes coactivos (que seguro que hubo algunos de ese estilo, pero ellos coaccionan a sus empleados durante todo el año y no declaran nada sobre ello). Bien saben que se equivocan, de hecho tienen miedo de la posibilidad de que la gente dejen de temerles y se rebelen, de que aquellas personas que aun hoy piensa que una huelga o una protesta no sirve para nada, aquellos que no se dan cuenta de que juntos somos la mayor de las fuerzas, que tenemos el verdadero poder, que si nos unimos podemos paralizar el país (y el miércoles se hizo en buena medida por mucho que lo nieguen). ¿Miedo? Sí, claro que hay miedo, pero no somos nosotros quienes deberíamos tenerlo.



Fotos: diferentes momentos de la manifestación en Madrid. También aprovecho y os pongo un vídeo para que veáis el ambiente que había en la manifestación madrileña.

PD: Si os interesa ver alguno más sólo tenéis que buscarme en Youtube.

Tarzán

Dicen que el sueño de Edgar Rice Burroughs era que su personaje fuera adaptado en una película de animación y Walt Disney Pictures, siempre amable, lo hizo realidad con su particular versión del hombre mono.

La historia es la que todos conocemos (con los típicos aditivos disneynianos), la de un niño que es criado por unos gorilas tras la muerte de sus padres. Este niño crece entre ellos y como tal tiene sus costumbres, anda como ellos, surfea entre las ramas de los árboles, se mete en líos y se siente diferente, aún así se integra bien y pronto hace amigos. Ya crecido, se topa con Jane, que acompaña a su padre en una expedición para estudiar a la fauna local, y a la cual salva de una situación un tanto peliaguda. A partir de dicho momento los lazos entre ellos se irán estrechando a la par que el apego por su familia simiesca será menor. No obstante, no todos los humanos tienen tan buenas intenciones como Jane y su despistado progenitor.

Kevin Lima (102 Dálmatas) y Chris Buck (Locos por el surf) dirigen esta entretenida versión de uno de los mitos del buen salvaje más conocidos, y que ha sido adaptado en imagen real para la pantalla grande en multitud de ocasiones, destacando sobre todo las protagonizadas por el ex nadador Johnny Weissmüller, así como la que protagonizó Christopher Lambert allá por los ochenta Greystoke: la leyenda de Tarzán, y por qué no, Tarzán en la ciudad perdida, con Casper Van Dien como hombre mono.

Esta versión animada es muy destacable a nivel técnico, siendo la animación, mezcla de animación tradicional y por ordenador, bastante notable, logrando algunas escenas tan interesantes como la persecución de babuinos, la pelea final o la escena inicial; así hay otras imágenes quizá menos vistosas, pero que han logrado tocarme la fibra sensible, como el momento en el que Tarzán compara su mano con la de Jane, al poco de librarla de los monos.

El argumento no tiene nada que no haya sido contado anteriormente, no obstante logra mantener el interés (salvo alguna escena demasiado estirada, como la de la "banda musical"), además está bien aderezada con humor y aventura, con peleas y persecuciones realmente espectaculares.

Así pues, la versión Disney de Tarzán es una buena opción para pasar un rato entretenido, sin mayor pretensión que eso, a pesar de que Phil Collins se empeñe en reventarnos los tímpanos.


LO MEJOR:
-Técnicamente es un producto notable, con escenas muy logradas.

LO PEOR:
-Sin duda, Phil Collins (en español al menos).

¿Quién debería verla?
Los seguidores de las películas de Disney, y todo aquel que disfrute del cine de animación en general.

Leer critica Tarzán en Muchocine.net

Previo huelga

Estoy indignado. Indignado con la clase política, desde luego, pero también con la trabajadora, con los que dicen que una huelga general no sirve para nada, con los que piensan cogerse vacaciones para el 29 de septiembre, con los que dicen que no la secundarán por miedo a represalias, con los que no quieren perder un día de sueldo, con los que piensan que esto a ellos no les afecta. Estoy indignado por el miedo que se destila entre los trabajadores, por el temor a perder el empleo, por dejar de ser uno de los "privilegiados". Quizás sí que haya que temer eso, no lo sé, por suerte no soy padre ni madre de familia, no tengo que sustentar a nadie salvo a mí mismo, pero si de algo estoy seguro es que si no se hace nada no se conseguirá otra cosa que aumentar ese terrible temor a quedarse en la cuerda floja, a no poder vivir dignamente... Pero para poder vivir dignamente primero hay que tener un trabajo digno, y ahora es raro encontrar uno y más lo será con las reformas que ya están en marcha y con otras proyectadas.

Si ha algo hay que temer es que a te puedan despedir por la simple previsión de pérdidas económicas, porque te obliguen a trabajar aun cuando, ya añejos, los dedos se te agarroten de dolor y no puedas apenas agacharte para recoger la pastilla de jabón que tu jefe te pide amablemente que recojas. Sí, hay mucho a lo que tener miedo, pero si no reaccionamos los obstáculos no desaparecerán por sí solos.

Predators

Desde luego, este verano la nostalgia ha invadido mi corazón con diferentes versiones fílmicas de una época tan movida como la ochentera, a nuestras carteleras han llegado con más o menos éxito El Equipo A, The Karate Kid, Los Mercenarios (no es una versión, pero como si lo fuera), Pesadilla en Elm Street, y de finales de los ochenta también es Depredador, un film de mucha acción con el gran Schwarzenegger dando lo mejor de sí, y ahora va Robert Rodríguez y resucita los alienígenas cazadores siguiendo su estela. Al parecer la idea parte hace unos añitos, pero por aquel entonces no le fue posible al director de origen mejicano llevarla a cabo, ahora parece que era el momento, y si bien las tareas de dirección se las ha dejado a Nimród Antal (Habitación sin salida), Rodríguez se encarga de la producción.

Siete hombres y una mujer caen de los cielos en una densa selva, todos ellos son asesinos: soldados, mercenarios, guerrilleros, yakuzas, psicópatas... Pero ninguno sabe quién le ha llevado allí, por lo que hacen una piña y van en busca de respuestas. Para su sorpresa lo que descubren no estaba entre sus esquemas: han sido abducidos y llevados a un planeta desconocido para ser cazados por unos alienígenas con mucha mala uva.

No hay rodeos que valgan en este film, a partir de que arranca definitivamente (el inicio me resultó parsimonioso) es una cacería constante, es la lucha por la supervivencia. Y si bien dicha lucha resulta muy entretenida, a ratos alcanza buenas cotas de tensión, lo cierto es que le falta algo para llegar al nivel del filme de McTiernan, en esa película se logró más esa sensación de hostigamiento, persecución e incertidumbre, además está el hándicap de que ya sabemos a lo que nos enfrentamos, hay toda una mitología construida en torno al cazador extraterrestre, por lo que ese factor afecta a la apreciación.

Es curioso el actor elegido para liderar el reparto, ni más ni menos que el mismo que ganó un Oscar por hacer de un escuálido pianista en El Pianista, y es que a Adrien Brody le gustan los retos, y se nota que le va probar con diferentes géneros para no encasillarse, y eso es algo que está bastante bien, aunque también tiene sus riesgos. No obstante, no se le puede reprochar que no haya hecho un buen trabajo, Brody convence en su papel de mercenario, y junto a él está un elenco de caras más o menos conocidas como Danny Trejo, al que pronto veremos protagonizando Machete; Topher Grace, que fue Venom en la diarrea mental de Sam Raimi, o sea, Spiderman 3; la fémina de armas tomar es Alice Braga, que fue la chica con mucha inspiración divina en Soy Leyenda; y hay otros rostros menos conocidos pero destacaría otro reconocible como es Laurence "Morfeo" Fishburne con un peculiar personaje, y que constituirá el punto de inflexión esencial para que se anime la cosa de verdad.

Predators hace honor al primer film de la serie (y no cuento Alien vs. Predator), si bien no llega a su altura sí que es una buena película de acción ciencia-ficción, con muchas buenas dosis de hemoglobina, disparos, huidas y explosiones. Una opción interesante para pasar el rato con los amigos.

LO MEJOR:
-Que siga la estela del primer Predator.
-El variopinto reparto.
-La pelea final del yakuza.
-La aparición de Fishburne.

LO PEOR:
-El inicio se me hizo un poco lento.
-No consigue transmitir esa sensación de acorralamiento y desconcierto del filme de John McTiernan.

¿Quién debería verla?
Si te gustó Depredador.

¿Y quién no?
No apto para mentes sensibles.


Leer critica Predators en Muchocine.net

Ong-Bak

Ting es el joven más fuerte y hábil de su aldea, su maestro y monje del lugar le ha enseñado artes marciales así como hacer buen uso de ellas. Cierto día una banda de malhechores roban la cabeza del Buda del pueblo, por lo que sus habitantes caen en la desesperación ante tal hecho de mal augurio. Angustiados deciden que alguien debería ir en su búsqueda, y ese alguien será Ting, que se presenta voluntario sin dudarlo. Por suerte conoce la identidad y dirección del ladrón, por lo que con unas pocas monedas y la ropa puesta va a la capital en busca del objeto sagrado. Pero una vez llegue a la ciudad todo serán complicaciones, y eso que se topa con un conocido de su tierra, un hombre que se avergüenza de su procedencia y cuya vida no es precisamente ordenada. Pero Ting no se rinde con facilidad, y hará lo indecible para devolver la fortuna a su gente.

Ong-Bak es la película con la que saltó a la fama Tony Jaa, convirtiéndose casi al instante en el nuevo ídolo del cine de artes marciales. Y razones no le faltan, ya que la habilidad de este hombre queda más que patente en muchas de las escenas que rueda. Acrobacias imposibles y coreografías espectaculares son la gran seña de identidad de su cine, así como ser un tipo que cae simpático al instante, viniéndole el papel como anillo al dedo. La historia, como podéis comprobar, es bien sencilla, de hecho su siguiente gran película, Thai Dragon, era un calco argumental pero con robo de elefante en vez de Buda, sin embargo a mí juicio en el caso que nos ocupa, a pesar de la sencillez de la historia y la sobreabundancia de tópicos, supieron darle un mejor desarrollo, siendo los personajes más interesantes y las situaciones más variadas, por lo que se hace mucho más entretenida, aunque es bien cierto que la factura técnica de la segunda está mucho más lograda, se nota que en esta primera incursión los medios no eran tan profusos; la fotografía no es tan preciosista, ni los decorados tan espectaculares (aunque esos "decorados" que son las calles de Bangkok nunca dejarán de sorprenderme), pero eso no le quita ningún ápice de valor.

Como ya he comentado en el papel principal tenemos a Tony Jaa, que se dio a conocer internacionalmente con este film (de hecho fue su debut cinematográfico), y que posteriormente hemos podidos ver, además de en la mencionada Thai-Dragon, en las dos partes de The Bodyguard, en Ong-Bak 2 y pronto también aparecerá en la tercera entrega; el otro actor relevante es Petchai Wongkamlao, que suele hacer papeles más o menos cómicos, y que además ha dirigido a Jaa (y a sí mismo), en la nombrada The Bodyguard y su secuela; el toque femenino lo pone Pumwaree Yodkamol; y del malo maloso se encarga Suchao Pongwilai (sí, vaya nombrecitos).

En conclusión, Ong-Bak es una película cuya trama es sencilla, que bebe en ese aspecto del cine marcial más clásico, tanto en lo que se refiere a los personajes como a la historia en sí, pero que está bien llevado a cabo, gracias en buena medida a unos personajes que logran que nos identifiquemos con ellos; si a eso le sumamos unas luchas espectaculares y las demostraciones de las asombrosas habilidades del protagonista (cómo se contorsiona para pasar por un aro de alambre de espino, por ejemplo), estamos ante una buena muestra de cine de entretenimiento.

LO MEJOR:
-Las coreografías de las peleas.
-A pesar de la sencillez de la historia está bien llevada a cabo y tiene incluso algún giro.

LO PEOR:
-Por poner algo, el exceso de tópicos.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de acción y de artes marciales.

¿Y quién no?
Pues justo lo contrario que la anterior cuestión.

La edición en DVD:
La edición que yo poseo, editada por Manga Films, es una de dos discos cuyos extras más relevantes son el cómo se hizo, varias entrevistas, la presentación de la película en París; además de venir un tráiler y spot televisivo, así como una pequeña clase particular de Muay Thai sin mucho interés. Una buena edición, sobre todo teniendo en cuenta que me costó apenas 6 euros.

Leer critica Ong-bak en Muchocine.net

Salt

Evelyn Salt es una agente de la CIA que durante un interrogatorio rutinario el sujeto interrogado afirma que van a matar al presidente, y que será ella quien lo haga. Al final acaba huyendo de sus propios compañeros, quien la toman como una agente doble.

El papel principal de esta película lo iba a interpretar Tom Cruise, pero finalmente el actor lo rechazó por las semejanzas del personaje con el de Ethan Hunt de la saga Misión Imposible, así que en vez de cambiar las características del protagonista prefirieron cambiarle de sexo. Fue Brian Helgeland quien se encargó de ello, reescribiendoo (aunque no está acreditado) el guión de Kurt Wimmer, este último es conocido por haber dirigió Equilibrium, film de culto aún inédito inexplicablemente en España, además de tener en su haber otros libretos como el de La prueba y el remake de El secreto de Thomas Crown. No voy a valorar si con el cambio ha ganado el film, pues al fin y al cabo al no hacerse la versión de Cruise no se pueden comparar resultados, pero desde luego estamos ante una entretenida e intensa cinta de suspense con más de un giro inesperado.

Dirige el veterano Phillip Noyce, ya versado en el cine de intriga y espionaje con filmes como Peligro inminente, y que ya trabajó con Jolie en El coleccionista de huesos. Salt se puede considerar como una mezcla entre El fugitivo y las películas de Jason Bourne, así que hay muchas y elaboradas persecuciones, peleas cuerpo a cuerpo estupendamente coreografiadas (y algún que otro tiroteo), y conspiraciones para cambiar el orden mundial, por lo que la tensión y emoción están garantizadas durante buena parte del largometraje; y si digo buena parte es porque hay un bache en el ritmo de la narración, pero una vez acontece algo importante en una iglesia el ritmo se mantiene hasta el final.

A Angelina Jolie le sientan muy bien los papeles de acción, y en Salt lo demuestra una vez más realizando un trabajo impecable. La secundan con más que solvencia Liv Schreiber (al que podemos ver en la recientemente estrenada Repo Men) y Chiwetel Ejiofor (Serenity), además de August Diehl (Malditos bastardos) y Daniel Olbrychski (El secreto de Anthony Zimmer).

Así pues, Salt es un thriller con mucha acción y constantes persecuciones, todo ello aderezado con agentes durmientes, conspiraciones y equívocos de identidad. Entretenida.

LO MEJOR:
-Angelina Jolie.
-La dirección de Noyce, bastante solvente.
-La banda sonora de James Newton Howard.
-La campaña de marketing, han sabido vender muy bien el producto.

LO PEOR:
-Ese bajón del ritmo en cierto momento, aunque tampoco es que sea muy grave.

¿Quién debería verla?
Si te gustan las pelis de suspense.

La pregunta:
Viendo el final, uno no puede dejar de pensar si harán una segunda parte...


Leer critica Salt en Muchocine.net

La Princesa Mononoke

Corría el año 2000, yo era un jovencito e inocente otaku con la esperanza de que algún anime llegara a la pantalla grande, y he aquí que dicho año escucharon los dioses mis plegarias y se estrenaron dos filmes animados japoneses ni más ni menos, uno era la primera película de Pokémon y el otro, mucho más interesante, La Princesa Mononoke, el primer anime que vi en cines, y el cual admiré dos veces el mismo fin de semana (consciente que era que mucho no podía durar). Han pasado más de diez años y por suerte se han estrenado más o menos bien todas las películas posteriores de Hayao Miyazaki, e incluso films anteriores como Mi vecino Totoro y Nausicaä del Valle del Viento (aunque éstos en muy pocas salas y ciudades); pero lo mejor de todo es que tiene pinta de que la cosa continuará, así que, aunque de forma limitada, se seguirá estrenando animación nipona en esta tierra de sedientos frikis.

La Princesa Mononoke (Mononoke Hime) fue la tercera o cuarta película del Studio Ghibli que visioné, y una de las que más veces he vuelto a disfrutar, y es que estamos, quizá, ante la propuesta más adulta y oscura de Hayao Miyazaki.

Ashitaka es el príncipe de los últimos Emishi, una legendaria tribu que fue casi exterminada por orden del emperador quinientos años atrás. Pero otra desgracia se ha cernido sobre dicho pueblo, pues el príncipe no tiene otra opción que partir al haber sido maldecido por un monstruo que mató, ya que se proponía atacar la aldea. El rumbo que ha de seguir es el oeste, a un lugar donde en los bosques aún reinan los dioses, y donde vive el Espíritu del Bosque. En dicho lugar se topará con una chica llamada San, más conocida como la Princesa Mononoke, ya que ha sido criada por la diosa loba que habita en las montañas; y con Lady Eboshi, ambiciosa mujer que ha creado una fortaleza para extraer el hierro de las montañas, y para ello tiene que talar el bosque. Ashitaka se encontrará entre dos fuegos, e intentará por todos los medios parar la guerra además de encontrar un remedio para su maldición antes de que sea demasiado tarde.

La Princesa Mononoke es una de las producciones animadas japonesas más caras, y en su día también fue la película más taquillera de la historia en Japón (fue superada por la siguiente obra de Miyazaki, El viaje de Chihiro). La idea de la película se remonta muchos años antes de que se realizara, y de hecho cambió tanto que apenas se parecen los esbozos preliminares al resultado final, ya que pasó de ser una historia donde una joven era secuestrada por un monstruo a otra mucha más compleja, donde se entremezclan tribus olvidadas, una chica criada por dioses, una ciudad fortaleza donde funden preciados metales, un noble que desea el hierro, y un maquiavélico monje a las órdenes del emperador. Unos luchan por acabar con los dioses y así dominar la naturaleza, otros por proteger el bosque, y entre ambos bandos está Ashitaka, que ante la incomprensión de los demás intenta hallar un termino medio: la convivencia entre el hombre y la naturaleza.

Mucho debemos agradecer Toshio Suzuki (productor de la cinta), fue el que insistió a Hayao Miyazaki para que realizara la película, puesto que tal y como él lo veía si esperaba más tiempo probablemente no hubiera sido posible hacerla, debido a que simple y llanamente Miyazaki se estaba haciendo mayor y La Princesa Mononoke es una película de “acción”. Para Suzuki aquel momento era la última oportunidad de que el maestro la realizara. Y parece que acertó, porque desde entonces el director de El castillo en el cielo no ha hecho ningún filme con tantas y continuas batallas.

Y no es de extrañar que Miyazaki no haya realizado ninguna película más que exigiera tanto como esta. La producción fue larga y tediosa, se retrasó en varias ocasiones, en parte por culpa de su director, que no había terminado el storyboard (incluso no había escrito el final) cuando estaba casi acabada. De hecho pocos meses antes de la fecha tope propuso añadir quince minutos más de metraje para así darle un final digno. Eso sí, no se puede negar que Miyazaki no se dejara la piel en ello, haciendo maratonianas jornadas de catorce horas, y acabando con las manos medio vendadas. Es más, una vez se terminó la producción, murió el que iba a ser destinado a sustituir al maestro, Yoshifumi Kondo, lo cual supuso tal golpe para el cineasta que anunció su retirada, mas no lo hizo al ver que el estudio dependía demasiado de él.

En resumen, La Princesa Mononoke es un film complejo, con multitud de referencias a la mitología nipona, pero ante todo es una oda a la naturaleza y un cántico pacifista, una llamada a que verdaderamente podemos convivir en paz, sin maltratar el medio que nos rodea.


LO MEJOR:
-La banda sonora, compuesta por el compositor habitual de los films de Miyazaki, Joe Hisaishi.
-La belleza de las imágenes, los fondos, los detalles, etc...
-Ese final tan de Miyazaki, en el que deja pie a la esperanza.
-La integración perfecta entre animación tradicional y por ordenador (el Didarabochi, o Caminante Nocturno, por ejemplo), en la mayoría de los casos son indistinguibles.

LO PEOR:
-Que no fuera nominada al Oscar a mejor película extranjera de habla no inglesa (aunque no nos vamos a engañar, cuando nominen una película de animación a esa categoría, el apocalipsis estará cerca xD).

¿Quién debería verla?
Imprescindible para cualquier aficionado a la animación.

Las cifras:
Costó unos 2000 millones de yenes, y recaudó cerca de 14000 millones de la misma moneda.

La edición en DVD:
A la espera de ver cómo será la nueva edición que lanza Aurum a finales de octubre, yo tengo la que editó en 2 discos Buenavista en el año 2003, que es probablemente el DVD de Ghibli con extras más interesantes que se ha sacado hasta la fecha. Así, tiene un extenso cómo se hizo, otro documental sobre los efectos climáticos (lluvia, niebla, etc...), entrevistas a Miyazaki y Toshio Suzuki, detalles sobre la realización de la escena final, y la decisión del título del film, así como el acuerdo que llegó Disney con el estudio japonés para distribuir sus películas, además de una parte del storyboard. En total algo más de 90 minutos de contenidos, como he apuntado, muy interesantes. La calidad de imagen de la película es bastante buena, e incluye aparte del doblaje original en japonés y el español, el inglés, que tiene voces como la de Gillian "Scully" Anderson, Billy Crudup, Jada Pinkett Smith, Billy Bob Thornton, entre otros muchos.

Leer critica La princesa Mononoke (Mononoke Hime) en Muchocine.net

Los Mercenarios

Parece que el cine de acción ochentero está de moda, si hace bien poco se estrenó El Equipo A, ahora vuelve un héroe de cine de acción de los ochenta y parte de los noventa como es Sylvester Stallone, el cual no hace tantos años parecía estar dando sus últimos coletazos en el cine. Pero tras resucitar sus más míticos personajes como son Rocky Balboa y John Rambo, y hacerlo con un notable éxito de público e incluso de crítica, el actor se revalidó en el mundillo. Y como en los dos últimos filmes de los mencionados personajes, Stallone vuelve a dirigir, además de escribir el guión, en esta ocasión a cuatro manos junto con Dave Callaham, basándose en una historia de este último.

El argumento gira en torno a un grupo de veteranos mercenarios a quienes les han encargado acabar con el dictador de una isla llamada Vilena, en principio parece sólo un trabajo (suicida) más, pero no tardan en darse cuenta de que hay algo más.

Y poco más se puede decir de la historia, principalmente porque no hay mucho más que contar, y es que si algo destaca de Los Mercenarios (The Expendables) es que se deja de rodeos inútiles y va al meollo de la cuestión, que es la acción pura y dura. No obstante, sorprende que los personajes están bien construidos, o al menos que se hacen querer desde el primer momento, y ahí radica otro de los aciertos del film, en los personajes y el variopinto elenco que les da vida. Y es que Stallone se dispuso reunir a los más famosos intérpretes de acción en una sola película, y aunque no están todos los que podrían haber estado (rechazaron la correspondiente oferta, por motivos diversos, Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal, Kurt Russell y Wesley Snipes) no cabe duda de que los que están cumplen sobradamente su cometido, empezando por dos muestras de lo que puede hacer la cirugía y el botox por un intérprete, o sea, por el protagonista, coguionista y director Sylvester Stallone, y Mickey Rourke, con el que ya trabajó en el remake de Get Carter; le sigue uno de los héroes de acción actuales como es Jason Stathan, y un mítico del cine de artes marciales como lo es Jet Li (en un papel con puntos muy divertidos); además del gigante ruso al que se enfrentó en Rocky IV, Dolph Lundgren, con un personaje que le viene como anillo al dedo (que estaba pensado para Van Damme) y que es protagonista de algunos de los momentos más descacharrantes; también forman parte del grupo de mercenarios a Randy Couture y Terry Crews; mientras como malo tenemos al hermano mayor de Julia Roberts, Eric; y para rematar aparecen Bruce Willis y nuestro buen amigo Schwarzenegger, alias "Chuache".

Si bien es cierto que Los Mercenarios bebe del cine de los ochenta, no todo el cine de aquella década era igual, no es lo mismo Superdetective en Hollywood que Acorralado, su mayor diferencia no radica tanto en el entorno como en la forma de mostrar la violencia. Y Los Mercenarios opta por hacerlo de una manera brutal, sin cortarse ni un pelo, por lo que en ese aspecto es una bocanada de aire fresco en un cine de acción actual plagado de excesiva corrección política y edulcorantes. Precisamente ese aspecto es el que más sonrisas logrará sacar del respetable, y es que algunas escenas son tan exageradas que es imposible no reírse, pero lo mejor de todo es que está hecho así a posta, ya desde el primer momento, dejándonos bien claro cuál será la tónica general.

Si buscas una disertación filosófica mejor mira en otra parte, porque en Los Mercenarios sólo encontrarás mucha acción y violencia, viejas y nuevas glorias del género, una metralleta superpotente, y sobre todo mucha diversión. Todo un divertimento sin pretensiones que probablemente se acabe convirtiendo en trilogía.

LO MEJOR:
-Muestra la violencia sin complejos.
-El variopinto reparto, y muy especialmente un divertido Dolph Lundgren.
-Que por las primeras informaciones pintaba que el malo iba ser el típico dictador "socialista" y populista, pero que al final sean otros (evidentes desde el principio).
-Que vuelve esa capacidad innata de todo buen soldado norteamericano de cargarse a tropecientos enemigos sin despeinarse.
-El sentido del humor.
-Que se molesta en dar cierta humanidad a los personajes.
-El monólogo que se planta Rourke.

LO PEOR:
-No es que salgan muchos letreros en español, pero hay faltas de ortografía (eso, o están en portugués -parte del rodaje fue en Brasil-).
-La depilación de cejas de Stallone.

¿Quién debería verla?
Si te gusta las pelis de acción con exceso de testosterona.

¿Y quién no?
Leyendo lo de arriba seguro que lo tienes claro.

¿Por qué...
...aparece Willis en el cartel cuando su participación es más bien un cameo?


Leer critica Los mercenarios en Muchocine.net

Airbender: El Último Guerrero

Katara (Nicola Peltz) y Sokka (Jackson Rathbone) están de caza cuando se topan con un misterioso niño y una extraña criatura, recogen al niño y lo llevan a su aldea, donde recobra fuerzas. Al poco llegan unos soldados de la Nación del Fuego comandados por el príncipe Zuko (Dev Patel), y que obligan al chaval a ir con ellos. Katara y Sokka van en su rescate, pues se trata ni más ni menos que del Avatar, aquel que controla los cuatro elementos. Con él harán un largo viaje para terminar su instrucción y restablecer el equilibrio de las Cuatro Naciones, que pone en riesgo el tiránico rey de la Nación del Fuego.

No entiendo por qué a todo el mundo le ha dado por vilipendiar las últimas películas de Shyamalan. Ya me pasó con El Incidente, a mí me encantó, me mantuvo en tensión de principio a fin, cuando a muchos críticos y gente en general les pareció floja, afirmaban que no pasaba nada, qué cómo va ser que la naturaleza se rebele de esa manera, que yo que sé más... Airbender: El Último Guerrero (The Last Airbender) viene precedida por unas críticas durísimas y un resultado de taquilla inicialmente satisfactorio pero a la larga mediocre en Norteamérica; y ahora que se ha estrenado en nuestro país, por lo que veo, una amplia mayoría también considera esta última película del director de origen indio como algo infumable. Y yo digo, vale, no es una obra maestra, no es el mejor trabajo del realizador de El sexto sentido, pero desde luego que no estamos ante una mala película.

Airbender supone un cambio sustancial en la filmografía de M. Night Shyamalan, puesto que en sus anteriores filmes la historia partía de una idea original, y todas (bueno, sus dos primeras cintas se trataban de dramas) eran thrillers fantásticos (al menos en apariencia -recordemos la genial El Bosque-) con apenas efectos especiales y acción, una ambientación contemporánea, y además iban dirigidas claramente a un público adulto. Sin embargo, aquí el público al que va dirigida es más joven (y a la vez más amplio, pues igual la puede ver un abuelete que un niño), y la historia, aunque el guión sea obra suya, se basa en la serie de animación de éxito Avatar: La Leyenda de Aang, del canal Nickelodeon; a ello se le suma que los efectos especiales son abundantes (en algunos planos ya hay más que en todos sus trabajos precedentes), aunque siempre al servicio de la historia y no al revés. Otro detalle es que sus films anteriores los rodó básicamente en Filadelfia, mientras que éste también tiene localizaciones en Vietnam, Nueva Zelanda y Groenlandia, por lo que se deduce que el presupuesto manejado es el de toda una superproducción (de hecho, ronda los 150 millones). A pesar de todo ello creo que el estilo de Shyamalan está ahí, y emerge con claridad en ciertos momentos a la superficie.

Uno de los puntos que más me han gustado de Airbender, es que el héroe no quiere ser tal, y que cuando al fin acepta su cometido, y con ello debe de renunciar a muchas cosas, no lo hace con una sonrisa de oreja a oreja como sería lo típico, sino que su rostro es más bien de resignación. Por cierto, el personaje central está interpretado por el debutante Noah Ringer, todo un as de las artes marciales a sus doce años. Y hablando de los personajes, si bien es cierto que hay algunos un tanto desdibujados (la princesa Yue es el mejor ejemplo), no es menos cierto que hay otros que son muy interesantes. Como el príncipe Zuko (interpretado por el protagonista de Slumdog Millionaire), el cual busca con desesperación la aprobación de su padre, de ahí que persiga al Avatar hasta el más recóndito lugar; o el tío de éste, Iroh (Shaun Toub), que sin duda es más temible de lo que aparenta; no obstante otro que no me atrajo especialmente fue Sokka (quizá lo explique el hecho de que Rathbone participe en las pelis de Crepúsculo), pero su hermana Katara, que tiene más protagonismo, sí que es más atractiva (como personaje, me refiero ¬¬).

Airbender: El Último Guerrero es una buena película fantástica y de aventuras, con grandes efectos especiales, algunas escenas de gran espectacularidad y belleza, personajes interesantes y un desarrollo que no sólo pone interés en mostrarnos buenas peleas, sino que también se preocupa por que conozcamos los personajes. Desde luego tiene sus carencias, pero no por ello dejo de querer que se complete la historia de Aang, el último Maestro del Viento, o sea, que se rueden las dos secuelas previstas.

LO MEJOR:
-El mundo donde se desarrolla, y el diseño de producción en general.
-La banda sonora, de James Newton Howard, el compositor habitual de Shyamalan.
-El final, deja con ganas de más.
-Los efectos visuales.
-El príncipe Zuko y su tío, los dos personajes que más me han atraído (eso sin desdeñar a Katara ni a Aang).
-Me da la impresión que en el fondo, y como ocurre en las obras anteriores del realizador, hay más de lo que parece.

LO PEOR:
-En una escena en particular le falta capacidad de emocionar.
-Unos pocos diálogos.
-Que parece que ya nadie quiere a Shyamalan.

¿Quién debería verla?
Si te gustan las películas de aventuras y fantasía.

¿Sabías qué...?
En un principio se iba a titular Avatar: The Last Airbender (o sea, como la serie original), pero el anuncio y posterior éxito de Avatar, de James Cameron, obligó a cambiarlo.

Una nota importante:
Un detalle que debéis tener en cuenta si pensáis verla es que no se rodó en 3D, de hecho el director al rodarla ni sabía si se iba a estrenar en dicho formato (ni por sus declaraciones parece que le entusiasme), y habiendo leído opiniones acerca de la calidad de la conversión a las tres dimensiones, lo más recomendable es que la veías en versión 35 mm o en digital.


Leer crítica Airbender: el último guerrero en Muchocine.net