Toy Story 3

Hace ya 15 años los estudios Pixar sorprendieron al mundo con la primera película animada realizada por completo en tres dimensiones (no estereoscópicas...), en la que unos juguetes cobraban vida en cuanto los dejaban solos en la habitación. Después de dicho tiempo, y una exitosa secuela, nos llega la que es la tercera y, supuestamente, última entrega de las aventuras de Woody, Buzz y compañía, que se ha estrenado tanto en salas 3-D como en cines convencionales. Para realizar esta nueva aventura se reunió el mismo equipo de Toy Story y Toy Story 2, dirigidos por Lee Unkrich, quien ya fue co-director en la segunda parte, así como en Monstruos S.A., y Buscando a Nemo. Toy Story 3 viene precedida de un gran éxito en norteamérica, éxito que sería extraño no se repitiese por estos lares.

En esta ocasión nos encontramos con que Andy ya es mayorcito y está a punto de ingresar en la universidad, por lo que los juguetes temen por su futuro. Y bien que hacen, puesto que por avatares del destino acaban atrapados en una guardería llena de criajos muy peligrosos.

Si bien la sinopsis que he escrito es breve y sencilla, eso no quiere decir que el argumento sea tan simple, sino que tiene sus entresijos que siempre es mejor que los descubráis por vosotros mismos. Yo lo hice a pesar de que tampoco era un filme que tuviera marcado como ineludible, de hecho, en principio me daba pereza ir a verlo, no obstante al leer un par de comentarios muy positivos y el ser consciente de que Totoro hace más que un cameo (además de tener cierto mono tras casi un mes sin acudir a una sala), me sirvió de excusa para acercarme a mi cine habitual, acomodarme en la butaca entre niños, padres y gente joven en general, y disfrutar de una película que uno se olvida por completo que es de animación (aunque tampoco creo que recordarlo sea un inconveniente). ¿Y con esto qué quiero decir?, pues que estamos ante una obra que no es simplemente entretenida, que no se queda en la pura diversión, sino que consigue atraparte a medida que avanza la historia, que te entusiasma, que te enganchan la mayoría de sus personajes, que te ríes con su magnífico sentido del humor, con la que sufres en los momentos aciagos, que te hace vibrar en las escenas de acción, incluso te ponen en tensión en determinados momentos... En definitiva, que te emociona de todas las maneras posibles (y muy especialmente en el desenlace), y eso es mucho, sobre todo si lo comparamos con los subproductos (sobre todo de imagen real) que estrenan últimamente, cuya capacidad para que empatice el espectador es tan nula que nos da igual el destino de sus personajes de cartón-piedra.

Técnicamente es brillante, desde la escena aparentemente más sencilla hasta la más compleja están cuidadas al detalle, las texturas, los diseños de los personajes así como sus expresiones y movimientos (especialmente graciosos Ken y algún que otro -tronchante- momento, muy hispano, de Buzz Lightyear) resultan tremendamente naturales, habiendo instantes en que uno no sabe si lo que está viendo es real o no (y sí, no tienen la misma “piel” los muñecos y los humanos...). Acompaña a todo ello una buena banda sonora (en la línea de las dos entregas anteriores, de hecho es Randy Newman el compositor de las tres partituras), y un muy buen sonido; pero lo más importante, y que no falla, es la historia, mucho más dramática y oscura que las anteriores.

En definitiva, Toy Story 3 no desmerece en absoluto de las películas que le preceden (si acaso es superior), está plagada de momentos geniales, de aventura y mucho humor, pero sobre todo tiene una capacidad enorme para emocionar. Merece la pena verla.


LO MEJOR:
-Todo (y que salga Totoro).
-Por su espectacularidad: la escena del vertedero. Por su emotividad: el final.

LO PEOR:
-Nada (y que no saliera Totoro).
-Bueno, si me pongo, quizá el malo, aunque de aspecto atípico, en el fondo sí que es típico.

¿Quién debería verla?
Grandes y pequeños disfrutarán por igual, o sea, todo el mundo.

¿Y quién no?
¿No has leído lo anterior?

La curiosidad:
Como ya he indicado, uno de los personajes secundarios es el mismísimo Totoro del filme Mi vecino Totoro de Hayao Miyazaki, esto hace ver la buena relación que hay entre Pixar y Ghibli, o lo que es lo mismo: Lasseter y Miyazaki.


Leer critica Toy Story 3 en Muchocine.net

Legión

Nos encontramos en una perdida estación de servicio (Paradise Falls, para más inri) a las puertas del desierto de Mojave, allí Bob Hanson (un fantástico Dennis Quaid) golpea el televisor incesantemente mientras que la familia Anderson espera a que le reparen el coche, Kyle Williams, un tipo con malas pulgas, busca un teléfono, y una anciana con andador le pide a Charlie, la embarazada camarera, un filete poco hecho. Pero algo raro comienza a ocurrir, la señal de radio y televisión se pierden por completo, unas misteriosas nubes se ven en el horizonte, y viene un extraño individuo con un coche de la policía de Los Ángeles repleto de armas, instándoles a encerrarse en la estación. No tardarán mucho en comprobar lo que ocurre.

Entretenido film de serie B dirigido por Scott Stewart (antiguo encargado de efectos especiales en diversos filmes), quien también llevará en breve a la pantalla el cómic coreano Priest. Con esta película (aunque parece que hay pretensiones de que sea trilogía) Stewart ha querido narrar un Apocalipsis un poco distinto, a la par que nos da una nueva imagen de los ángeles (que parece que se van a poner de moda, pues hasta libros están sacando ya) y del mismo Dios, que no es precisamente compasivo. Y todo ello a través de unos personajes variopintos: el traidor, el chico tímido pero de fuertes convicciones, el hombre perdido, la familia no muy feliz, el amigo negro y simpático del dueño, el dueño cascarrabias de la estación, la camarera de la que pende el destino de la humanidad y que además odia al retoño que lleva en su interior...

Y por lo tanto un pilar importante es el reparto, que a mi entender ha sido sabiamente escogido, comenzando por un Dennis Quaid (El día de mañana, G.I. Joe) inédito, cuyo papel como habréis dilucidado me ha gustado bastante; y pasando por el desobediente ángel Miguel, o lo que es lo mismo, Paul Bettany, el que fuera el asesino albino en El código Da Vinci y que será el protagonista en la mencionada Priest; por otra parte como la nueva "virgen" María tenemos a la guapa Adrianne Palicki (Women in Trouble), chica que me resulta como una mezcla entre Denise Richards y Michelle Rodríguez; Kevin Durand, al que hemos visto hace muy poco en Robin Hood, es el ángel Gabriel; Lucas Black (La guerra, Get Low) es Jeep Hanson, hijo del personaje de Quaid, un perdedor que está colado por la camarera, la cual no le hace mucho caso; Kate Walsh (Anatomía de Grey) es la madre quejica y resentida, su irónico marido es Jon Tenney (El padrasto), su hija rebelde está encarnada por Willa Holland (Genova); además también tenemos a Charles S. Dutton (Caprichos del destino) como el cocinero fiel, y a Tyrese Gibson (Transformers: la venganza de los caídos) como el hombre en proceso de divorcio. El reparto, pues, encaja y funciona a la perfección, sobre todo en los muchos ratos que permanecen encerrados en la estación.

Una buena realización, un sentido del humor con algunos golpes muy divertidos, algún que otro inquietante momento, muchos disparos y un poco de sangre hacen de la mayor parte del debut en la realización de Stewart una película divertida como pocas. No obstante, si todo el desarrollo de la trama te mantiene pegado (y muy especialmente los momentos iniciales), el desenlace te despega un tanto, ya que se alarga en exceso, quizá de manera un tanto artificiosa en ciertos instantes.


LO MEJOR:
-Pues casi todo, hay momentos realmente hilarantes.

LO PEOR:
-El desenlace, demasiado alargado.

¿Quién debería verla?
Si te mola el cine de serie B.

¿Y quién no?
¿El que tenga fuertes convicciones religiosas?


Leer critica Legión en Muchocine.net

Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo

A pesar de las órdenes de su padre, Tus, príncipe de Persia y heredero al trono decide atacar la ciudad sagrada de Alamut. El asedio a la ciudad resulta un éxito gracias al hermano menor, Dastan, pero cuando comienzan a celebrar el éxito éste es culpado de cometer un crimen, por lo que es perseguido por todos. Dastan escapa con Tamina, la princesa de Alamut, y junto a ella intenta averiguar quién cometió realmente el crimen; pero la princesa esconde más de un secreto.

Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo (Prince of Persia: The Sands of Time) es la primera película de una posible trilogía basada en la saga de videojuegos creados por Jordan Mechner, que además participó activamente en la creación del argumento de este filme así como en la escritura del guión (suya fue la primera versión que luego reescribieron a seis manos Boaz Yakin, Doug Miro y Carlo Bernard), por lo que se puede asegurar que estamos ante una adaptación fiel al personaje original, especialmente a la trilogía (ahora tetralogía) de juegos que salieron entre 2003 y 2005. El encargado de llevar a la gran pantalla las aventuras saltarinas del príncipe de Persia no es otro que el británico Mike Newell, con experiencia en el cine juvenil gracias a El Cáliz de Fuego, o lo que es lo mismo, la cuarta entrega de la saga Harry Potter y del que se especuló que podría dirigir la próxima entrega de Spiderman (aunque al final será Marc Webb); y, sinceramente, creo que Newell ha realizado un gran trabajo a la hora de trasladar la saga de aventuras plataformeras a la pantalla grande, habiendo creado un producto que bebe del cine clásico de aventuras, pero que no se queda anquilosado, además el desarrollo no se apoya en mostrarnos un aluvión de efectos digitales (que los tiene, pero en la mayoría de los casos se usan para la creación de escenarios), sino en la evolución de los personajes protagónicos (en su mayoría un tanto vistos, y por lo tanto previsibles, pero que se hacen querer) y sobre todo en las escenas de acción y las persecuciones sobre los tejados. Como contrapunto a estos datos positivos, decir el empeño del realizador de marearnos con ciertos movimientos de cámara, y de poner la misma a dos palmas de la acción en los primeros tramos del film.

Jake Gyllenhaal (La verdad oculta, Donnie Darko) es el encargado de meterse en el personaje de Dastan, el príncipe sin sangre real pero de gran corazón, en lo que a mí respecta creo que la elección de este actor es más que acertada, ya no sólo porque guarda cierto parecido con el personaje videojueguil, sino que también cumple físicamente; como la princesa Tamina tenemos a Gemma Arterton (007 Quantum of Solace), actriz que desde que la vi en The Disappearance of Alice Creed no dejo de ver por todos lados (además literalmente), y que hace poco también vimos en un film de aventuras mitológicas como es Furia de Titanes, aunque con un personaje más encorsetado que éste, aquí es la típica princesa cuya belleza deja sin habla a todo el mundo, lo malo es que ella no se calla; como Nizam, hermano del rey, está al gran Ben Kingsley (Shutter Island), que lo mismo te hace un drama como una película puramente comercial; el papel sin lugar a dudas más divertido de todos es el de Alfred Molina (Spiderman 2, Frida), que es el jeque Sheik Amar, o lo que es lo mismo, un empresario capitalista antifiscalidad, y como digo es el que pone los puntos más divertidos e hilarantes de todo el filme; el rey es Ronald Pickup (La misión); y los otros príncipes son Richard Coyle (Happy Now) y Toby Kebbell (El aprendiz de brujo).

Como filme de aventuras Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo es una gran película, de esas que te diviertes más a medida que avanza su metraje, dejándote al final un gran sabor de boca. Bien es cierto que sus personajes principales no son nada nuevo (la pareja que se lleva fatal pero que se sabe que acabarán liados), también que algunas de sus situaciones están cogidas con pinzas o son predecibles, pero son detalles que uno perdona en pos del espectáculo y del buen entretenimiento.


LO MEJOR:
-Esa capacidad de divertir de principio a fin.
-Gemma Arterton, esta actriz además de ser realmente hermosa es muy buena (véase en la mencionada The Disappearance of Alice Creed).
-La factura técnica, aunque en los momentos que usan la daga se nota demasiado que está realizado con ordenador.
-Que en el fondo es una aventura de las de toda la vida.
-Creí que me iban a dar por saco, pero al final estar al lado de un grupo de niños resultó aumentar el divertimento en puntuales momentos, como en la escena del beso.

LO PEOR:
-Los personajes excesivamente arquetípicos, así como muchas situaciones igualmente típicas.
-Que Gemma Arterton se haya casado... y encima con un tipo 13 años mayor que ella.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine palomitero y de aventuras (las dos primeras entregas de La momia de Sommers, Indiana Jones, etc...)

El videojuego:
El primer juego de Prince of Persia salió allá por el año 1989 para Apple II, sorprendiendo a propios y extraños por sus fluidas animaciones. La última entrega de la saga ha sido Las arenas olvidadas, que ha salido a la venta casi al mismo tiempo que el estreno del filme, y narra los acontecimientos acaecidos entre Las arenas del tiempo y El alma del guerrero.


Leer critica Prince of persia: las arenas del tiempo en Muchocine.net

Robin Hood (2010)

Robert Longstride es un arquero que ha ido a las cruzadas bajo las órdenes de Ricardo Corazón de León. Por azares de la vida, se ve obligado a hacerse pasar por un noble para poder llegar a Inglaterra. Ya en su país va a Nottingham para cumplir una promesa, allí hace un pacto con Sir Walter Loxley a cambio de que le cuente su olvidada historia.

Ridley Scott (Alien, el octavo pasajero) dirige la que es la enésima versión de la leyenda de Robin Hood desde que Douglas Fairbanks rodara la versión muda más famosa (y antes que él ya se habían metido en el personaje más de un actor), aunque en esta ocasión la historia escrita por Brian Helgeland, guionista de la reciente Green Zone: Distrito Protegido, no narra los típicos acontecimientos que tantas veces se han contado (véase la entretenida Robin Hood, príncipe de los ladrones, de Kevin Reynolds) sino que la han querido mostrar desde otro punto de vista, aunque no por ello estamos ante algo completamente distinto (como apuntaba el proyecto inicial, donde Crowe haría no sólo de Robin, sino también de sheriff de Nottingham, y con los papeles de "bueno" y "malo" invertidos). Lo primero que llama la atención es que Robin ya no es noble, sino un simple soldado, eso sí, es un tipo muy honesto, tanto como para decirle al rey la verdad a la cara; hay también otros cambios, sobre todo en la manera que conoce a sus compañeros de aventuras, puesto lo que son los personajes en sí se mantienen.

Russell Crowe (Virtuosity) es el Robin Hood más viejo junto con Sean Connery, aunque este último no tenía un papel (en el film Robin y Marian) de tanta acción como el protagonista de Gladiator, de hecho en los primeros compases uno no acaba de convencerse de que Crowe sea Robin, pues no es la típica imagen que tenemos del héroe, no obstante no se tarda mucho en asimilarlo. Cate Blanchett (El curioso caso de Benjamin Button) tampoco me pegaba para Lady Marian, sobre todo por ese cabello teñido, pero he de reconocer que al final sí que me ha gustado como tal, aunque su interpretación me resultó un tanto rígida. Entre otros intérpretes tenemos al incombustible Max Von Sydow (Solomon Kane) como Sir Walter Loxley, de monje tenemos a Mark Addy, que trabajó a las ordenes de Helgeland en dos de sus películas como director; Kevin Durand (Perdidos, Legión) es Pequeño John, y no puedo acabar sin destacar otro secundario de lujo como es William Hurt (A.I. Inteligencia Articial, El Bosque).

Robin Hood es una divertida película de aventuras, su desarrollo resulta dinámico y el nuevo punto de vista que le ha dado Scott le ha sentado bien, no obstante la última parte del filme sí que resulta más convencional, además la aparición de cierto personaje en la batalla de la playa me resultó algo forzada, y poco creíble. Si te gusta el cine de aventuras seguro que disfrutas.


LO MEJOR:
-Ese nuevo punto de vista del personaje.
-El mensaje de que "los corderos se conviertan en leones", y de "libertad por ley". De hecho hay mucho en la película que se puede trasladar a la actualidad (en ese aspecto me recuerda a otra obra medieval de Scott, la fallida El reino de los cielos).

LO PEOR:
-La última parte gira hacia derroteros ya vistos demasiadas veces, y con ello me refiero principalmente a la batalla en la playa, una especie de desembarco de Normandia de capa y espada.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de aventuras.

¿Y quién no?
Russell Crowe no puede dejar de ser Russell Crowe, así que si no lo tragas para nada quizá te cueste digerir este film.

La pregunta:
¿Realmente hacia falta hacer otra película de Robin Hood?

Más Ridley Scott:
Los próximos proyectos del director son nada más y nada menos que dos precuelas de Alien rodadas en 3D.


Leer critica Robin Hood 2010 en Muchocine.net

Cuentos de Terramar

Sucesos extraños están acaeciendo en la tierra de Terramar, los transformadores del clima olvidan los nombres verdaderos del mar y del viento, los hombres se quedan sin ganas de vivir, los magos pierden sus poderes y los marineros afirman haber visto dragones luchar. Gavilán es un archimago que viaja en busca de la respuesta a tales misterios, y en su camino se encuentra con Arren, un príncipe perdido entre sus propias tinieblas; entonces el mago le propone que viaje con él. Juntos emprenden el camino que hará que ambos encuentren respuestas.

Basada en la serie de novelas de Ursula K. Leguin y en el manga "El viaje de Shuna" de Hayao Miyazaki, Cuentos de Terramar (Gedo Senki) es el debut en la dirección del hijo de este último.

Teniendo en cuenta que la experiencia previa de Goro Miyazaki era, básicamente, nula, no puede uno sino admitir que su primer trabajo ha sido satisfactorio. Si bien es cierto que tanto la animación como el diseño de los personajes, así como los fondos, no llegan a la excelencia de otras producciones de Ghibli. También es cierto que el tiempo empleado en la producción de esta obra fue de tan sólo nueve meses, lo que viene a ser aproximadamente la mitad del tiempo que tarda Miyazaki padre en realizar la mayoría de sus obras; dicha reducción de tiempo (y por lo tanto de presupuesto) se traduce en fondos menos trabajados, con menos detalles; diseños de algunos personajes no muy cuidados (el de Tenar, por ejemplo) y algunos otros muy parecidos a obras anteriores del estudio (aunque es bien cierto que no es la única película de Ghibli donde ocurre, en ésta se me hace más evidente); personajes poco expresivos (me remito también a Tenar) y menos "figurantes" en movimiento en las ciudades, así como un mayor uso del ordenador. Con esto no quiero decir que Cuentos de Terramar sea como un episodio de Doraemon, sin duda la calidad media del film, técnicamente hablando, es bastante buena, no todos los escenarios están desdibujados, la ciudad por ejemplo está plagada de detalles, ni el diseño de todos los personajes es simplista, ahí tenemos a Therru o Gavilán; y por supuesto tiene muchas escenas cuya animación es sobresaliente (como la final o la inicial).

Ya hace años que Hayao Miyazaki iba detrás de esta adaptación, él mismo quería animar el mundo de Terramar, no obstante la autora, ante el desconocimiento de los trabajos anteriores del director, declinó la oferta. Cuando al final se decidió a vender los derechos al Studio Ghibli pensaba que iba a ser el autor de Nausicaä el que dirigiera el filme, no obstante al final fue el hijo de éste el que tomara la batuta del proyecto, aun cuando el padre no estaba de acuerdo con ello, se negaba en rotundo a que su retoño se dedicara a la animación, tanto que incluso dejaron de hablarse (hecho que es fácil de comprobar, pues tan sólo hay que visionar los extras de la magnífica edición de 2 discos). A pesar de ello parece que a Hayao no le disgustó el trabajo de Goro; pero no pasó lo mismo con la autora de la obra original, la cual no quedó satisfecha con la adaptación, le molestó algunos cambios realizados (como el cambio de color de ciertos personajes), además la decisión de Goro de basarse en los libros tres y cuatro en vez de empezar por el principio no hizo sino que esta opinión se afianzara más. Yo, que aún no he leído ninguno de dichos libros, no puedo opinar al respecto, aunque viendo que las novelas de Le Guin han tenido una enorme influencia para Miyazaki, creo que me las leeré en un futuro próximo.

De hecho, y quizá por todo lo mencionado anteriormente, puede que, en un primer visionado, resulte confuso algunos aspectos de la historia (a mí me pasó al menos), pero nada como verla de nuevo para captarla de otro modo.

Cuentos de Terramar no es de las mejores películas que ha producido el Studio Ghibli, pero aún así estamos ante una buena película de animación, con una ambientación interesante y una historia atrayente que sin duda logrará enganchar a los fans del estudio nipón, y que dejará con ganas a más de uno de comprobar si las buenas vibraciones que ha transmitido Goro Miyazaki en su primer trabajo se ven ratificadas en su próximo proyecto.

LO MEJOR:
-La música, obra de Tamiya Terashima, y en la que ha colaborado Carlos Núñez (muy interesantes los extras de la edición metálica al respecto).
-Algunas imágenes de singular belleza.
-Que en su debut Goro Miyazaki haya logrado realizar un film tan notable.

LO PEOR:
-Los puntos negativos que ya he anotado: algunos diseños de personajes, falta de detalles en los fondos, etc...
-No entiendo la decisión de no adaptar los primeros libros, hubiera sido lo más lógico.

¿Quién debería verla?
Los fans de Ghibli, y pienso que los que gusten de la fantasía pero que no hayan leído los libros de Le Guin (que supongo que pueden estar especialmente susceptibles ante la adaptación).

La edición en DVD:
En mi caso adquirí la edición metálica de dos discos, en cuya carátula podemos ver una bella ilustración de un mosaico de un dragón. Por otra parte, yendo al contenido, la calidad de la imagen es inmejorable, el doblaje al español también es muy bueno (en esto Aurum no nos ha fallado en ninguna ocasión) y los extras, sin ser abundantes sí que son interesantes, muy especialmente el reportaje sobre la creación de la banda sonora, donde un simpático Carlos Núñez me contagió por completo su entusiasmo; además de dicho reportaje incluye los tráilers y spots originales, el storyboard, cómo se creó la canción de Therru, un especial de NTV, así como sesiones de doblaje.

Leer critica Cuentos de Terramar en Muchocine.net

Iron Man 2

Hace un par de años Jon Favreu (Elf) y Robert Downey Jr. (Tropic Thunder, Kiss Kiss Bang Bang) sorprendieron a propios y extraños con Iron Man, un film que gustó a casi todo el mundo, y que seguía la estela de Nolan y su Batman Begins, o sea, lo intentaron plasmar de una forma más o menos realista. El invento funcionó muy bien (570 millones de dólares), así que no se tardó mucho en confirmarse una secuela.

En la entrega anterior el ególatra Tony Stark confirmaba a la prensa que él era Iron Man, tras ello, además de fama, consiguió que la Tierra se sumiera en un periodo de paz, pero hay gente que no está convencida con Stark, de hecho es el mismísimo gobierno estadounidense (a través del senador Stern) quien reclama que Industrias Stark debería ceder la armadura al gobierno. Pero ese no será su único problema, el paladio de la batería que alimenta el generador está contaminando su sangre, y encima un ruso loco con ganas de venganza ha aparecido en escena.

Iron Man 2 sigue la estela de se predecesora, pero como suele ocurrir con las secuelas, amplifica todo, dando más acción, más efectos especiales, más personajes y en este caso una historia igualmente entretenida, con momentos como la lucha final contra un ejército de drones o la inclusión de Máquina de Guerra o Viuda Negra, además de que éste es el primer filme donde Nick Furia tiene un papel más o menos relevante (en Iron Man y El Increíble Hulk hacia un cameo tras los créditos), allanando el camino hacia el esperado film de Los Vengadores.

En el reparto nos encontramos con el mismo elenco que en Iron Man, más alguna que otra incorporación interesante. El primero, el malo maloso, Whiplash/Latigazo (que al parecer es una mezcla de dos personajes de los cómics: Dinamo Carmesí y Whiplash), que le pone piel el resucitado, cinematográficamente hablando, Mickey Rourke (Sin City, Los Mercenarios); Scarlett Johansson (Lost in traslation) es Natasha Romanoff, más conocida como Viuda Negra, una chica de armas tomar donde las haya; Samuel L. Jackson (Shaft The Return, The Spirit) es el tío del parche, o sea, Nick Furia, que poco a poco unirá a unos cuantos personajes de la Marvel; Sam Rockwell (Moon) es Justin Hammer, presidente de la gran competidora de Industrias Stark; Don Cheadle (Hotel Ruanda) sustituye a Terrence Howard (el cual exigía demasiado dinero) como el coronel James Rhodes, y que en esta entrega se enfundará en la armadura de Máquina de Guerra; mientras continúa siendo Pepper Potts la bella Gwyneth Paltrow (Two Lovers), que aparece más que en la primera entrega, por lo que tendrá que soportar un poco más a Tony Stark. Jon Favreu aprovecha y sale tras las cámaras, además de dirigir.

Iron Man 2 no es lo que se dice una gran película, no logra sorprender como lo hizo la primera (o al menos parte de ella), pero sí que consigue algo muy importante, que no es otra cosa que divertir al espectador, ya sea con las ocurrencias de un Robert Downey Jr. en forma, o a través de espectaculares escenas de acción.

LO MEJOR:
-Natasha Romanoff, o lo que es lo mismo, la exuberante Scarlett Johansson.
-La lucha contra los drones.

LO PEOR:
-La escena inicial, cuando se lanza del avión, es de lo más mareante.

¿Quién debería verla?
Si disfrutaste con la primera, lo harás con ésta.

¿Y quién no?
Pues lo mismo que la anterior, pero al revés... (Si no te gustó la primera...)

Una pregunta:
No sé si es cosa mía, pero, ¿aparece el escudo del Capitán América en cierto momento? (Creo que alguien ya me sacó de esta duda...)

Hasta el final:
En las producciones de Marvel Studios siempre es mejor quedarse hasta el final de los créditos, y en esta ocasión también es así.

Leer critica Iron man 2 en Muchocine.net

Alicia en el país de la maravillas

Al ver que el último trabajo de Tim Burton se había estrenado en el IMAX pensé que sería bueno ver una película comercial en dicho cine, si bien es cierto que no salí maravillado, ciertamente la experiencia resultó agradable.

La historia comienza en la infancia de Alicia, donde vemos que la misma tiene unas pesadillas recurrentes y su padre la tranquiliza; tras ello una Alicia ya crecidita viaja con su madre hacia una fiesta, fiesta que ella desconoce que es la del compromiso de su matrimonio. Pero Alicia parece ver cosas raras, nada más y nada menos que un conejo que aparece en sus pesadillas. Lo sigue y acaba cayendo por un pedazo de agujero (una madriguera de conejo desde luego que no es) y llega al lugar de sus sueños: el País de las Maravillas. Allí la Reina Roja impone un gobierno tiránico cortando cabezas a quien se tercie. El cometido de Alicia será derrocarla.

El mundo creado por Lewis Carrol es idóneo para trasladar toda la imaginería visual de Tim Burton, y en ese aspecto no hay que quitarle méritos a esta adaptación libre de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo, donde se nos muestra una galería de personajes cada cual más excéntrico tanto en carácter como aspecto, además de unos escenarios realmente vistosos. No obstante eso no tapa el hecho de que estemos ante un film muy convencional en lo que se refiere al plano argumental (quizá se deba a la guionista de La bella y la bestia, Linda Woolverton, que firma el libreto), sobre todo a medida que avanza la trama, que encima pone un punto y final un tanto forzado y para nada creíble, siendo para mí dicha parte lo más fantástico de toda la película.

En el elenco tenemos caras conocidas, como el actor fetiche del director de Mars Attacks!, Johnny Depp (Enemigos públicos, Piratas del Caribe), que como todos sabéis se mete en la piel del Sombrerero Loco; un personaje que no está mal pero que no será de los más recordados de este actor. Como Alicia tenemos a la semidesconocida Mia Wasikowska, a la que hemos visto en películas tan dispares como El territorio de la bestia o Resistencia, pero es éste el filme que supone toda una oportunidad para esta mozalbeta de 20 años; como la Reina Roja tenemos a la mujer del director, Helena Bonham-Carter (El planeta de los simios, El club de la lucha), que para mí es la que lo ha hecho mejor; Crispin Glover (Regreso al futuro) es la Jota de Corazones, o lo que es lo mismo, el brazo derecho de la mencionada reina; a la Reina Blanca le pone rostro Anne Hathaway (Princesa por sorpresa, Passengers), una Reina Blanca que al menos a mí me ha caído mal desde el principio con esos aires de niña pija (la Reina Roja mola más, desde luego), aunque es cierto que tiene un cierto toque de malicia bastante interesante; otros actores más o menos reconocidos y reconocibles ponen su voz y/o rostros a diferentes personajes como Alan Rickman (Harry Potter, Robin Hood: Príncipe de los ladrones) que presta su voz a la oruga Obsolem, Stephen Fry (Los amigos de Peter) dobla al sonriente gato, Michael Sheen (El desafio: Frost contra Nixon, Underworld 3) es el conejo blanco, mientras que Matt Lucas (Little Britain) da vida a los gemelos.

Concluyendo. Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland) es un filme que se deja ver, pero nada más. Una vez vista se olvida con una facilidad pasmosa, y es que aparte de unas pocas imágenes bonitas poco o nada aporta, pues la historia es bastante plana y los diálogos tampoco es que sean brillantes. Para pasar el rato.


LO MEJOR:
-Como suele ser habitual en los trabajos de Tim Burton, la imaginería visual siempre resulta, si no estimulante, al menos interesante.
-La banda sonora de Danny Elfman.

LO PEOR:
-La historia no es que sea muy allá.
-El final. En una sociedad tan encorsetada (como vemos al principio) esa tolerancia hacia la decisión de la muchacha no resulta creíble.

¿Quién debería verla?
Los niños son el público que potencialmente más disfrutará.

¿Y quién no?
Los fans más acérrimos de Burton, ya que corren el riesgo de sufrir una gran decepción (aunque supongo que ya la vieron el día del estreno).


Leer critica Alicia en el país de las maravillas en Muchocine.net

The Cove

Richard O'Barry se encargó de capturar y entrenar a los seis delfines que hicieron de Flipper en la serie del mismo nombre. A lo largo de dicha experiencia fue percatándose de la inteligencia de dichos mamíferos, así como que son conscientes de sí mismos como lo somos nosotros. El día en el que uno de los delfines dejó de respirar voluntariamente (el acto de respirar no es algo automático en ellos como lo es en el ser humano), o sea, cuando se suicidó en sus brazos, algo en él se rompió, haciendo que al día siguiente lo detuviesen por liberar a un delfín. Fue a partir de aquel momento que Ric se convirtió en un activista con la única intención de parar a la industria que él había comenzado. En The Cove se nos muestra como O'Barry y un heterogéneo intentan documentar las matanzas que se perpetran en Taiji, una pequeña localidad de Japón, bajo la connivencia del gobierno nipón y con justificaciones cada cual más rocambolescas y absurdas.

Ganador del Oscar al mejor documental en 2009 (además de otros muchos premios, como el del público en Sundance), y narrado en clave de thriller, The Cove es una película documental que intenta llamar la atención no ya sólo del hecho de que asesinen a criaturas tan inteligentes como los delfines, sino los problemas de salud que puede conllevar para todo aquel que consuma su carne, ya que contiene unos niveles de mercurio muy superiores de los recomendados (por supuesto dichos niveles no son culpa de ellos, sino de nosotros, de las porquerías que seguimos vertiendo al mar).

Ahora que hace poco se volvió a reunir la Comisión Ballenera Internacional, y como suele ser habitual en estos últimos tiempos fue un fracaso, es bueno ver que se estrenan films (aunque en Japón probablemente no lo haga) que intentan hacer que la gente se revuelva en sus asientos ante el descaro e impunidad con la que se mueven algunos, ya sea esgrimiendo razones “culturales“, científicas o incluso de “plagas”. The Cove, que ha sido dirigida por el debutante Louie Psihoyos (el cual ha trabajo como fotógrafo para National Geographic y otras publicaciones, y también es el fundador de la Oceanic Preservation Society), destapa una matanza indiscriminada y denuncia toda una industria que explota miserablemente a unas de las criaturas más nobles y fascinantes que habitan los océanos. Sin aburrir en ningún momento, nos muestra los preparativos que tuvieron que hacer y los trucos a los que recurrieron para conseguir su objetivo, así como todos los impedimentos que tuvieron que salvar para ello.

The Cove es un documental necesario, y que deberías ver.

LO MEJOR:
-Que alguien haya grabado la masacre que con tanto ahínco han ocultado durante demasiado tiempo.
-El tono de suspense hace que el filme se haga mucho más entretenido.
-Que le hace a uno ver que detrás de esas acrobacias y esa sonrisa eterna lo que hay es estrés y tristeza, añoranza por la libertad que ofrece el mar.

LO PEOR:
-Que no hayan dado un toque también a las naciones nórdicas que están a favor de la caza de cetáceos.

¿Quién debería verla?
Cualquiera que desee saber un poco más de lo que son capaces de hacer algunos gobiernos por tapar auténticas barbaridades.


Leer critica The cove en Muchocine.net

Antología del Studio Ghibli Volumen 1, de Manuel Robles

Son pocas las publicaciones en papel dedicadas exclusivamente al Studio Ghibli, de hecho sólo me viene a la cabeza una, que fue el especial Mangazone. También he podido leer artículos más o menos amplios en revistas de manga como la Neko, la efímera Daisuki, Shirase y su hermana mayor Minami, e incluso en estos últimos años que se están estrenando los filmes de Ghibli en pantalla grande he podido leer artículos sobre el mismo o sus películas (así como entrevistas) en revistas de cine como Cahiers du cinema, Acción, Imágenes de actualidad, Cinemanía, Maverick, Fotogramas, etcétera. Aún así, todavía faltaba una publicación que hiciera honor al más famoso estudio japonés de animación, y he aquí que Manuel Robles, creador del gran blog Studio Ghibli Weblog, se puso a ello y creó Antología del Studio Ghibli de Nausicaä a Mononoke (1984-1997), el que es el primer tomo de, presumiblemente, dos libros dedicados al mencionado estudio.

 

El germen de este libro, como el mismo autor indica en la introducción del volumen, viene de lejos, pero muy especialmente de la idea que tuvo de realizar diversos monográficos sobre las películas de Ghibli, aunque el proyecto se quedó sólo en uno, el de Porco Rosso. Para suerte nuestra, la idea de hacer un libro pareció gustarle a los chicos de Dolmen Editorial, por lo que al final ha acabado saliendo bajo la colección Manga Books (que tiene publicados títulos sobre Naruto, Dragon Ball o Bleach, entre otros) y el paraguas editorial de la Asociación Cultural del Cómic (Japonés).

 

El libro en cuestión es de tamaño pequeño (no me sé las medidas v_v), encuadernado en cartoné, con solapas y tiene unas 150 páginas de papel satinado magníficamente impreso en blanco y negro, y una bonita portada en color con la imagen de Totoro. En este Volumen 1, y como bien indica el subtítulo del mismo, se hace un repaso a los once primeros trabajos de Ghibli (bueno, en realidad serían diez, ya que Nausicaä, como ya sabéis, no es del estudio propiamente dicho), o lo que es lo mismo, sus trece primeros años de historia. Va desde los difíciles y agitados primeros proyectos, a la consolidación internacional que supuso La princesa Mononoke. Robles no sólo se limita a contarnos de qué va cada obra y a dar su mera opinión, sino que nos introduce en el contexto histórico del Studio Ghibli en el momento de la producción del trabajo a comentar, por lo que no sólo nos informa de detalles más o menos curiosos de las películas, sino que además nos da una idea clara de cómo ha ido evolucionando Ghibli, su política y su forma de hacer las cosas.

 

La estructura del libro es sencilla. Tras el índice tiene una página dedicada a aclarar algunos términos que pueden los lectores no estar familiarizados con ellos, después una breve introducción de dos páginas, donde nos explica los porqués de escribir un libro sobre el Studio Ghibli; posteriormente tenemos cuatro breves biografías de cuatro pilares del estudio, que son las de los directores Hayao Miyazaki e Isao Takahata, el productor Toshio Suzuki y el compositor Joe Hisaishi y a partir de la página dieciséis nos va comentando las películas una a una.

 

En las dos primeras páginas de los comentarios de los filmes tenemos, además de una gran imagen significativa del mismo, diversos datos, como premios, duración, fecha de estreno, director, productor/es, el periodo de producción, número de cels y de colores, así como los datos de taquilla si los hubiere. En las siguientes páginas nos comenta el momento histórico del estudio a la hora de realizar la obra, luego viene la sinopsis y la opinión que le merece el filme, también comenta la obra original en la que se basa si se trata de una adaptación; y por último informa de los libros de ilustraciones publicados y los discos de la BSO, siempre indicando cuáles son los más recomendables. No hay que olvidar que también hay una ficha de los personajes más relevantes, así como cuadros destacando datos sobre la realización o cualquier otra cosa; a todo ello se suma los “Sabias que...” a pie de página, donde nos ofrece datos curiosos, algunos de ellos muy interesantes.

 

Ya a partir de la página ciento dieciocho nos topamos con otra sección, dedicada ésta al merchandising aparecido (una muestra de éste al menos) para cada película comentada. Bueno, no cabe duda que el film que se lleva la palma es Mi vecino Totoro, cuya mercadotecnia va de peluches hasta vajillas, pasando por relojes, estuches, bolígrafos y un largo etcétera, toda una muestra que pondrá los dientes largos a más de uno.

 

Todo el libro está escrito con un lenguaje sencillo y ameno, que se lee de un tirón, se nota que Manuel Robles lo ha escrito con cariño, pero también intentando ser lo más objetivo posible, además el trabajo de documentación ha debido de ser de notables proporciones. Destacar también una reseña en particular, que al menos a mí me ha gustado especialmente, que es la de La tumba de las luciérnagas. 

 

Pero como no hay ninguna obra perfecta ahí van los puntos negativos del libro, algunos de ellos bastante tontos, pero que no por ello dejaré de indicar. El primero, es el uso de la palabra “sobretodo” (que es un abrigo) en vez de “sobre todo”, que el autor utiliza en diversas ocasiones erróneamente, un error por otra parte muy típico hoy en día, pero no por ello menos destacable; el segundo detalle que observo es en el periodo de producción de Un castillo en el cielo, ya que pone que fue del 15 de junio de 1988 al 23 de julio de 1986 (la película se estrenó en 1986), un periodo, obviamente, imposible; otro fallo se halla en la reseña de Mi vecino Totoro, donde nos indica la posible inspiración de ésta en dos trabajos que hizo Miyazaki para la TMS junto con Takahata, Panda Kopanda y su secuela, pues bien, afirma que en España la ha editado Divisa cuando en realidad la sacó Aurum (una confusión comprensible por otra parte, sobre todo viendo la política de publicaciones de la primera); también tenemos un par de errores tipográficos en Totoro Forest Project, en los que se pone “Porject”, en vez de “Project”; hay un par de datos de taquilla que no me cuadran, o al menos que no me resultan creíbles, son los datos de recaudación de Recuerdos del ayer y de Pompoko, ambos con paupérrimas cifras de 1,87 millones y 2,65 millones de yenes respectivamente, y más cuando leo que Pompoko fue un éxito, y si encima luego leo que Susurros del corazón, con 800 millones de yenes recaudados, no fueron resultados excepcionales más me hace dudar; también afirma que La princesa Mononoke fue nominada al Oscar a mejor película extranjera de habla no inglesa cuando esto no fue así, ya que tan sólo fue presentada por la Academia de Cine de Japón a dicha candidatura, pero sin finalmente llegar a ser nominada. Ya en la parte de merchadising hay algunos errorcillos, como que en la última página dedicada a Totoro le falta la numeración a los productos, y en otros casos hay comentarios erróneos. Por otra parte, también indicar que, sobre todo en las primeras reseñas, el autor tiene tendencia a la reiteración de información de cosas ya dichas pocos párrafos antes o incluso líneas, un error que indica la inseguridad de Robles en los primeros compases, pero que se va diluyendo a medida que se avanza en la lectura del libro, aunque nunca llega a desaparecer por completo dicha sensación (aunque aquí, más que al autor, habría que estirar de las orejas a los correctores o editores). Habría que añadir (aunque esto ya no son "errores") que se echa en falta algo más de información de los trabajos previos de los miembros más destacados de Ghibli, así como comentar otras obras, como los cortos, los anuncios, y por supuestos las películas que faltan, aunque todo ello seguro que puede tener cabida en el segundo tomo. Espero que esta parrafada con lo que yo considero puntos negros de la obra no haga pensar a nadie que estamos ante un mal libro, como ya indico un par de párrafos arriba estamos ante un buen libro, se echaba en falta, y mucho, uno que diera un repaso pormenorizado a las películas de Miyazaki, Takahata y compañía, y Manuel Robles lo ha conseguido con nota. Antología del Studio Ghibli es un libro de obligada compra para todo aquel que guste del estudio fundado por Isao Takahata y Hayao Miyazaki, y una adquisición muy recomendable para todo aficionado al cine animado (o al buen cine en general). Así pues sólo me falta darle las gracias a su autor, Manuel Robles, por enfrascarse en tal proyecto y llevarlo a buen puerto, así como desearle que tenga la acogida que se merece, y que por supuesto salga pronto el segundo volumen.

Halloween II

La última, la definitiva, ya está aquí la película que clausuró la VII Muestra Syfy de Cine Fantástico, una muestra que en términos generales me ha encantado, y que me ha dejado con ganas de más, por lo que espero repetir en 2011.

Esta es la primera película de la serie Halloween que veo, ni siquiera he visto la anterior a ésta, que era un remake de la primera Halloween que llevó a cabo un tal Carpenter en 1978, o sea, que como neófito que soy no puedo opinar en conjunto, sino de forma unitaria.

Esta es, si no me equivoco, la décima película protagonizada por este psicópata, y al parecer no es un remake propiamente dicho, puesto que el cantante Rob Zombie (que ha participado como tal en bandas sonoras como la de The Matrix Reloaded, y dirigido ya varios filmes, entre ellos el anterior Halloween) tiene la intención de darle nuevos aires en próximas entregas (eso es más que evidente al final de este film). Pero vayamos al asunto.

Laurie Strode, la cual se supone que mató a Michael Myers vive con el comisario de policía y su hija, aunque la chica, a pesar de que Myers está muerto, no deja de tener pesadillas con el mismo, y más cuando el antiguo psiquiatra de éste publica un libro sobre el psicópata. Obviamente Myers hará acto de presencia, e irá dejando un reguero de cadáveres a su paso.

Halloween II (H2 (Halloween II)) no es lo que se dice un peliculón, pero se deja ver, tiene capacidad de entretener, e incluso algunas imágenes acertadas (de lo que más me ha llamado la atención del film es la fotografía). El elenco cumple su función (Zombie no ha dudado en meter a su mujer, Sheri Moon Zombie), en el cual, además de la ya mencionada, tenemos a Malcom MacDoweld (La naranja mecánica), Scout Taylor-Compton (The Runaways), Brad Dourif (Teniente corrupto) y Chase Vanek.

Por otra parte el guión no es que sea brillante, pero tiene su aquél, aunque no me cuadra eso de que Myers vaya dejando tantos muertos en su peregrinaje y nadie parezca hallarlos a pesar de que el hombre no es que sea precisamente sutil (y como tal sería muy fácil adivinar hacia dónde se dirige el asesino, pues los cuerpos son como las migas de pan de Hansel y Gretel), pero creo que si pienso demasiado no acabará por cuadrarme casi nada. Ideal para verla en pareja (sobre todo si la otra persona es asustadiza o aprensiva) o con amigos.


LO MEJOR:
-La escena inicial del hospital me parece bastante impactante, al menos mientras está dentro del mismo.
-La fotografía, le da una atmósfera bastante tenebrosa.

LO PEOR:
-No creo que aporte mucho al género, no sé si al personaje (el caballo blanco y la “elfa”, quizá).

¿Quién debería verla?
Los que hayan visto los anteriores Halloween, aunque sea por curiosidad.

La cuestión:
¿Cuántas veces ha muerto ya Michael Myers? Si alguien lo sabe que me deje un comentario, gracias.

Leer critica Halloween II en Muchocine.net

Cold Souls

Ya está aquí el domingo 28 (de marzo) y último día de la VII Muestra Syfy. Cold Souls suponía el principio del fin.

Cold Souls es un filme hecho para el lucimiento de Paul Giamatti, y no hay que negar que lo hace, se luce con una interpretación que es lo mejor de la película (y no es que sea mala ésta).

Paul Giamatti (La joven del agua, Shoot'Emp Up) es Paul Giamatti, un actor que padece una crisis ante el inminente estreno de una obra teatral de Chéjov. Giamatti se siente inseguro y perdido, no sabe cómo meterse en su personaje. Su agente le recomienda que vaya a cierta empresa cuya actividad es almacenar almas. Giamatti, tras cavilar un poco, decide despojarse del alma durante un tiempo porque así piensa que se sentirá más liviano para interpretar la obra. Al principio todo le irá más o menos bien, pero pronto la situación tendrá más de un giro.

Sophie Barthes dirige con soltura su primer largo, cuyo original guión lo ha escrito ella misma. Quizá lo que más sorprende de esta película es con la naturalidad que hablan los personajes de quitarse el alma, cambiársela, de mulas que las transportan, de tráfico ilegal... Ese mundo donde la gente se despoja de tal elemento para sentirse mejor consigo misma o para ganar un poco de dinero con el que poder comprar algo para sobrevivir, un mundo en el que puedes adquirir el alma de un actor o un poeta porque así te crees que puedes llegar a ser un buen intérprete no deja de ser nuestro mundo, donde, al fin y al cabo, intentamos obtener el éxito y la felicidad a base de talonario, donde tener una cuenta bancaria con muchos dígitos positivos te hace ser alguien ganador y sumamente atractivo. ¿Es, pues, Cold Souls, una metáfora o alegoría acerca del materialismo reinante? Pues supongo que sí, que podría serlo.

Junto con Giamatti también tenemos algunos intérpretes de calibre, como David Strathairn que casi ganó el Oscar con el debut en la dirección de George Clooney, Buenas noches y buena suerte; Emily Watson (Luciérnagas en el jardín) es otra de las caras conocidas; mientras que la “mula” es la actriz rusa Dina Korzun (Last Resort); como la secretaria está la guapa Katheryn Winnick; y como el mafioso de turno tenemos a Armand Schultz.

La gran baza de Cold Souls está en su buen reparto, y sobre todo en un brillante Paul Giamatti, sin él probablemente el resultado no habría sido ni la mitad de satisfactorio, ya que aunque el guión es original y notables sus diálogos (muchos de ellos hilarantes), la historia tampoco es tan buena como para que llegue a entusiasmar. Una película entretenida a la par que reflexiva.


LO MEJOR:
-Paul Giamatti y David Strathairn.
-El original argumento.

LO PEOR:
-Es de ritmo un poco lento.

¿Quién debería verla?
Sobre todo si te gusta ese gran actor que es Giamatti.


Leer critica Cold souls en Muchocine.net

No es el momento

No es el momento, dicen. Todos tenemos que hacer un esfuerzo extra, añaden. La situación es crítica, aclaran. Ya protestaréis a través del voto, afirman. En Alemania se va a llevar un recorte aún más ambicioso y nadie rechistará, dilucidan. España no está para huelgas, aseguran. El derecho a la huelga es eso, un derecho, explican...

Y yo me pregunto: Si ahora no es momento, ¿cuándo lo será? ¿Cuando el mundo sea maravilloso, haya pleno empleo y de todos nuestros bolsillos rebosen los billetes de todos los colores?, ¿cuando las pensiones sean justas y en la sanidad no haya colas?, ¿cuando la vivienda asequible sea una realidad? ¿Cuándo se ha de protestar entonces según esos políticos y esos medios de comunicación?, ¿cuando no haya nada por lo que quejarse?, ¿cuando no haya nada que reclamar? Perdonad, pero los irresponsables no son esas personas que deciden ir a la huelga para reclamar por sus derechos, los irresponsables son aquellos que han creado esta situación, los especuladores que hacen dinero de la nada pero no generan riqueza: la banca, el ladrillo descontrolado, los que deciden por nosotros sin tan siquiera llegamos a saberlo hasta que son hechos consumados... ¿Ahora todos los países tienen una deuda millonaria y deben reducir gastos sociales?, ¡¡ahora!! ¿Ya nadie recuerda que hace pocos meses los gobiernos inyectaron en la banca cientos de miles de millones de euros para reflotarla?, y ahora son los pringados de turno, los trabajadores, quienes tenemos que apoquinar la deuda que ello ha generado.

No es el momento, dicen. ¿Y tú qué piensas?

The Children

Uf, ya voy por la novena reseña, o sea, la novena película de la VII Muestra Syfy. Sólo espero que me estén saliendo más o menos decentes, ya que esto de comentar tantas películas de forma consecutiva (ésta y las otras críticas las escribí en Semana Santa...) os aseguro que es agotador. Por cierto, para mí ésta es la segunda mejor peli de la muestra.

Un feliz matrimonio junto con su hijo pequeño e hijas, una de ellas adolescente, visitan al hermano del primero que vive con su pareja y sus retoños; la intención es celebrar como unas segundas navidades, pero ni al hijo pequeño (que parece autista y encima está enfermo) ni a la chica adolescente les hace mucha gracia. De repente todo se tambalea por culpa de un terrible accidente en el que se ven involucrados los niños y un adulto. Pero, ¿es realmente un accidente?

Por lo que dicen The Children es similar a la cinta española de culto de Narciso Ibáñez Serrador ¿Quién puede matar un niño?, pero a lo bruto, o sea, mucho más explícita. No puedo decir qué tal está el film hispano, pero lo que sí puedo aseverar es la capacidad de canguelo que tiene esta obra de Tom Shankland (Waz), y es que he visto pocos films tan inquietantes y perturbadores como éste.

Al principio todo comienza como podría empezar cualquier telefilm barato que suelen emitir en la sobremesa de los sábados y domingos los canales privados: visita de parientes, chica adolescente que está enfadada porque no podrá ir a una fiesta, sus padres que les dice que se aguante. Pero poco a poco vemos que los niños están un poco raros, que suceden pequeños detalles sin importancia pero extraños, hasta que estalla la situación con el mencionado accidente, y a partir de ahí sólo tenemos a un personaje que es el único que está dispuesto a tomar medidas cuando se ve atacado, mientras que los otros son incapaces de ver lo evidente, hasta que realmente no tienen otro remedio que actuar.

Se dice que rodar con niños y con animales (¿hay alguna diferencia?) suele ser muy difícil, así que Shankland no tuvo que pasarlo muy bien realizando The Children, y aún más si tenemos en cuenta que no es una comedia familiar precisamente; pero viendo el resultado final, y el magnífico trabajo del reparto, especialmente de los niños, sin duda el esfuerzo ha valido la pena. Una película harto recomendable para los amantes del cine de terror.


LO MEJOR:
-Su capacidad de perturbar e inquietar.
-Los niños...

LO PEOR:
-¡Que realmente asusta!

¿Quién debería verla?
Los amantes del cine de terror, y los antiabortistas.

¿Y quién no?
Pues si eres de esos que no les gusta pasar miedo en el cine.


Leer critica The children en Muchocine.net

Splice

No, no os he abandonado, han sido causas de fuerza mayor las que me han impedido actualizar antes el blog, así que he vuelto, con fuerza nuevas..., y una vieja crítica.

***

Splice era una de las obras más esperadas de la VII Muestra Syfy de Cine Fantástico, el porqué es muy simple: Vincenzo Natali.
Clive y Elsa son una brillante pareja de científicos que se dedican a mezclar ADN para crear criaturas que la naturaleza no ha fabricado, con dichas criaturas pretenden aislar proteínas que posteriormente sirvan para fármacos con los que aumentar las arcas de la empresa farmacéutica para la que trabajan. Pero ellos no están del todo satisfechos, sino que desean dar un paso más allá para así obtener remedios para los grandes males del hombre, por lo que sin autorización de nadie, subrepticiamente, realizan un experimento mezclando ADN humano. Obviamente, las cosas no saldrán como planeaban.

El mayor fuerte del film que nos ocupa, de lo que va al fin y el cabo, es el dilema moral, el hasta dónde podemos llegar en pos del avance científico (y si ese avance no es más por el ego henchido del científico, por sus deseos de notoriedad, o si realmente lo hace por el bien de los demás). Durante las dos horas de duración es esa la cuestión que se plantea una y otra vez, y donde los protagonistas van alternando los papeles, ora es la mujer la que empuja a seguir (la mayoría de las veces es ella, todo sea dicho), ora es el hombre quien defiende la criatura. Pero en cada ocasión dan un paso más allá, se separan más y más de la frontera que se supone está impuesta por las leyes de la moral, hasta que llegado un momento parecen no distinguir qué es lo que está bien de lo que está mal.

Vincenzo Natali se convirtió en un director de culto gracias a Cube, extraño y fascinante film cuyo final nos dejaba anonadados y con una inmensa curiosidad por saber qué había afuera (seguramente eso lo intentarían "arreglar" con las dos secuelas, las cuales no he visto), de ahí que Splice genere tanta expectación, pues tendemos a imaginar que siempre nos va a sorprender con algo nuevo alguien que ya lo hizo. Pero eso no siempre ocurre, éste no es el caso, no sorprende, pero tampoco es una mala película. El comienzo es más bien dramático, donde una especie de Eva convence al que sería Adán para cruzar la línea (aquí no hay manzana, sólo genes), luego la cosa avanza más o menos bien, manteniendo siempre el dilema; pero en la última parte gira todo por derroteros mucho más convencionales, y el final no deja de ser también bastante previsible.

Los protagonistas absolutos son Adrien Brody (El pianista, Predators) y Sarah Polley (La vida secreta de las palabras, Amanecer de los muertos), además lo secundan David Hewlett (Cypher), entre otros. La verdad, lo que menos me convence de Brody es su peinado, el cual me da la impresión que se lo han puesto para que se parezca al que hace de su hermano, por lo demás creo que actúa tan bien como siempre, al igual que Sarah Polley. El reparto, pues, convence.

Splice es, por lo tanto, una entretenida película que podría haber dado mucho más de sí si Vincenzo Natali se hubiese arriesgado más. El resultado final no sorprende, aunque es cierto que tiene destellos de intentarlo.


LO MEJOR:
-La criatura, adorable del todo al principio; fascinante y tenebrosa al final.
-Los efectos especiales, el diseño de la criatura.
-El dilema moral planteado, no por ser visto en otras ocasiones deja de estar candente.

LO PEOR:
-La segunda criatura se desarrolló demasiado rápida, resta credibilidad.

¿Quién debería verla?
Si te gustó Species y otras películas con experimentos científicos de por medio.

¿Y quién no?
Si albergas muchas expectativas acabará por defraudarte, o sea, a aquellos que tengan demasiadas expectativas no se la recomiendo.


Leer critica Splice en Muchocine.net