madre!

No pensaba escribir nada sobre lo nuevo de Darren Aronofsky, más que nada porque entre película y película también me gusta hacer otras cosas y en ocasiones tengo la sensación de que dedico todo mi tiempo libre a ver cine y escribir sobre el mismo, cosa que está muy bien, pero los tebeos y libros se acumulan... Sin embargo, me ha entrado el gusanillo y me he propuesto escribir unas pocas palabras sobre el último trabajo del realizador de Noé, una cinta de esas que se ven muy pocas veces.

Y es que madre! (mother!, 2017) es, probablemente, la cinta más críptica, raruna y experimental del año, a pesar de que nos la han vendido como un film de terror pero, si bien tiene elementos de dicho género durante sus dos horas, también tiene mucho de drama, de thriller y, como ya he anotado, de experimento o, incluso, ensayo artístico, más de cine alegórico que expositivo (y, probablemente, hasta terapéutico para su director). Una película de autor, vamos, aunque con la filmografía de su realizador y guionista tampoco sorprende.

Life (Vida)

 

Al ver por primera vez el tráiler de Life (Vida) (Life, 2017) inevitablemente me acordé de Alien, el octavo pasajero, pero si decidí verla no fue porque simplemente me recordara a la mítica cinta de Ridley Scott, sino porque era un avance que te dejaba con ganas de más, que mostraba imágenes con buena factura y un elenco con caras que dan cierta confianza.

La acción se sitúa en un futuro próximo en la Estación Espacial Internacional, donde la tripulación aguarda impaciente la llegada de una muestra de Marte. Después de una aparatosa recuperación de la misma, comienzan a realizar experimentos, comprueban que lo que era una célula se muestra como un ser más inteligente de lo que esperaban y, como el propio ser humano, con un fuerte instinto de supervivencia.

La leyenda de Tarzán

 

Probablemente, si exceptuamos la versión animada de Disney, desde los lejanos tiempos de Johnny Weissmuller no se ha rodado una película de Tarzán que haya conseguido convertirse en un filme realmente popular, y con ello quiero decir que tuviese cierto éxito e incluso algo de prestigio. Ése era el reto que asumió David Yates (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte) a la hora de llevar a cabo la nueva traslación a la pantalla grande del mítico personaje creado por el no menos mítico escritor Edgar Rice Burroughs.

John Clayton, más conocido como Tarzán, vive cómodamente en Inglaterra junto a su mujer, Jane, cuando el rey de Bélgica le invita a ir al Congo para ver sus buenas obras, Educadamente rechaza la oferta pero cambia de parecer cuando George Williams, un hombre del Gobierno estadounidense, le informa de que algo nada bueno se cuece en dichas tierras africanas.

Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas

Las aventuras de Tadeo Jones, además de un gran éxito de taquilla, era una película con la que un servidor pasó un agradable rato y la constatación (otra vez) de que en España se podía hacer cine de animación exportable. Por desgracia, desde 2012 parece que no ha cambiado mucho la industria, nuestros animadores se tienen que ir fuera de España si quieren ganarse las habichuelas, pero aún así algunos resisten y logran hacer cosas tan rarunas como Psiconautas, los niños olvidados o la más comercial, y no por ello menos meritoria, Atrapa la bandera, también del mismo estudio y realizador del film que nos ocupa. La cruel y triste realidad es que las películas animadas producidas en nuestro país y que se estrenan se pueden contar con los dedos de una mano.

Ya iba tocando que regresara el albañil más aventurero, y lo cierto es que lo ha hecho con una aventura que me ha sorprendido, esperaba que me entretuviera pero que no me divirtiera.

Noé

Noé recibe un mensaje del Creador: el ser humano será castigado por sus desmanes y tiene que construir un arca que dará cobijo durante el gran diluvio a una pareja de cada especie animal de la Tierra, para que así sea posible volver a empezar desde cero.

Llevaba un tiempo el realizador de Réquiem por un sueño queriendo llevar a la pantalla grande la historia de Noé y del diluvio universal y, como no lo conseguía, decidió plasmar la historia en papel en un cómic. Sin duda el éxito de El luchador y Cisne negro le ayudaron a que las majors tuvieran confianza en él y, aún así, una vez rodado el film, una sombra se cernió sobre el mismo a cuenta de que la visión que tenía Darren Aronofsky de las escrituras bíblicas no se corresponde con la oficial, de hecho, por ridículo que parezca, en Estados Unidos se incluyó en cartelería y demás mercadotecnia un texto informativo donde se advertía al espectador religioso de tal hecho..., pues parece ser que desde La Pasión de Cristo se le da mucha importancia al público cristiano y a no ofenderlo (sí, en EEUU hay un creciente integrismo religioso alimentado desde la política).

El corredor del laberinto: Las pruebas

Thomas y compañía son acogidos en una especie de fortaleza con amplias sonrisas pero pocas respuestas. Como es habitual el inquieto Thomas se huele que algo no cuadra y termina por descubrir que sus rescatadores no son lo que pretenden aparentar y que el laberinto fue un juego de niños en comparación a lo que les espera en el mundo exterior.

El debut en el largometraje de Wes Ball no me entusiasmó mucho aunque sí que me entretuvo, por lo que El corredor del laberinto: Las pruebas (Maze Runner: The Scorch Trials, 2015) no era un film que esperara con especial interés. No obstante, los avances que tuve la oportunidad de contemplar me generaban una mayor curiosidad que la primera entrega y vaticinaba que podría ser un entretenimiento que no desmereciera.

Verónica

Estamos en verano de 1991, un fenómeno astronómico mantiene excitado a todo el mundo, entre los que se encuentran Verónica, una adolescente de quince años, y sus amigas, las cuales aprovechan el parón de clase en el que deberían observar el eclipse para bajar al sótano y jugar con una ouija para comunicarse con el más allá. Contactan con algo, pero no con nadie que desearían.

Paco Plaza (junto con Jaume Balagueró) revolucionó el terror patrio allá por el 2007 gracias a [Rec], cinta que engatusó no solo al público nacional, sino que tuvo una notable repercusión internacional (con remake incluido) y le dio una mayor fama al cine de género español, que pasó una, quizá corta, etapa de oro. Tan solo dos años después vino la secuela, también con buenos comentarios y repercusión, mientras que en 2012 Plaza dirigiría en solitario la tercera entrega, que parece que contentó al fandom y a buena parte de la crítica, pero cuya taquilla no fue para tirar cohetes.

La gran belleza

Tres son los motivos por los que decidí ver La gran belleza (La grande bellezza, 2013). El primero, en orden cronológico, porque leí buenas impresiones del filme de Paolo Sorrentino de más de un tuitero cinéfilo que sigo; el segundo, porque consiguió el Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa, arrebatándoselo a la maravillosa La vida de Àdele y al último largometraje de Hayao Miyazaki; y tercero, porque era miércoles y la entrada costaba menos de cuatro euros. Y nada más, fui al cine sin tan siquiera leer la sinopsis y, la verdad, tampoco creo que eso hubiese cambiado nada.

Jep es un periodista de éxito que pasa las noches de fiesta y vagabundeando hasta que amanece.

Buscando a Dory

Recuerdo que, en su momento, me encontré con la posibilidad de ver en pantalla grande (en los desaparecidos Cines Bahía Sur) Buscando a Nemo, era una opción que me atraía pero, finalmente, opté por visionar por segunda vez El último samurái. Al final me quedé un poco con las ganas de ver las aventuras del pececito y su desesperado padre, pero, tiempo más tarde, tuve y aproveché su emisión en televisión. Sé que me gustó, pero no tengo claro al cien por cien cuáles fueron mis impresiones.

Quizá sea por ello, y por unos avances notablemente mediocres, por lo que no tenía apenas interés por ver Buscando a Dory (Finding Dory, 2016), aunque sí algo de curiosidad. Así que eso, y el hecho de que mi acompañante tuviera muy claro que quería verla, hizo que finalmente apoquinara una entrada.

Ad Mortem, de Blanca Mira y Eduard Balust

 

Sigurd es un jovenzuelo que vive felizmente en Japón con su madre, pero dicha felicidad se esfumará el día en el que la misma sea asesinada. Esta, antes de expirar, le dará un reloj con el nombre de su padre y le pedirá que vaya a buscarlo a Alemania. Y allí irá el inexperto muchacho, donde se topará con una realidad mucho más dura de lo que se podría esperar.

Ganador del X Concurso Manga Norma Editorial, Ad Mortem está escrito por Blanca Mira y dibujado por Eduard Balust, con la primera tuve el gusto de charlar un poco en el último Expocómic Japan Weekend de febrero mientras me dedicaba el ejemplar, aunque por aquellas fechas todavía no me había leído la obra y, por tanto, no pude compartir mis impresiones sobre la misma.

El faro de las orcas

 

Fui al cine con la intención de ver Vaiana, un film colorido donde el mar es un factor importante, pero me topé con la sorpresa de que solo quedaban butacas en la primera fila. Así que descompuesto al lado me aparté (nos apartamos en realidad) y observé las películas que había en la cartelera... A punto estuve de desistir, pero al final opté por ver una cinta que llamaba mi atención un poco, pero que no esperaba ni tenía planeado ver en pantalla grande, y donde el mar también es un factor importante...

Beto es un tipo solitario, un guarda de una reserva de la Patagonia que tiene una relación muy especial con las orcas del lugar. Lola lo vio en un documental y cómo su hijo Tristán, que es autista, reaccionó ante la visión de las orcas y del contacto que mantenían con el guarda. Es por ello que desde España emprenden rumbo a la Argentina, esperando que Roberto les pueda acercar a los fascinantes cetáceos, esperando que su hijo logre conectar un poco más con su entorno de esta manera.

John Wick: Pacto de sangre

Después de recuperar su coche, John Wick espera definitivamente retirarse, jubilarse y dejar atrás sus días de asesino. Pero un viejo conocido le viene a reclamar un pagaré que tiempo atrás selló con su sangre.

A lo tonto, John Wick, que ni siquiera se estrenó en cines en España, se ha convertido en un film de culto venerado por seguidores de la acción. Y es que fue toda una sorpresa no solo volver a ver a Keanu Reeves dando mamporros, sino su estética, la contundencia de las secuencias de acción y una historia que si bien no era una maravilla al menos servía para sostener todos los engranajes.

Nuestra hermana pequeña

Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven en la vieja casa de su abuela, cuando reciben la noticia de que su padre, al que no veían desde hace quince años, ha muerto. Sin mucho entusiasmo acuden a la zona rural donde se celebrará el funeral y conocen a Suzu, la hija que tuvo su padre con otra mujer, con la que terminarán congeniando y a la que propondrán ir con ellas a vivir a Kamakura.

Hirokazu Kore-eda es un realizador nipón de notable prestigio (lo suelen comparar con Yasuhiro Ozu) del que no había visto ninguna película, por lo que Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015) es mi primera experiencia con el director de After Life y De tal padre, tal hijo. Así pues, y aunque era consciente de que me iba a encontrar con un film costumbrista donde lo cotidiano, las pequeñas cosas y los personajes, son el centro de la historia, había cierta incertidumbre sobre si el estilo del cineasta tokiota iba a engatusarme o quizás provocarme tedio.

Capitán América: Civil War

 

Tras lo acaecido en Sokovia, y después de un incidente en Nigeria donde Los Vengadores iban tras unos villanos, se les ofrece al grupo de superhéroes dos opciones: o estar bajo control de la ONU tras la firma de un tratado que aprueban más de 100 países, o seguir por libre y convertirse en una organización ilegal.

Joe y Anthony Russo me dejaron la mar de contento con Capitán América: El soldado de invierno, un film con mucho suspense y tensión constante y creciente, por lo que tenía ganas de que prosiguieran su magnífica labor y, como en aquélla, los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely vuelven a firmar un buen libreto en Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War, 2016), por lo que estamos ante un logrado equipo.

Howard... un nuevo héroe

 

Howard está repanchigado tan tranquilo en su sofá, zapeando entre todos los canales patunos, cuando su hogar tiembla y su asiento junto con él comienza a volar y no se detiene ante paredes, puertas, vecinos, lindas patitas dándose un baño, la calle, el cielo apagado y el espacio exterior..., atravesando la galaxia hasta llegar hasta un callejón oscuro del Planeta Azul. Allí salva a Beverly Switzler, una joven y atractiva cantante, de unos fans un poco salidos, ella a cambio se apiada de él y además de ofrecerle cobijo le echa una mano en la tarea de regresar a su planeta.

En mi lista de películas que me hicieron mella durante la infancia no se encuentra esta cinta de la factoría Lucas, más que nada porque no la he visto hasta hace bien poco (que, traducido a los tiempos de publicación de este blog, son casi tres años) y, aunque me cueste admitirlo, la niñez hace tiempo que pasó. Una vez visionada, no, no me ha producido un gran impacto, pero he de reconocer que quizá si la hubiese visto de crío sí que lo habría hecho aunque fuera solo por el pato protagonista.

Colossal

 

Gloria está un tanto perdida, lleva una vida disoluta y su novio la echa de casa al no poder soportar más la situación. Por todo ello regresa a su pueblo donde se encuentra con Oscar, un viejo amigo del colegio, el cual no tarda en ofrecerle empleo en su bar. Pero lo que podría ser un bonito nuevo comienzo se convierte en algo diferente al aparecer como por arte de magia un monstruo en Corea del Sur.

Aunque en Estados Unidos ha tenido un estreno limitado, no es menos cierto que el cuarto filme de Nacho Vigalondo (Open Windows, Los cronocrímenes) ha cosechado muy buenos comentarios, al igual que ha pasado en España, donde mayoritariamente también ha obtenido críticas positivas y llegado a contadas salas, por lo que difícilmente será una película que tenga un gran alcance en taquilla cuando su potencial es mucho mayor.

En este rincón del mundo

 

Poco a poco, que llegue anime a los cines está empezando a dejar de ser noticia, y eso es algo maravilloso. Y es que si hace pocas semanas comentaba el gran éxito de your name., ahora toca hablar de un proyecto muy diferente y de mucha menor repercusión en la taquilla asiática y española pero, por suerte, eso no quiere decir que estemos ante una obra menor precisamente.

En este rincón del mundo (Kono Sekai no Katasumi ni, 2016) narra la historia de Suzu, desde su infancia, donde a pesar de los escasos recursos familiares vivía feliz y disfrutaba de su niñez, hasta su forzado casamiento y las vivencias en su nuevo hogar con el tenebroso telón de fondo, cada vez más cercano, de la guerra.

Biblioteca Studio Ghibli: El viaje de Chihiro, de Marta García Villar

 

Cuando anunciaron que iban a publicar varios libros monográficos que se centrarían en tres de las más conocidas películas de Studio Ghibli, he de reconocer, lo recibí con cierto escepticismo a pesar de que los autores no es que me fueran desconocidos precisamente. Pero es que no es lo mismo escribir un libro sobre toda una filmografía que uno sobre un film concreto, así que uno tiende a pensar que hay peligro de querer estirar el invento más de la cuenta y quedar la cosa como un resumen largo de la película y del cómo se hizo y, sobre todo, de volver a contar lo que ya hemos leído pero dilatado por eso de la necesidad de rellenar páginas.

Tenía ese temor, cierto, pero también cierta confianza en la experiencia acumulada de los autores con otros escritos sobre Ghibli, y que las películas que iban a analizar en esta primera tanda, sin duda, son de las que más jugo se les puede sacar. Esta idea se reafirmó al asistir a la presentación de Biblioteca Studio Ghibli: El viaje de Chihiro en una librería especializada madrileña, donde la autora, Marta García Villar, junto a Laura Montero Plata y Miguel Ángel Pizarro, quien moderaba/dirigía el evento, comentaron no solo sobre el libro y la mítica cinta de Hayao Miyazaki, sino también sobre la gestación del proyecto de la editorial Héroes de Papel.

Kong: La isla Calavera

 

Para la clausura de la 14 Muestra Syfy había un plato fuerte y muy esperado por dos miembros de la Comunidad de la Muestra al menos, ni más ni menos que el regreso de King Kong, y además lo hacía con el comentario reinante de “el mejor King Kong desde la película original de 1933”.

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Son los años setenta, la guerra de Vietnam ha terminado y un grupo de soldados comandados por Preston Packard, el único militar que no parece desear volver a casa, acompañarán a una expedición iniciada por Bill Randa, de la organización Monarch, a una misteriosa isla que había permanecido escondida a los ojos del hombre hasta la fecha.

Una de las mejores cosas que tiene Kong: La isla Calavera (Kong: Skull Island, 2017), es que es llegar a la isla que da título a la cinta dirigida por Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer) y aparecer Kong dando mamporros a diestro y siniestro, o sea, que no esconden de forma absurda a los monstruos como sí que hizo Gareth Edwards en Godzilla.

Nymphomaniac. Volumen 1

 

Un hombre se encuentra a una mujer herida tirada en mitad de la calle, se la lleva a su casa donde le atiende y le pregunta por qué estaba allí. La mujer le cuenta su historia.

Lars von Trier, a base de generar polémica, sabe venderse muy bien. Nymphomaniac (ídem, 2013) la empezó a vender desde que estrenó Melancolía, y más cuando comenzaron a sacar carteles, cada cual más sugerente. A mí, no lo voy a negar, me impelía a ir a visionarla principalmente el morbo, la cuestión de qué sería capaz de hacer el realizador de Anticristo con la historia de una mujer que se autodiagnostica como ninfómana.

Y allá que fui, el miércoles, que salía más barato, con cierta emoción, y observando con satisfacción que acudía público de un amplio espectro: jovencitas estudiantes, hombre maduros, mujeres de mediana edad, abuelos y abuelas. Vamos, que digan lo que digan aquellos que intentan imponer su moral, el sexo siempre es un buen reclamo publicitario.