Monster, de Naoki Urasawa

Recién terminada la reedición, en formato kanzenban, por parte de Planeta DeAgostini, y por lo tanto recién acabada de leer por mi parte, comentaré mis impresiones acerca de esta obra del autor de Yawara!, 20th Century Boys y Pluto.

 

Bien, para quién no lo sepa, Monster es un manga escrito y dibujado por Naoki Urasawa, un dibujante que empezó en esto del cómic haciendo historietas deportivas y ha acabado convirtiéndose en el rey del suspense en viñetas. Monster fue la obra que dio un giro a su carrera, y lo convirtió en toda una celebridad, y no es de extrañar, pues su intensidad y la gran cantidad de personaje carismáticos hace de este manga un trabajo realmente meritorio.

 

El doctor Tenma es un joven y prometedor neurocirujano japonés que ejerce su profesión en Düsseldorf, Alemania. Allí vive feliz, y está prometido con la hija del director del hospital, por lo que su futuro laboral está asegurado. Cierto día entra un paciente al que debe operar, pero cuando ya se está metiendo en el quirófano le dicen que se encargue de otro, una cantante (de ópera si no recuerdo mal) muy famosa que ha entrado posteriormente, a regañadientes lo hace, pero su conciencia no se queda tranquila y más cuando se entera de que el primer paciente, un obrero, no ha salido vivo de la operación. Poco tiempo después entra un paciente, un niño (y su hermana gemela, aunque esta con un shock), con una bala en la cabeza y varios minutos más tarde el alcalde, por lo que otra vez lo ponen en la misma disyuntiva, mas esta ocasión seguirá los dictámenes de su conciencia y operará al primero que ha entrado, en este caso el niño. Y el niño logra salvarse mientras que el alcalde muere, por lo que su posición en el hospital se vuelve delicada. Días más tarde aparecen varios empleados muertos a consecuencia de unos caramelos envenenados y a la vez desaparecen los hermanos, las pruebas circunstanciales apuntan hacia Tenma, pero el doctor averigua que el asesino ha sido el niño al que salvó la vida. Tenma se verá obligado a escapar para demostrar su inocencia, pero para ello deberá encontrar a los gemelos.

 

Dibujado con un trazo limpio y seguro, con escenarios y elementos realistas y personajes con un estilo propio e inconfundible, Monster es un manga que entra por los ojos, pero que se disfruta verdaderamente cuando se empieza a leer. Si el comienzo resulta prometedor, a medida que avanza la trama (que se dilata durante varios años), aparecen nuevos personajes y reaparecen otros conocidos, ocurren giros inesperados y encuentros deseados, nos vamos enganchando sin poder (ni querer) evitarlo, habiendo momentos realmente emocionantes en los que uno no puede dejar de leer hasta que ya no hay más páginas. Todo ello se debe a la habilidad de Urasawa para contar la historia generando tensión cada vez que es necesario, pero sobre todo a la gran destreza que tiene creando personajes, con algunos secundarios verdaderamente geniales. No obstante, no todo es perfecto, si bien las situaciones por lo general son variadas y necesarias, en algún momento uno nota un mal típico en productos de éxito, como es el hecho de querer alargar las cosas, Monster no se libra de dicho mal, y si bien no es muy acuciante sí que le resta algún punto al conjunto. Otro punto importante es el final, que puede generar cierta frustración a muchos; en mi caso no me ha parecido tan malo como dicen algunos, aunque es bien cierto que no es para nada tan redondo como el desarrollo de la historia.

 

La edición es muy buena, con sobrecubiertas que al unirlas forman una especie de collage de cuadros de los personajes, con papel satinado e impresión de calidad, además de varias páginas a color en cada número (excepto en el último, quizá porque el tomo tiene unas 50 páginas más de lo habitual) y algún que otro articulillo al final de la mayoría de los tomos comentando acerca del autor, de su obra, o aclarando conceptos de la cultura nipona. En total son 9 tomos recopilatorios que oscilan entre las 380 y las 470 páginas aproximadamente, todo ello a un precio de 14,95 €, por lo que se puede considerar un buen precio.

 

Monster es un cómic con momentos de esos que cortan la respiración, con otros muy emotivos, y desde luego que no falta una pizca de humor, con personajes con los que se siente empatía y un guión y diálogos muy trabajados. Todo ello además realizado con un grafismo que cuida hasta el mínimo detalle, desde la disposición de las viñetas hasta la composición de los elementos que aparecen en ella. Una gran obra editada en una gran edición. Muy recomendable.

 

 

LO MEJOR: 

-El dibujo, la composición de viñetas...

-Los personajes, especialmente muchos de los secundarios.

-La edición de Planeta, cuidada y a un buen precio.

 

LO PEOR: 

-Que sobra un tomo, o sea, ciertos pasajes de relleno.

-Sin resultarme malo, estoy de acuerdo en que podría haber sido mucho mejor. Con un desarrollo tan trabajado es bien difícil ofrecer un clímax a la altura, pero aún así no hay excusa. 

 

¿Quién debería leerlo? 

Si te gustan las pelis de suspense y fugitivos seguro que te gusta este manga. 

 

¿Y quién no? 

Pues si te gusta el cómic no hay razón para que no leas...

 

El anime: 

También existe un anime de 74 episodios realizado por Madhouse con la dirección de Masayuki Kojima. No he podido disfrutar del mismo, pero según leo es una adaptación fiel y además la animación es de bastante calidad.

Origen

Se lleva hablando mucho sobre Origen (Inception), la nueva película del realizador de Memento y El Caballero Oscuro, de hecho muchos la comparan y afirman que es la Matrix de esta década. Es bien cierto que si nos fijamos tan sólo un poco tiene puntos en común con el segundo filme de los hermanos Wachowski, sobre todo por el hecho de la confusión que se da sobre lo que es real y lo que no, aunque quizá Christopher Nolan ha dado un paso más a la hora de la escritura de su libreto (cosa lógica de hecho), puesto si en la trilogía protagonizada por Keanu Reeves a partir de cierto momento estaba claro qué era real y qué virtual, había dos capas claramente diferenciadas (al menos en la primera película, luego comprobamos que algo más había), en el film que nos ocupa hay multitud de capas, de realidades/sueños, por lo que la complejidad narrativa en suma también es mayor. Quitando eso no hay más similitudes, tanto visualmente como en lo que se refiere al argumento en sí poco tienen que ver.

Cobb (Leonardo DiCaprio) es un extractor, alguien que se dedica a meterse en los sueños de otras personas para sonsacarles información a cambio de dinero. Después de un trabajo fallido le proponen un nuevo encargo, uno que nunca se ha logrado; en esta ocasión no debería obtener nada, sino introducirlo.

Ideada por Christopher Nolan durante cerca de una década, de Origen se puede decir que es una película original, que está basada en una idea (y las ideas son el peor de los virus) que no se inspira en ningún libro, ni cómic, ni videojuego, ni serie de los ochenta y no es una secuela, y eso es muy de agradecer; de hecho parece que los ejecutivos de los grandes estudios han reflexionado sobre el tema y han concluido que últimamente no había historias originales, y que la gente quiere ver cosas originales, y que ha ser posible les haga pensar un poco, así que con suerte en dos años o así irán apareciendo films puede que más arriesgados a los que nos tienen acostumbrados. Y no me extrañaría que dichos peces gordos pensaran eso después de haber visionado la obra que nos ocupa, una gran superproducción de cerca de 200 millones de dólares en la que su mayor interés no se trata de machacarnos a explosiones y demás efectos especiales (de hecho, Nolan ha prescindido en lo posible de ellos, para así lograr mayor autenticidad), sino en ofrecernos una trama que nos enganche y unos personajes con los que conectemos, y todo ello con una factura técnica envidiable, y algunos de los momentos más asombrosos que se hayan visto en años (la escena de la lucha en el hotel en paralelo a otros acontecimientos me dejó embobado por completo). Por cierto, mucho hace la música de Hans Zimmer para que se consiga en más de un instante mantenernos pegados a la butaca sin respirar, y es que este compositor hacia ya tiempo que no firmaba en solitario una banda sonora tan buena.

El reparto es otro de los puntos fuertes de Origen, en el mismo podemos ver caras conocidas de películas anteriores del director londinense, como Cillian Murphy, que ya trabajó a las ordenes del mismo en Batman Begins y su secuela; en esos mismos films trabajó Michael Caine, aunque en esta ocasión su papel es muy secundario (aunque de cierta importancia); Ken Watanabe también participó en el primer Batman, pero se dio a conocer en occidente gracias a El último samurái. A Marion Cotillard la vimos junto a Jhonny Depp en Enemigos Públicos, dirigida por Michael Mann, mientras que Dileep Rao ha trabajado a las órdenes de Sam Raimi en la divertida Arrástrame al infierno; Ellen Page fue la chica que sorprendió a todo el mundo en Hard Candy y Juno, y a la que también vimos en X-Men 3: La decisión final, y que sigue prometiendo tanto como en su debut; Joseph Gordon-Levitt participó en la comedia romántica independiente que triunfó el pasado año, 500 días juntos, además de en G.I. Joe; a Tom Hardy lo veremos en la cuarta parte de Mad Max; Leonardo Dicaprio tiene ojo clínico para elegir proyectos y directores, ya que hace pocos meses lo vimos en otra de las películas del año, donde también se confundía la realidad y la fantasía, como es Shutter Island. Además también participa un casi irreconocible Tom Berenger (hacía tanto que no lo veía).

En fin, Origen es ya todo un clásico del cine de ciencia ficción (y de otros tantos géneros), una película que está planificada al milímetro, con una factura encomiable, un guión cuidado, un elenco de lujo, y sobre todo que tiene un gran respeto a la inteligencia del espectador. Es uno de esos filmes que te piden volver a verlos, que estoy seguro ganará a medida que pase el tiempo, una de esas cintas que marcan una época (o el inicio de otra).


LO MEJOR:
-La pelea del hotel paralela al accidente de la furgoneta, simplemente alucinante.
-La idea de la película y cómo ha sido llevada a cabo.
-El reparto, geniales todos (aún así destacar a Joseph Gordon-Levitt, y el polifacético Cillian Murphy).
-La banda sonora, sorprende el trabajo de Hans Zimmer.
-Que requiere un poco de esfuerzo por parte del espectador (o sea, que mejor no pongas el cerebro en modo off).
-El montaje, y más si tenemos en cuenta la complejidad de los acontecimientos en el último acto.
-Aunque lo veía venir, el último plano.

LO PEOR:
-Quizá que, según mi punto de vista, tarda un poco en despegar.

¿Quién debería verla?
A cualquiera que le guste el cine fantástico, los fans de Nolan y del buen cine en general.

¿Y quién no?
En realidad se la recomiendo a todo el mundo, pero claro, si películas como The Matrix te resultaron imposibles de pillar (conozco un caso muy grave al respecto), probablemente con esta te pase lo mismo.


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El Equipo A

Un grupo de soldados estadounidenses, encabezados por John "Hannibal" Smith, son acusados injustamente y condenados a diez años de prisión por un tribunal militar. No obstante logran escapar y harán todo lo posible para demostrar su inocencia.

El Equipo A (The A-Team) es la adaptación cinematográfica de la mítica serie de los ochenta, en la que unos veteranos de Vietnam eran condenados “por un delito que no habían cometido”. El film, dirigido por Joe Carnahan, sigue más o menos esta premisa, como podéis comprobar por la breve sinopsis que he escrito del mismo, pero se podría decir que no tiene mucho más que ver (aunque mantiene el espíritu). En este caso ya no son veteranos de Vietnam, sino que lo son de Irak, por otro lado siguen teniendo cierta habilidad en el bricolaje, y la personalidad de los personajes en general se mantiene. Sin embargo, que nadie espere ver un episodio largo de la serie, puesto lo que nos ofrece esta adaptación es lo que promete desde el primer minuto, que no es otra cosa que acción y humor sin complejos ni pretensiones.

Así pues, el director de Ases calientes ha cogido la serie original, sus personajes, su argumento, y su esquema, y ha roto en buena medida con ello (hecho que ya se ve en la escena inicial, de forma literal), haciendo un producto que, si somos más objetivos que nostálgicos, hay que reconocer que es superior a la serie creada por Stephen J. Cannell y Frank Lupo, y no sólo porque está plagada de escenas espectaculares, sino también por el sentido del humor que impregna buena parte de sus escenas, aunque sin caer en la paradia facilona, y por haber logrado que su desarrollo no tenga altibajos, sino que es un crescendo constante de diversión (con algunos momentos que rozan el surrealismo), además, aquí sí que muere gente (aunque en realidad se echa de menos una escena en la que salga un coche volando, dé tropecientas vueltas de campana, y salgan sus ocupantes tan panchos poco antes de que estalle el vehículo).

El nuevo equipo está interpretado por el últimamente hiperactivo Liam Neeson (Venganza, Kinsey) que sustituye como Hannibal al fenecido George Peppard; Bradley Cooper (Resacón en Las Vegas) es el mujeriego Templenton "Fénix" (o "Face", o "Faceman") Peck, en vez de Dirk Benedict; Quinton «Rampage» Jackson se mete en los músculos de M.A. Baracus; y Sharlto Copley (District 9) en el papel del genial loco Murdock. A ellos hay que sumar a Jessica Biel (Steahl: La amenaza invisible) interpretando a una militar y encima ex-pareja de Peck, y a Patrick Wilson como un intrigante agente de la CIA. Del reparto el que quizá tenga menos carisma es Quinton Jackson (difícil superar a Mr. T), mientras que Liam Neeson está genial como el líder del grupo, y aunque al principio se echa de menos al Murdock original (que encarnaba Dwight Schultz) a medida que avanza la trama se le coge cariño a Copley; Bradley Cooper también da la talla con la encarnación de su personaje.

En definitiva, El Equipo A es puro cine veraniego, de esas películas que sirven para desconectar durante dos intensas horas, olvidarte de la rutina y los problemas diarios. Una cinta muy divertida que encandilará a los fans del cine de acción.


LO MEJOR:
-El reparto, pienso que bastante acertado.
-La acción y el humor que destila el conjunto.
-Los efectos especiales, bastante logrados.
-El montaje.

LO PEOR:
-Ese grupo de iraquíes que parecen tan agradecidos a Hannibal.
-Esa obsesión de poner la cámara pegada a la acción.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de acción, y también la serie original.

¿Y quién no?
Si eres de esos que han encumbrando a la serie original en un pedestal tan alto que ante el mínimo pensamiento de cambio se echa las manos a la cabeza.

El detalle:
Tras los créditos hay una escena con dos simpáticos cameos.


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Las Vidas Posibles de Mr. Nobody

Estamos en el año 2092, Nemo Nobody es el último hombre mortal, todo un espectáculo mediático y a la par un gran misterio, pues nada se sabe de su pasado. Un psicólogo intentará escarbar en su mente para hacerle recordar cómo fue su vida.

 

Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody) es una película extraña, en ocasiones se podría considerar casi experimental, y es extraña no por el simple empaque visual, la forma que el director Jaco Van Dormael (El octavo día) nos muestra la historia, sino también por la historia en sí (también escrita por el realizador, que partió para ello de uno de sus cortos Es peligroso asomarse), o debería decir las posibles historias.

 

Se tarda un poco en meterse en el particular mundo de Nobody, pero una vez se hace no se sale hasta prácticamente el final del film, y es que, como apunto en el párrafo anterior, Las vidas posibles de Mr. Nobody no es una película vulgar, tanto en el plano estilístico como en el narrativo nos hallamos ante una obra peculiar, con momentos verdaderamente bellos y emotivos (maravillosos muchos de sus planos) y otros desconcertantes, incluso raros. Si nos fijamos sólo en la forma quizá sólo veamos un filme de ciencia ficción, pero si miramos el fondo, lo que verdaderamente es, es una historia de amor (o más bien dos historias de amor y una de no-amor), un drama romántico de ciencia ficción. Y es que sobre lo que gira el argumento al fin y al cabo es eso, sobre una persona que al realizar tal o cual elección acabará lamentándose de no haber conseguido el amor de su vida, o por otra parte puede que sí lo consiga. Entonces, más que el destino o el amor, podríamos afirmar que el núcleo de la cuestión está en las elecciones, y en la posibilidad de cambiarlas.

 

Jared Leto (Alejandro Magno) es Nemo Nobody, el joven actor es el protagonista absoluto, y lo que es a mí me ha convencido del todo, creo que ha hecho un gran trabajo, y según él ha sido el papel más complicado de su carrera; lo secundan Diane Kruger (Troya, Malditos bastardos) en el papel de Anna, con la que compartirá una preciosa historia de amor; Sarah Poley (Amanecer de los muertos, Splice) como Elis, personaje que es absolutamente desgarrador (resulta muy curioso observar la diferencia entre dicho personaje y el que aparece en el cartel de la película); la tercera en discordia es Jeanne, a la que pone rostro Linh-Dan Phan (Ninja Assassin); mientras que otros interpretes a destacar, que participan en mayor o menor medida, son Rhys Ifhans (Greenberg), como el padre de Nemo, y como la madre de éste Natasha Little (Sólo ellos); destacar también el trabajo de Toby Reqbo y Juno Temple, en los papeles de Nemo y Anna adolescentes.

 

Como decía, se tarda un poco en entrar en el juego que nos plantea el cineasta belga, pero una vez se hace Las vidas posibles de Mr. Nobody resulta no meramente divertida, sino fascinante. Estamos ante un film inspirado e inspirador, con escenas impagables, de una belleza plástica y narrativa fuera de toda duda, cuyo único pero se podría poner en el final, que al menos a mí no me ha convencido, me ha dejado este un sabor agridulce, a pesar de que el resto del metraje me ha dado tan buenas sensaciones. No obstante es un filme muy recomendable, sobre todo para quien desee ver algo diferente, y también para aquellos que disfruten con una bonita historia (bonitas historias más bien) romántica, que no empalagosa.

LO MEJOR: 

-El estilo visual.

-La historia entre Nemo y Anna, realmente hermosa.

-La forma en que está narrada la historia, o mejor dicho, las posibles historias.

-Los intérpretes, destacando una descarnada actuación de Sarah Poley.

-Es una obra no sólo con momentos muy inspirados, sino que además inspira.

 

LO PEOR:

-El final no me convenció por completo, no es tan redondo como el resto del metraje.

 

¿Quién debería verla? 

Si te apetece ver una obra diferente, o si eres de los que le gusta el cine arriesgado y con toques experimentales.

 

¿Y quién no?

Si el simple hecho de pensar ver películas distintas te da canguelo (me viene a la cabeza ahora esa maravilla visual que es The Fall: El sueño de Alexandría).

Shoot 'Emp Up

Un hombre (más adelante sabremos que se hace llamar Smith) se come tranquilamente una zanahoria en la parada de autobús a las tantas de la noche, cuando observa como pasa delante de él una mujer embarazada. A los pocos segundos un coche derrapa y choca contra otro, del mismo sale profiriendo insultos un tipo con pinta de pocos amigos. Este individuo sigue a la embarazada con una pistola en ristre. A Smith eso no le gusta, así que ni corto ni perezoso salva a la mujer en el último instante y de paso le ayuda a dar a luz. Pero ahí no acaba la cosa, ya que aparecen muchos tipos que parecen empeñados en acabar con la vida de la mujer. Pero Smith no es alguien que se deje impresionar con facilidad, y menos si tiene un arma entre las manos.

Este es el comienzo de esta curiosa y excéntrica película donde la acción prima ante todo, una acción que dista de ser realista (ni de pretenderlo) y que nos ofrece de paso momentos realmente geniales. Y es que Smith parece inmune a las balas (eso, o es que los malos tienen muy mala puntería), pero sin embargo él solito es capaz de cargarse a decenas de contrarios casi sin despeinarse en escenas cada cual más rocambolesca y exagerada. Ese estilo excesivo me ha hecho acordarme de filmes como Dobermann y la más reciente Wanted, aunque Shoot 'Emp Up se toma menos en serio a sí misma que la segunda.

Otro de los puntos fuertes son los personajes, que para mantener la tónica general también son extravagantes, empezando por Smith quien se encarga de meterse en el papel un irreverente Clive Owen (Hijos de los hombres), que nos trae a un tipo comedor compulsivo de zanahorias (de hecho incluso le da en algún que otro momento usos varios) y que le molesta casi todo; por otro lado tenemos al malo, que interpreta Paul Giamatti (Entre copas, Cold Souls) con mucha mala leche; y para completar el trío nos falta la mujer, que ahí es nada menos que la exuberante Monica Bellucci (Malèna), quizá la más normal de los que se pueden considerar papeles principales. El resto del elenco interpretativo no tiene un gran protagonismo, aunque hay que nombrar a Stephen McHattie (Watchmen, Una historia de violencia), como el dueño de una empresa armamentística.

Shoot 'Em Up es un film que no se toma en serio a sí mismo, y como tal hay que verlo para poder disfrutarlo, si no lo único que puede conseguir es la más pura de las incredulidades; aunque ciertamente es complicado no entrar en el juego, ya que desde el primer plano queda claro cuál es el estilo que le ha querido dar Michael Davis, su director y guionista. Un buen divertimento que encandilará a muchos y que sin duda también causará repulsión en otros.

LO MEJOR:
-Que no se toma en serio a sí misma.
-La mayoría de las escenas de acción, muchas de ellas absolutamente hilarantes.
-Clive Owen y Paul Giamatti.
-El estilo visual también resulta muy interesante, se nota que toma como referencia los cómics.

LO PEOR:
-No le pongo ninguna pega, aunque a algunos tanta hilaridad no les convencerá.

¿Quién debería verla?
Quien guste del cine de acción sin pretensiones.

¿Y quién no?
Quien tienda a cuestionarse todo a pesar del evidente tono jocoso del film.


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Toy Story 3

Hace ya 15 años los estudios Pixar sorprendieron al mundo con la primera película animada realizada por completo en tres dimensiones (no estereoscópicas...), en la que unos juguetes cobraban vida en cuanto los dejaban solos en la habitación. Después de dicho tiempo, y una exitosa secuela, nos llega la que es la tercera y, supuestamente, última entrega de las aventuras de Woody, Buzz y compañía, que se ha estrenado tanto en salas 3-D como en cines convencionales. Para realizar esta nueva aventura se reunió el mismo equipo de Toy Story y Toy Story 2, dirigidos por Lee Unkrich, quien ya fue co-director en la segunda parte, así como en Monstruos S.A., y Buscando a Nemo. Toy Story 3 viene precedida de un gran éxito en norteamérica, éxito que sería extraño no se repitiese por estos lares.

En esta ocasión nos encontramos con que Andy ya es mayorcito y está a punto de ingresar en la universidad, por lo que los juguetes temen por su futuro. Y bien que hacen, puesto que por avatares del destino acaban atrapados en una guardería llena de criajos muy peligrosos.

Si bien la sinopsis que he escrito es breve y sencilla, eso no quiere decir que el argumento sea tan simple, sino que tiene sus entresijos que siempre es mejor que los descubráis por vosotros mismos. Yo lo hice a pesar de que tampoco era un filme que tuviera marcado como ineludible, de hecho, en principio me daba pereza ir a verlo, no obstante al leer un par de comentarios muy positivos y el ser consciente de que Totoro hace más que un cameo (además de tener cierto mono tras casi un mes sin acudir a una sala), me sirvió de excusa para acercarme a mi cine habitual, acomodarme en la butaca entre niños, padres y gente joven en general, y disfrutar de una película que uno se olvida por completo que es de animación (aunque tampoco creo que recordarlo sea un inconveniente). ¿Y con esto qué quiero decir?, pues que estamos ante una obra que no es simplemente entretenida, que no se queda en la pura diversión, sino que consigue atraparte a medida que avanza la historia, que te entusiasma, que te enganchan la mayoría de sus personajes, que te ríes con su magnífico sentido del humor, con la que sufres en los momentos aciagos, que te hace vibrar en las escenas de acción, incluso te ponen en tensión en determinados momentos... En definitiva, que te emociona de todas las maneras posibles (y muy especialmente en el desenlace), y eso es mucho, sobre todo si lo comparamos con los subproductos (sobre todo de imagen real) que estrenan últimamente, cuya capacidad para que empatice el espectador es tan nula que nos da igual el destino de sus personajes de cartón-piedra.

Técnicamente es brillante, desde la escena aparentemente más sencilla hasta la más compleja están cuidadas al detalle, las texturas, los diseños de los personajes así como sus expresiones y movimientos (especialmente graciosos Ken y algún que otro -tronchante- momento, muy hispano, de Buzz Lightyear) resultan tremendamente naturales, habiendo instantes en que uno no sabe si lo que está viendo es real o no (y sí, no tienen la misma “piel” los muñecos y los humanos...). Acompaña a todo ello una buena banda sonora (en la línea de las dos entregas anteriores, de hecho es Randy Newman el compositor de las tres partituras), y un muy buen sonido; pero lo más importante, y que no falla, es la historia, mucho más dramática y oscura que las anteriores.

En definitiva, Toy Story 3 no desmerece en absoluto de las películas que le preceden (si acaso es superior), está plagada de momentos geniales, de aventura y mucho humor, pero sobre todo tiene una capacidad enorme para emocionar. Merece la pena verla.


LO MEJOR:
-Todo (y que salga Totoro).
-Por su espectacularidad: la escena del vertedero. Por su emotividad: el final.

LO PEOR:
-Nada (y que no saliera Totoro).
-Bueno, si me pongo, quizá el malo, aunque de aspecto atípico, en el fondo sí que es típico.

¿Quién debería verla?
Grandes y pequeños disfrutarán por igual, o sea, todo el mundo.

¿Y quién no?
¿No has leído lo anterior?

La curiosidad:
Como ya he indicado, uno de los personajes secundarios es el mismísimo Totoro del filme Mi vecino Totoro de Hayao Miyazaki, esto hace ver la buena relación que hay entre Pixar y Ghibli, o lo que es lo mismo: Lasseter y Miyazaki.


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Legión

Nos encontramos en una perdida estación de servicio (Paradise Falls, para más inri) a las puertas del desierto de Mojave, allí Bob Hanson (un fantástico Dennis Quaid) golpea el televisor incesantemente mientras que la familia Anderson espera a que le reparen el coche, Kyle Williams, un tipo con malas pulgas, busca un teléfono, y una anciana con andador le pide a Charlie, la embarazada camarera, un filete poco hecho. Pero algo raro comienza a ocurrir, la señal de radio y televisión se pierden por completo, unas misteriosas nubes se ven en el horizonte, y viene un extraño individuo con un coche de la policía de Los Ángeles repleto de armas, instándoles a encerrarse en la estación. No tardarán mucho en comprobar lo que ocurre.

Entretenido film de serie B dirigido por Scott Stewart (antiguo encargado de efectos especiales en diversos filmes), quien también llevará en breve a la pantalla el cómic coreano Priest. Con esta película (aunque parece que hay pretensiones de que sea trilogía) Stewart ha querido narrar un Apocalipsis un poco distinto, a la par que nos da una nueva imagen de los ángeles (que parece que se van a poner de moda, pues hasta libros están sacando ya) y del mismo Dios, que no es precisamente compasivo. Y todo ello a través de unos personajes variopintos: el traidor, el chico tímido pero de fuertes convicciones, el hombre perdido, la familia no muy feliz, el amigo negro y simpático del dueño, el dueño cascarrabias de la estación, la camarera de la que pende el destino de la humanidad y que además odia al retoño que lleva en su interior...

Y por lo tanto un pilar importante es el reparto, que a mi entender ha sido sabiamente escogido, comenzando por un Dennis Quaid (El día de mañana, G.I. Joe) inédito, cuyo papel como habréis dilucidado me ha gustado bastante; y pasando por el desobediente ángel Miguel, o lo que es lo mismo, Paul Bettany, el que fuera el asesino albino en El código Da Vinci y que será el protagonista en la mencionada Priest; por otra parte como la nueva "virgen" María tenemos a la guapa Adrianne Palicki (Women in Trouble), chica que me resulta como una mezcla entre Denise Richards y Michelle Rodríguez; Kevin Durand, al que hemos visto hace muy poco en Robin Hood, es el ángel Gabriel; Lucas Black (La guerra, Get Low) es Jeep Hanson, hijo del personaje de Quaid, un perdedor que está colado por la camarera, la cual no le hace mucho caso; Kate Walsh (Anatomía de Grey) es la madre quejica y resentida, su irónico marido es Jon Tenney (El padrasto), su hija rebelde está encarnada por Willa Holland (Genova); además también tenemos a Charles S. Dutton (Caprichos del destino) como el cocinero fiel, y a Tyrese Gibson (Transformers: la venganza de los caídos) como el hombre en proceso de divorcio. El reparto, pues, encaja y funciona a la perfección, sobre todo en los muchos ratos que permanecen encerrados en la estación.

Una buena realización, un sentido del humor con algunos golpes muy divertidos, algún que otro inquietante momento, muchos disparos y un poco de sangre hacen de la mayor parte del debut en la realización de Stewart una película divertida como pocas. No obstante, si todo el desarrollo de la trama te mantiene pegado (y muy especialmente los momentos iniciales), el desenlace te despega un tanto, ya que se alarga en exceso, quizá de manera un tanto artificiosa en ciertos instantes.


LO MEJOR:
-Pues casi todo, hay momentos realmente hilarantes.

LO PEOR:
-El desenlace, demasiado alargado.

¿Quién debería verla?
Si te mola el cine de serie B.

¿Y quién no?
¿El que tenga fuertes convicciones religiosas?


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Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo

A pesar de las órdenes de su padre, Tus, príncipe de Persia y heredero al trono decide atacar la ciudad sagrada de Alamut. El asedio a la ciudad resulta un éxito gracias al hermano menor, Dastan, pero cuando comienzan a celebrar el éxito éste es culpado de cometer un crimen, por lo que es perseguido por todos. Dastan escapa con Tamina, la princesa de Alamut, y junto a ella intenta averiguar quién cometió realmente el crimen; pero la princesa esconde más de un secreto.

Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo (Prince of Persia: The Sands of Time) es la primera película de una posible trilogía basada en la saga de videojuegos creados por Jordan Mechner, que además participó activamente en la creación del argumento de este filme así como en la escritura del guión (suya fue la primera versión que luego reescribieron a seis manos Boaz Yakin, Doug Miro y Carlo Bernard), por lo que se puede asegurar que estamos ante una adaptación fiel al personaje original, especialmente a la trilogía (ahora tetralogía) de juegos que salieron entre 2003 y 2005. El encargado de llevar a la gran pantalla las aventuras saltarinas del príncipe de Persia no es otro que el británico Mike Newell, con experiencia en el cine juvenil gracias a El Cáliz de Fuego, o lo que es lo mismo, la cuarta entrega de la saga Harry Potter y del que se especuló que podría dirigir la próxima entrega de Spiderman (aunque al final será Marc Webb); y, sinceramente, creo que Newell ha realizado un gran trabajo a la hora de trasladar la saga de aventuras plataformeras a la pantalla grande, habiendo creado un producto que bebe del cine clásico de aventuras, pero que no se queda anquilosado, además el desarrollo no se apoya en mostrarnos un aluvión de efectos digitales (que los tiene, pero en la mayoría de los casos se usan para la creación de escenarios), sino en la evolución de los personajes protagónicos (en su mayoría un tanto vistos, y por lo tanto previsibles, pero que se hacen querer) y sobre todo en las escenas de acción y las persecuciones sobre los tejados. Como contrapunto a estos datos positivos, decir el empeño del realizador de marearnos con ciertos movimientos de cámara, y de poner la misma a dos palmas de la acción en los primeros tramos del film.

Jake Gyllenhaal (La verdad oculta, Donnie Darko) es el encargado de meterse en el personaje de Dastan, el príncipe sin sangre real pero de gran corazón, en lo que a mí respecta creo que la elección de este actor es más que acertada, ya no sólo porque guarda cierto parecido con el personaje videojueguil, sino que también cumple físicamente; como la princesa Tamina tenemos a Gemma Arterton (007 Quantum of Solace), actriz que desde que la vi en The Disappearance of Alice Creed no dejo de ver por todos lados (además literalmente), y que hace poco también vimos en un film de aventuras mitológicas como es Furia de Titanes, aunque con un personaje más encorsetado que éste, aquí es la típica princesa cuya belleza deja sin habla a todo el mundo, lo malo es que ella no se calla; como Nizam, hermano del rey, está al gran Ben Kingsley (Shutter Island), que lo mismo te hace un drama como una película puramente comercial; el papel sin lugar a dudas más divertido de todos es el de Alfred Molina (Spiderman 2, Frida), que es el jeque Sheik Amar, o lo que es lo mismo, un empresario capitalista antifiscalidad, y como digo es el que pone los puntos más divertidos e hilarantes de todo el filme; el rey es Ronald Pickup (La misión); y los otros príncipes son Richard Coyle (Happy Now) y Toby Kebbell (El aprendiz de brujo).

Como filme de aventuras Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo es una gran película, de esas que te diviertes más a medida que avanza su metraje, dejándote al final un gran sabor de boca. Bien es cierto que sus personajes principales no son nada nuevo (la pareja que se lleva fatal pero que se sabe que acabarán liados), también que algunas de sus situaciones están cogidas con pinzas o son predecibles, pero son detalles que uno perdona en pos del espectáculo y del buen entretenimiento.


LO MEJOR:
-Esa capacidad de divertir de principio a fin.
-Gemma Arterton, esta actriz además de ser realmente hermosa es muy buena (véase en la mencionada The Disappearance of Alice Creed).
-La factura técnica, aunque en los momentos que usan la daga se nota demasiado que está realizado con ordenador.
-Que en el fondo es una aventura de las de toda la vida.
-Creí que me iban a dar por saco, pero al final estar al lado de un grupo de niños resultó aumentar el divertimento en puntuales momentos, como en la escena del beso.

LO PEOR:
-Los personajes excesivamente arquetípicos, así como muchas situaciones igualmente típicas.
-Que Gemma Arterton se haya casado... y encima con un tipo 13 años mayor que ella.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine palomitero y de aventuras (las dos primeras entregas de La momia de Sommers, Indiana Jones, etc...)

El videojuego:
El primer juego de Prince of Persia salió allá por el año 1989 para Apple II, sorprendiendo a propios y extraños por sus fluidas animaciones. La última entrega de la saga ha sido Las arenas olvidadas, que ha salido a la venta casi al mismo tiempo que el estreno del filme, y narra los acontecimientos acaecidos entre Las arenas del tiempo y El alma del guerrero.


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Robin Hood (2010)

Robert Longstride es un arquero que ha ido a las cruzadas bajo las órdenes de Ricardo Corazón de León. Por azares de la vida, se ve obligado a hacerse pasar por un noble para poder llegar a Inglaterra. Ya en su país va a Nottingham para cumplir una promesa, allí hace un pacto con Sir Walter Loxley a cambio de que le cuente su olvidada historia.

Ridley Scott (Alien, el octavo pasajero) dirige la que es la enésima versión de la leyenda de Robin Hood desde que Douglas Fairbanks rodara la versión muda más famosa (y antes que él ya se habían metido en el personaje más de un actor), aunque en esta ocasión la historia escrita por Brian Helgeland, guionista de la reciente Green Zone: Distrito Protegido, no narra los típicos acontecimientos que tantas veces se han contado (véase la entretenida Robin Hood, príncipe de los ladrones, de Kevin Reynolds) sino que la han querido mostrar desde otro punto de vista, aunque no por ello estamos ante algo completamente distinto (como apuntaba el proyecto inicial, donde Crowe haría no sólo de Robin, sino también de sheriff de Nottingham, y con los papeles de "bueno" y "malo" invertidos). Lo primero que llama la atención es que Robin ya no es noble, sino un simple soldado, eso sí, es un tipo muy honesto, tanto como para decirle al rey la verdad a la cara; hay también otros cambios, sobre todo en la manera que conoce a sus compañeros de aventuras, puesto lo que son los personajes en sí se mantienen.

Russell Crowe (Virtuosity) es el Robin Hood más viejo junto con Sean Connery, aunque este último no tenía un papel (en el film Robin y Marian) de tanta acción como el protagonista de Gladiator, de hecho en los primeros compases uno no acaba de convencerse de que Crowe sea Robin, pues no es la típica imagen que tenemos del héroe, no obstante no se tarda mucho en asimilarlo. Cate Blanchett (El curioso caso de Benjamin Button) tampoco me pegaba para Lady Marian, sobre todo por ese cabello teñido, pero he de reconocer que al final sí que me ha gustado como tal, aunque su interpretación me resultó un tanto rígida. Entre otros intérpretes tenemos al incombustible Max Von Sydow (Solomon Kane) como Sir Walter Loxley, de monje tenemos a Mark Addy, que trabajó a las ordenes de Helgeland en dos de sus películas como director; Kevin Durand (Perdidos, Legión) es Pequeño John, y no puedo acabar sin destacar otro secundario de lujo como es William Hurt (A.I. Inteligencia Articial, El Bosque).

Robin Hood es una divertida película de aventuras, su desarrollo resulta dinámico y el nuevo punto de vista que le ha dado Scott le ha sentado bien, no obstante la última parte del filme sí que resulta más convencional, además la aparición de cierto personaje en la batalla de la playa me resultó algo forzada, y poco creíble. Si te gusta el cine de aventuras seguro que disfrutas.


LO MEJOR:
-Ese nuevo punto de vista del personaje.
-El mensaje de que "los corderos se conviertan en leones", y de "libertad por ley". De hecho hay mucho en la película que se puede trasladar a la actualidad (en ese aspecto me recuerda a otra obra medieval de Scott, la fallida El reino de los cielos).

LO PEOR:
-La última parte gira hacia derroteros ya vistos demasiadas veces, y con ello me refiero principalmente a la batalla en la playa, una especie de desembarco de Normandia de capa y espada.

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de aventuras.

¿Y quién no?
Russell Crowe no puede dejar de ser Russell Crowe, así que si no lo tragas para nada quizá te cueste digerir este film.

La pregunta:
¿Realmente hacia falta hacer otra película de Robin Hood?

Más Ridley Scott:
Los próximos proyectos del director son nada más y nada menos que dos precuelas de Alien rodadas en 3D.


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Cuentos de Terramar

Sucesos extraños están acaeciendo en la tierra de Terramar, los transformadores del clima olvidan los nombres verdaderos del mar y del viento, los hombres se quedan sin ganas de vivir, los magos pierden sus poderes y los marineros afirman haber visto dragones luchar. Gavilán es un archimago que viaja en busca de la respuesta a tales misterios, y en su camino se encuentra con Arren, un príncipe perdido entre sus propias tinieblas; entonces el mago le propone que viaje con él. Juntos emprenden el camino que hará que ambos encuentren respuestas.

Basada en la serie de novelas de Ursula K. Leguin y en el manga "El viaje de Shuna" de Hayao Miyazaki, Cuentos de Terramar (Gedo Senki) es el debut en la dirección del hijo de este último.

Teniendo en cuenta que la experiencia previa de Goro Miyazaki era, básicamente, nula, no puede uno sino admitir que su primer trabajo ha sido satisfactorio. Si bien es cierto que tanto la animación como el diseño de los personajes, así como los fondos, no llegan a la excelencia de otras producciones de Ghibli. También es cierto que el tiempo empleado en la producción de esta obra fue de tan sólo nueve meses, lo que viene a ser aproximadamente la mitad del tiempo que tarda Miyazaki padre en realizar la mayoría de sus obras; dicha reducción de tiempo (y por lo tanto de presupuesto) se traduce en fondos menos trabajados, con menos detalles; diseños de algunos personajes no muy cuidados (el de Tenar, por ejemplo) y algunos otros muy parecidos a obras anteriores del estudio (aunque es bien cierto que no es la única película de Ghibli donde ocurre, en ésta se me hace más evidente); personajes poco expresivos (me remito también a Tenar) y menos "figurantes" en movimiento en las ciudades, así como un mayor uso del ordenador. Con esto no quiero decir que Cuentos de Terramar sea como un episodio de Doraemon, sin duda la calidad media del film, técnicamente hablando, es bastante buena, no todos los escenarios están desdibujados, la ciudad por ejemplo está plagada de detalles, ni el diseño de todos los personajes es simplista, ahí tenemos a Therru o Gavilán; y por supuesto tiene muchas escenas cuya animación es sobresaliente (como la final o la inicial).

Ya hace años que Hayao Miyazaki iba detrás de esta adaptación, él mismo quería animar el mundo de Terramar, no obstante la autora, ante el desconocimiento de los trabajos anteriores del director, declinó la oferta. Cuando al final se decidió a vender los derechos al Studio Ghibli pensaba que iba a ser el autor de Nausicaä el que dirigiera el filme, no obstante al final fue el hijo de éste el que tomara la batuta del proyecto, aun cuando el padre no estaba de acuerdo con ello, se negaba en rotundo a que su retoño se dedicara a la animación, tanto que incluso dejaron de hablarse (hecho que es fácil de comprobar, pues tan sólo hay que visionar los extras de la magnífica edición de 2 discos). A pesar de ello parece que a Hayao no le disgustó el trabajo de Goro; pero no pasó lo mismo con la autora de la obra original, la cual no quedó satisfecha con la adaptación, le molestó algunos cambios realizados (como el cambio de color de ciertos personajes), además la decisión de Goro de basarse en los libros tres y cuatro en vez de empezar por el principio no hizo sino que esta opinión se afianzara más. Yo, que aún no he leído ninguno de dichos libros, no puedo opinar al respecto, aunque viendo que las novelas de Le Guin han tenido una enorme influencia para Miyazaki, creo que me las leeré en un futuro próximo.

De hecho, y quizá por todo lo mencionado anteriormente, puede que, en un primer visionado, resulte confuso algunos aspectos de la historia (a mí me pasó al menos), pero nada como verla de nuevo para captarla de otro modo.

Cuentos de Terramar no es de las mejores películas que ha producido el Studio Ghibli, pero aún así estamos ante una buena película de animación, con una ambientación interesante y una historia atrayente que sin duda logrará enganchar a los fans del estudio nipón, y que dejará con ganas a más de uno de comprobar si las buenas vibraciones que ha transmitido Goro Miyazaki en su primer trabajo se ven ratificadas en su próximo proyecto.

LO MEJOR:
-La música, obra de Tamiya Terashima, y en la que ha colaborado Carlos Núñez (muy interesantes los extras de la edición metálica al respecto).
-Algunas imágenes de singular belleza.
-Que en su debut Goro Miyazaki haya logrado realizar un film tan notable.

LO PEOR:
-Los puntos negativos que ya he anotado: algunos diseños de personajes, falta de detalles en los fondos, etc...
-No entiendo la decisión de no adaptar los primeros libros, hubiera sido lo más lógico.

¿Quién debería verla?
Los fans de Ghibli, y pienso que los que gusten de la fantasía pero que no hayan leído los libros de Le Guin (que supongo que pueden estar especialmente susceptibles ante la adaptación).

La edición en DVD:
En mi caso adquirí la edición metálica de dos discos, en cuya carátula podemos ver una bella ilustración de un mosaico de un dragón. Por otra parte, yendo al contenido, la calidad de la imagen es inmejorable, el doblaje al español también es muy bueno (en esto Aurum no nos ha fallado en ninguna ocasión) y los extras, sin ser abundantes sí que son interesantes, muy especialmente el reportaje sobre la creación de la banda sonora, donde un simpático Carlos Núñez me contagió por completo su entusiasmo; además de dicho reportaje incluye los tráilers y spots originales, el storyboard, cómo se creó la canción de Therru, un especial de NTV, así como sesiones de doblaje.

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Iron Man 2

Hace un par de años Jon Favreu (Elf) y Robert Downey Jr. (Tropic Thunder, Kiss Kiss Bang Bang) sorprendieron a propios y extraños con Iron Man, un film que gustó a casi todo el mundo, y que seguía la estela de Nolan y su Batman Begins, o sea, lo intentaron plasmar de una forma más o menos realista. El invento funcionó muy bien (570 millones de dólares), así que no se tardó mucho en confirmarse una secuela.

En la entrega anterior el ególatra Tony Stark confirmaba a la prensa que él era Iron Man, tras ello, además de fama, consiguió que la Tierra se sumiera en un periodo de paz, pero hay gente que no está convencida con Stark, de hecho es el mismísimo gobierno estadounidense (a través del senador Stern) quien reclama que Industrias Stark debería ceder la armadura al gobierno. Pero ese no será su único problema, el paladio de la batería que alimenta el generador está contaminando su sangre, y encima un ruso loco con ganas de venganza ha aparecido en escena.

Iron Man 2 sigue la estela de se predecesora, pero como suele ocurrir con las secuelas, amplifica todo, dando más acción, más efectos especiales, más personajes y en este caso una historia igualmente entretenida, con momentos como la lucha final contra un ejército de drones o la inclusión de Máquina de Guerra o Viuda Negra, además de que éste es el primer filme donde Nick Furia tiene un papel más o menos relevante (en Iron Man y El Increíble Hulk hacia un cameo tras los créditos), allanando el camino hacia el esperado film de Los Vengadores.

En el reparto nos encontramos con el mismo elenco que en Iron Man, más alguna que otra incorporación interesante. El primero, el malo maloso, Whiplash/Latigazo (que al parecer es una mezcla de dos personajes de los cómics: Dinamo Carmesí y Whiplash), que le pone piel el resucitado, cinematográficamente hablando, Mickey Rourke (Sin City, Los Mercenarios); Scarlett Johansson (Lost in traslation) es Natasha Romanoff, más conocida como Viuda Negra, una chica de armas tomar donde las haya; Samuel L. Jackson (Shaft The Return, The Spirit) es el tío del parche, o sea, Nick Furia, que poco a poco unirá a unos cuantos personajes de la Marvel; Sam Rockwell (Moon) es Justin Hammer, presidente de la gran competidora de Industrias Stark; Don Cheadle (Hotel Ruanda) sustituye a Terrence Howard (el cual exigía demasiado dinero) como el coronel James Rhodes, y que en esta entrega se enfundará en la armadura de Máquina de Guerra; mientras continúa siendo Pepper Potts la bella Gwyneth Paltrow (Two Lovers), que aparece más que en la primera entrega, por lo que tendrá que soportar un poco más a Tony Stark. Jon Favreu aprovecha y sale tras las cámaras, además de dirigir.

Iron Man 2 no es lo que se dice una gran película, no logra sorprender como lo hizo la primera (o al menos parte de ella), pero sí que consigue algo muy importante, que no es otra cosa que divertir al espectador, ya sea con las ocurrencias de un Robert Downey Jr. en forma, o a través de espectaculares escenas de acción.

LO MEJOR:
-Natasha Romanoff, o lo que es lo mismo, la exuberante Scarlett Johansson.
-La lucha contra los drones.

LO PEOR:
-La escena inicial, cuando se lanza del avión, es de lo más mareante.

¿Quién debería verla?
Si disfrutaste con la primera, lo harás con ésta.

¿Y quién no?
Pues lo mismo que la anterior, pero al revés... (Si no te gustó la primera...)

Una pregunta:
No sé si es cosa mía, pero, ¿aparece el escudo del Capitán América en cierto momento? (Creo que alguien ya me sacó de esta duda...)

Hasta el final:
En las producciones de Marvel Studios siempre es mejor quedarse hasta el final de los créditos, y en esta ocasión también es así.

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Alicia en el país de la maravillas

Al ver que el último trabajo de Tim Burton se había estrenado en el IMAX pensé que sería bueno ver una película comercial en dicho cine, si bien es cierto que no salí maravillado, ciertamente la experiencia resultó agradable.

La historia comienza en la infancia de Alicia, donde vemos que la misma tiene unas pesadillas recurrentes y su padre la tranquiliza; tras ello una Alicia ya crecidita viaja con su madre hacia una fiesta, fiesta que ella desconoce que es la del compromiso de su matrimonio. Pero Alicia parece ver cosas raras, nada más y nada menos que un conejo que aparece en sus pesadillas. Lo sigue y acaba cayendo por un pedazo de agujero (una madriguera de conejo desde luego que no es) y llega al lugar de sus sueños: el País de las Maravillas. Allí la Reina Roja impone un gobierno tiránico cortando cabezas a quien se tercie. El cometido de Alicia será derrocarla.

El mundo creado por Lewis Carrol es idóneo para trasladar toda la imaginería visual de Tim Burton, y en ese aspecto no hay que quitarle méritos a esta adaptación libre de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo, donde se nos muestra una galería de personajes cada cual más excéntrico tanto en carácter como aspecto, además de unos escenarios realmente vistosos. No obstante eso no tapa el hecho de que estemos ante un film muy convencional en lo que se refiere al plano argumental (quizá se deba a la guionista de La bella y la bestia, Linda Woolverton, que firma el libreto), sobre todo a medida que avanza la trama, que encima pone un punto y final un tanto forzado y para nada creíble, siendo para mí dicha parte lo más fantástico de toda la película.

En el elenco tenemos caras conocidas, como el actor fetiche del director de Mars Attacks!, Johnny Depp (Enemigos públicos, Piratas del Caribe), que como todos sabéis se mete en la piel del Sombrerero Loco; un personaje que no está mal pero que no será de los más recordados de este actor. Como Alicia tenemos a la semidesconocida Mia Wasikowska, a la que hemos visto en películas tan dispares como El territorio de la bestia o Resistencia, pero es éste el filme que supone toda una oportunidad para esta mozalbeta de 20 años; como la Reina Roja tenemos a la mujer del director, Helena Bonham-Carter (El planeta de los simios, El club de la lucha), que para mí es la que lo ha hecho mejor; Crispin Glover (Regreso al futuro) es la Jota de Corazones, o lo que es lo mismo, el brazo derecho de la mencionada reina; a la Reina Blanca le pone rostro Anne Hathaway (Princesa por sorpresa, Passengers), una Reina Blanca que al menos a mí me ha caído mal desde el principio con esos aires de niña pija (la Reina Roja mola más, desde luego), aunque es cierto que tiene un cierto toque de malicia bastante interesante; otros actores más o menos reconocidos y reconocibles ponen su voz y/o rostros a diferentes personajes como Alan Rickman (Harry Potter, Robin Hood: Príncipe de los ladrones) que presta su voz a la oruga Obsolem, Stephen Fry (Los amigos de Peter) dobla al sonriente gato, Michael Sheen (El desafio: Frost contra Nixon, Underworld 3) es el conejo blanco, mientras que Matt Lucas (Little Britain) da vida a los gemelos.

Concluyendo. Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland) es un filme que se deja ver, pero nada más. Una vez vista se olvida con una facilidad pasmosa, y es que aparte de unas pocas imágenes bonitas poco o nada aporta, pues la historia es bastante plana y los diálogos tampoco es que sean brillantes. Para pasar el rato.


LO MEJOR:
-Como suele ser habitual en los trabajos de Tim Burton, la imaginería visual siempre resulta, si no estimulante, al menos interesante.
-La banda sonora de Danny Elfman.

LO PEOR:
-La historia no es que sea muy allá.
-El final. En una sociedad tan encorsetada (como vemos al principio) esa tolerancia hacia la decisión de la muchacha no resulta creíble.

¿Quién debería verla?
Los niños son el público que potencialmente más disfrutará.

¿Y quién no?
Los fans más acérrimos de Burton, ya que corren el riesgo de sufrir una gran decepción (aunque supongo que ya la vieron el día del estreno).


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