Les Lyonnais

Siguiendo la recomendación de un compañero y amigo de andanzas literarias (además de amante del cine y de las buenas series) me acerqué a una sala para degustar Les Lyonnais (ídem, 2011) en versión original (con sus subtítulos). Se trata de un film franco-belga dirigido y escrito por Olivier Marchal, basándose libremente en el libro autobiográfico Por un puñado de cerezas de Edmond Vidal, y que cuenta precisamente, y a grandes rasgos, la vida de Vidal, alias Momon, pero centrándose en unos momentos concretos. Para ser más precisos, la historia comienza cuando la policía atrapa a Serge Suttel, amigo de toda la vida de Momon, y cómo este decide finalmente salvarlo de llevarse una buena cantidad de años entre rejas, pero no será su único problema, ya que Serge ha molestado a mafiosos con muy malas pulgas, y harán todo lo que crean necesario para acabar con él, incluido amenazar a aquellos que les ayuden.

American Pie: El reencuentro

Quien más y quién menos ha visto y se ha reído con alguna entrega de American Pie, ya fuera con la primera, que fue toda una sorpresa en su momento, o sus dos secuelas, así como otras cuatro películas sacadas directamente en DVD. Por lo tanto, lo que era una comedia para adolescentes se terminó convirtiendo en toda una saga con un gran número de seguidores. Conscientes de ello, los productores han reunido al elenco original, le han añadido unas pocas caras nuevas y le ha salido American Pie: El reencuentro (American Reunion, 2012).

Han pasado trece años de la graduación de Jim, Stifler, Finch y compañía, y nueve desde que se casó el primero, muchos años sin que el grupo se viera, y durante todo ese tiempo no todos han cumplido sus sueños, así que aprovechan la excusa de la reunión de la promoción del instituto para pasar un fin de semana como en los viejos tiempos.

The Woman

Y llegamos al ecuador de la 9ª Muestra Syfy con un filme que uno no sabía si esperarse una buena película o no, ya que algunos compañeros decían que era muy mala, y también se lo había escuchado decir a alguien de la cola, sin embargo si uno miraba las críticas no la ponían mal... vamos, que las opiniones estaban divididas.

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Nos encontramos en algún lugar de Estados Unidos, donde la típica familia media americana disfruta de una vida aparentemente normal: parecen felices, el negocio familiar va bien, viven en un lugar idílico junto al bosque. Un buen día el cabeza de familia sale a cazar y se tropieza con una pieza que anda a dos patas y es de nuestra especie: una mujer salvaje. El hombre, en su afán de hacer el bien, decide capturarla y encerrarla en el sótano para proceder a civilizarla. Pero quizá el modo de domeñar a la mujer no sea precisamente el más sutil y humanitario.

Porco Rosso

La primera vez que vi Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992) no supe qué opinar. Hasta, más o menos, la mitad de la cinta me entusiasmó, pero luego decayó mi interés por la misma, por lo que rápidamente me dije que tenía que visionarla en otro momento más propicio. Ese momento, obviamente, ya llegó, cambiando notablemente mi apreciación.

Marco Pagotto, más conocido como Porco Rosso, es un piloto de hidroavión que trabaja como cazarrecompensas en el mar Adriático, y que años atrás sufrió una maldición que lo convirtió, como su propio nombre indica, en un hombre con aspecto de cerdo.

Porco Rosso es una de las obras más personales de Hayao Miyazaki, basada en Cuadernos de apuntes, una serie de historietas que dibujó el propio Miyazaki para la revista Model Graphix. De hecho, al principio el film iba a ser un mediometraje que una compañía aérea encargó al estudio (ésta y otras curiosidades la podéis leer en la Antología del Studio Ghibli Vol. 1, un libro más que recomendable), pero el proyecto gustó tanto a sus creadores que terminaría por convertirse en largometraje.

Atrocious

La protagonista posa con la flora local.

Después de un film de animación realizado con la más moderna tecnología, la Muestra Syfy prosiguió con una película hecha con poco presupuesto y de forma más o menos casera.

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Una familia va a un pasar el fin de semana en un caserón familiar cercano a la localidad de Sitges, a Cristian y Julia no le entusiasma mucho la idea, pero no tienen otro remedio que ir. No obstante intentan aprovechar el tiempo grabando con su cámara e investigando sobre una leyenda del fantasma de una niña que ayuda a la gente que se pierde en el bosque.

Tres libros de AJEC

Al igual que en 2011, este año me he agenciado unos cuantos libros, vía suscripción, de la editorial Grupo AJEC. Esta vez no han sido tres, sino dos (Mariano no es el único que realiza recortes), sin embargo, como hubo algunos problemillas con el envío por un error humano, Raúl Gonzálvez, editor de AJEC, me lo compensó con un libro de regalo (a elegir y todo), cosa que le quiero agradecer haciéndole un poco de publicidad con esta pequeña entrada.

Los libros que escogí fueron Dueños del destino, de Guillem López, que es la continuación de La guerra por el norte, con el cual me hice en la anterior suscripción, y La mirada de Pegaso, de Sergio Mars, autor que, por cierto, tiene un gran blog de literatura fantástica que recomiendo mucho su lectura. El regalo fue un libro al que le tenía muchas ganas, y que no me hice con el mismo en la suscripción por los mencionados autorrecortes.

Os dejo las portadas y las sinopsis oficiales.

The Prodigies

Llegó el sábado, la jornada más larga de la Muestra Syfy y en la que, en principio, se proyectan los títulos más potentes. Comenzó por el día con una sesión matinal en la que el público pudo disfrutar con Lórax, en busca de la trúfula perdida, que no comento aquí porque no la vi, y la siguió, ya por la tarde, este film gabacho de animación.

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The Prodigies (ídem, 2011) narra la historia de un grupo de adolescentes con poderes que es reunido por otro antiguo niño con poderes para intentar hacer que encaucen dichas habilidades y así mismo procurar quitarles todo el resentimiento que tienen hacia el mundo. Pero, como ya se sabe, estas cosas se salen de madre cuando para seguir financiando la fundación que da cobijo a estos chavales es necesario un concurso de superdotados, cuya final será en la mismísima Casa Blanca.

Titanic

Titanic (ídem, 1997) se convirtió en todo un fenómeno cuando se estrenó, recaudó 1800 millones de dólares, cifra que solo hasta hace bien poco ha logrado rebasar un film (como ya sabréis, fue Avatar, también dirigida por James Cameron). Recuerdo que estuvo en cartelera hasta final de año, pero sin embargo no me sumé a la avalancha de espectadores, no la vi en pantalla grande, sino que lo hice meses después, cuando a alguien se le ocurrió alquilar el VHS. Disfruté como un niño (técnicamente lo era -o casi-), me produjo un gran impacto, y me hizo preguntarme cómo demonios había sido capaz James Cameron de realizar aquel hundimiento de forma tan realista...

Han pasado (algo más de) 15 años desde el estreno de Titanic, y 100 desde el naufragio del transatlántico, así que los de la Fox junto con Cameron tuvieron que pensar que era el momento ideal de reestrenar la película que tantas alegrías había dado a sus estanterías y, sobre todo, a sus bolsillos. Además, qué mejor que darle un aditivo como es el formato de moda, pasar la historia de amor de Jack y Rose a las tres dimensiones les aseguraba unos milloncejos extras.

Stonehenge Apocalypse

Última película del viernes en la 9ª Muestra Syfy de Cine Fantástico, empezó como más de media hora tarde, pero por suerte ahí estaban los chicos de Trash entre amigos para evitar que nos durmiéramos ante semejante despropósito.

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En unas excavaciones de Maine, unos científicos encuentran unos restos muy antiguos, pero al hallarlos han activado una especie de mecanismo en Stonehenge que podría ser la cuenta atrás para el fin del mundo. Un grupo de científicos alojados en una escuela primaria cercana a Stonehenge, intentará hacer lo imposible por pararlo, y para ello no les quedará otra que pedir ayuda a un antiguo colega, que en su día tuvo prestigio, pero que en la actualidad se dedica a buscar teorías conspiranóicas en Google.

Los Vengadores

Era la película de superhéroes más esperada, y al fin ha llegado a nuestra cartelera (antes que a EEUU), es el film que une a Hulk, Iron Man, Thor, el Capitán América, la Viudad Negra, Ojo de Halcón y, por supuesto, el responsable de que todos formen un grupo, Nick Furia.

Loki aparece en la Tierra con un extraño cetro y roba el Tesseracto, con el que planea abrir un portal para que entre un ejército y así imponer su mandato en todo el globo.

La espera ha llegado a su fin, y ha merecido la pena. En realidad poco más puedo decir de Los Vengadores (The Avengers, 2012), salvo que es una gran película repleta de humor y acción, y que probablemente el realizador (y guionista) ideal no era otro que Joss Whedon (Buffy, Serenity), quien ha demostrado sobradamente en sus trabajos para televisión su capacidad para dar consistencia a los personajes, y si no fuese por eso, por lo bien que se mantienen y encajan todos en esta película, con toda seguridad estaríamos hablando en otros términos. Los Vengadores es, básicamente, un tebeo de superhéroes en movimiento, tiene ese espíritu y esas ganas de proporcionar diversión directa y sin alardes argumentales, para ello no enrevesa la historia y cuida, como ya he indicado, a los protagonistas, mete mucho humor (impagables muchos diálogos de Tony Stark, y el momento cartoon Hulk-Loki) y se toma su tiempo para llegar al ansiado clímax (aunque su comienzo no es que sea poco intenso precisamente), acaeciendo suficientes avatares intermedios como para que el grupo de héroes se den cuenta de que es más lo que les une que lo que les separa.

Dos Espadas, de Kenny Ruiz

Cira es una joven ladrona que sueña con ingresar en la Sagrada Escuela Unicornia y convertirse en Primera Espada, cosa que tiene difícil, ya que en ella solo ingresan aquellos de cuna noble. No obstante, tendrá una oportunidad donde demostrará su valor, aunque su inseguridad no se lo haga ver. Más tarde, mientras contempla asombrada la lucha entre dos titanes, aparecerá en la ciudad una criatura de hermosas facciones llamada Naga que, con la ayuda del guerrero Dago, intentará alcanzar la venganza contra los humanos.

Kenny Ruiz (autor de El Cazador de Rayos) es un dibujante de gran carisma que arrastra hordas de seguidores en cada sesión de firmas que realiza, su desparpajo y simpatía hacen que todos los que hemos disfrutado de la lectura de alguna de sus obras lo admiremos más si cabe. Conseguir una dedicatoria suya es toda una experiencia, ya que mientras te dibuja al personaje elegido no deja de charlar animadamente, escuchando atentamente todos tus comentarios. En una de esas sesiones de firmas me mostró su, quizá no muy fundado, temor porque el segundo tomo de Dos Espadas pasara desapercibido al no haber muchas reseñas en la red de redes, así que, aunque pensaba escribirla cuando saliera el tercer volumen, le prometí que haría una para poner mi granito de arena en lo que respecta a difusión mediática. Así que ayer mismo (3 de enero), me releí los tomos uno y dos, y hoy (obviamente, 4 de enero) me dispongo a expresar mi opinión sobre los mismos.

Premios Liebster

Ha ocurrido, al fin alguien se da cuenta de mi valía y talento. Sí, señoras y señores, El BLOG de NEOVALLENSE ha sido objeto de un premio por parte de Sidhe y Roswell, los administradores del divertido y educativo blog cinéfilo La Noche de los Wasabis Verdes Fritos. ¡Gracias, ya iba siendo hora!

Esta imagen se la he robado a los wasabitas.

Así que, como he sido premiado, no rompo la cadena y también nombre a cinco de los blogs con los que más disfruto:

Joruji y su locura es una de las bitácoras con las que más me he divertido, a pesar de que actualiza de higos a brevas: La locura de Joruji.

Germán Pérez Iglesias (alias Ger) tiene un gran blog de cine donde hace unas críticas realmente buenas: Eternidad y cine.

A pesar de que lo ha creado hace bien poco, y de que tiene otro más antiguo, el señor Errante Bibliotecario me ha conquistado con su Echando bilis, donde, con entradas breves y buen humor, no se corta a la hora de criticar la realidad política.

El bueno de Hajime Saito también tiene una bitácora la mar de interesante y de gran potencial, a pesar de que no tenga mucho tiempo para publicar: Realidades Oníricas.

Max es, como yo, un gran otaku, así que no puede evitar reseñar y comentar lo que más le gusta en Los Mangas de Max.

Y aquí se acaba mi lista de elegidos. Os dejo bajo estas líneas las reglas de los premios Liebster.

1. Copiar y pegar el premio en el blog y enlazarlo al blogger que te lo otorgó.
2. Señalar tus cinco blogs preferidos con menos de 200 seguidores y escribir comentarios en sus blogs para que conozcan que han recibido el premio.
3. Y, por último, esperar a que esas bitácoras continúen con la cadena y elijan a sus 5 blogs preferidos.

P.D.: Si tuviera que nombrar un blog de reserva para la lista, ese sería Henar Torinos Art Blog, que es la ventanita de la excelente dibujante Henar Torinos, autora de Mala Estrella; y también por Un tintero de Saphire, blog literario de Earendilion; y, por supuesto, Bienvenido a nunca jamás, otra gran bitácora de cine donde Heitor nos deleita con su sabiduría y buen humor.

Grupo 7

El Grupo 7 es, como su propio nombre indica, un grupo de la policía sevillana que se dedica, en los prolegómenos de la Expo 92, a limpiar el centro de la ciudad de todo rastro de droga. Su eficacia es asombrosa, pero sus métodos son, cuanto menos, legalmente inestables, e incluso poco éticos.

De Alberto Rodríguez solo había visto 7 vírgenes, una película que me dejó muchas gratas sensaciones, sus personajes (interpretados, entre otros, por Juan José Ballesta y Jesús Carroza) destilaban autenticidad y el entorno de barrio, así como lo que acontecía, resultaba creíble. Eso mismo se podría decir que pasa en Grupo 7 (ídem, 2012), tanto los personajes como las calles por donde se desarrolla la acción resultan veraces, y eso hace que el film sea realista y por lo tanto el espectador tenga esa sensación, no falta de extrañeza, de inmersión en una época y unos barrios particulares.

Hobo with a shotgun

Tercera sesión del viernes de Muestra Syfy, con un film cargado de violencia, humor absurdo y mucha incorrección política.

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Rutger Hauer hace de un vagabundo que tiene la tonta idea de coger un tren y bajarse en una ciudad maloliente donde la corrupción y la violencia campan a sus anchas, personificandose en la figura de un líder que es capaz de hasta matar a su hermano sin despeinarse. Pero aún así el pobre vagabundo intenta conseguir el dinero que necesita para cumplir su sueño de comprarse un cortacésped, sin embargo su capacidad de tolerancia a las injusticias es limitada, por lo que un buen día, cuando al fin parece que alcanzará su sueño, es testigo en primera persona de un atraco, por lo que no le queda otra que coger una escopeta y liarse a tiros con los ladrones, pero después de ello no se quedará quieto, sino que se dedicará a impartir justicia a base de plomo.

Soul Surfer

Basada en un hecho real, Soul Surfer (ídem, 2011) nos cuenta la historia de Bethany Hamilton una jovencita hawaiana amante del surf que dedica su vida a recorrer las olas, pero un aciago día un tiburón la confunde con una foca (o algún otro animal acuático comestible) y se lleva un brazo con él. A partir de ese momento Hamilton tendrá que luchar con el doble de ímpetu si quiere llegar a cumplir su sueño de ser una surfista profesional.

Soul Surfer podría ser tranquilamente uno de esos telefilmes melodramáticos que suelen emitir en algunos canales privados en las sobremesas de los fines de semana, no obstante la mayoría de dichas producciones para televisión suelen dejar indiferente y raramente logran emocionar. Y eso, emocionar, es algo que consigue a menudo el film de Sean McNamara (realizador que ha trabajado mucho para televisión, y que entre su filmografía se cuenta 3 ninjas en el parque de atracciones), no se le puede negar dicha capacidad, y no siempre usando el efectivo recurso de la música junto a unas imágenes más o menos desoladoras. Hay escenas que, al menos a mí, me llegaron por tal y como estaban contadas, como todos esos instantes de poner a salvo a la protagonista tras el ataque y su posterior traslado al hospital. Por lo demás, estamos ante una de esas películas que últimamente están proliferando con mayor o menor éxito, que no es sino un tipo de cine (por regla general inspirado en hechos acaecidos en la vida real) donde los protagonistas (sean humanos o animales) han sufrido algún tipo de drama (llámese accidente o ataque) que les impide seguir su vida como antes del incidente, pero (y aquí es donde está el quid de la cuestión) gracias al apoyo de su numerosa y cariñosa familia, y de su comunidad religiosa (junto con su propia determinación), logra superar las dificultades y crecer como persona así como triunfar, alcanzar su sueño. En resumidas cuentas: cine cristiano.

Los juegos del hambre

Dirigida y escrita por Gary Ross, guionista de films como Big, Seabiscuit, más allá de la leyenda o Pleasantville (estos dos últimos también las dirigió) Los juegos del hambre (The Hunger Games, 2012) adapta la novela homónima de Suzanne Collins, que también firma el libreto junto con un tercero en discordia, Billy Ray (La sombra del poder), y cuenta la historia de Katniss Everdeen, una chica de 16 años que es “seleccionada”, junto con otro joven llamado Peeta, para participar en los septuagésimocuartos juegos del hambre. Ambos, y otros veintidós “afortunados”, tendrán que matarse entre sí, además de luchar contra los elementos y obtener la simpatía del público, para conseguir ser el ganador de los juegos, el único superviviente.

El tema de meter a un puñado de jovenzuelos en una zona delimitada y hacer que se maten entre ellos no es algo nuevo, ya lo vimos en 2000 en Battle Royale, no obstante pienso que no hay que comparar dicha película con Los juegos del hambre pues ambas están dirigidas (en principio) a un público diferente, y desde luego están contadas de maneras también diferentes. De hecho, si nos ponemos, podríamos decir que la cinta de Gary Ross es una mezcla entre la mencionada película de Kinji Fukasaku y Perseguido, donde Schwarzenegger las pasó canutas en un programa televisivo.

Stake Land

Segundo film de la segunda jornada de la 9ª Muestra Syfy de Cine Fantástico, una película con vampiros de por medio y algunas escenas lúcidas, pero cuyo tono descolocó a no pocas personas.

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El mundo es un caos, los hombres viven en comunidades cerradas y fortificadas para así protegerse de los vampiros. Mister salvó a Martin de ser asesinado junto a su familia por un no-muerto, desde entonces viajan juntos al norte, en busca de New Eden, y por el camino van matando todo vampiro que se les pone por delante.

Jim Mickle, realizador con pocas y baratas películas en su filmografía, es el director de Stake Land (ídem, 2010) film de vampiros que en ocasiones se confunden con zombis, y con tendencia a la autoparodia. Esa autoparodia se refleja sobre todo en escenas tipo Karate Kid, donde maestro y alumno entrenan entre flores, pero también en instantes costumbristas (o caseros), estos últimos creo que están puestos ahí adrede, pero me da la impresión que los primeros no están colocados con fines humorísticos. Ese precisamente es un punto que descoloca al espectador, ya que uno no sabe a ciencia cierta si tomarse en serio algunas escenas o no, y más cuando el tono en general, de hecho, es serio, salpicado por aquí y por allá con toques irónicos eso sí, pero que provienen más de las acciones o diálogos de los personajes, no de la escena en su conjunto, de ahí que choque la inclusión de los, por ejemplo, momentos Karate Kid.

Salamina, de Javier Negrete

Desde que descubrí a Javier Negrete en la comentada Saga de Tramórea me han interesado todas las novelas que le han ido publicando, desde Señores del Olimpo a Alejandro Magno y las águilas de Roma, pasando por Atlántida (esta quizá menos que el resto), en todas ellas, se toca en mayor o menor profundidad la cultura y la mitología de la Grecia clásica, y eso es algo que lleva fascinándome desde que vi por vez primera, cuando era un tapón, esa maravillosa película titulada Jasón y los argonautas. Salamina, sin embargo, se diferencia en un punto fundamental con las mencionadas obras del autor madrileño, y es que en esta ocasión la magia y la fantasía (aunque tienen su pequeño hueco) ceden el paso a la historia, o al menos a una recreación de lo que pudo ser.

En Salamina, Javier Negrete nos cuenta las Guerras Médicas, las invasiones de los Persas en tierras griegas, desde la increíble batalla de Maratón, hasta la mítica lucha en las Termópilas y el campo de batalla definitivo que fueron las aguas que bañan la isla de Salamina. Y como protagonista fundamental de todos esos hechos, Temístocles, un hombre de prodigiosa memoria y capacidad de cálculo, a la par que frío y manipulador, capaz de cualquier cosa para alcanzar sus objetivos, en parte altruistas y en parte interesados, en parte por amor a su tierra y en parte por egoísmo.

Ira de Titanes

Perseo vive con su hijo alejado del mundanal ruido tal y como vivía su padre adoptivo, pescando en un pequeñito pueblo de la costa. Pero por mucho que reniegue de su destino este irá a su encuentro, pues su tío Hades encierra a su padre, Zeus, en el Tártaro para liberar así a Cronos (su abuelo), lo que le obligará a coger sus armas e ir en busca de Agenor (su primo), hijo de Poseidón (su otro tío) y por lo tanto semidiós como él, que es el único que sabe dónde está el Caído, aquel que forjó las armas de los Dioses y quien tiene la clave para liberar a Zeus y acabar con el temible Cronos.

Furia de Titanes fue un remake con cierta polémica, y que muchos consideran como la peor nueva versión que se ha hecho de un film (creo que esa gente no ha visto todavía Vanilla Sky), pero a pesar de ello tuvo una acogida incluso mejor de la esperada, por lo que no tardaron en dar luz verde a una continuación. Para esta ocasión Louis Leterrier ha cedido el asiento de director a Jonathan Liebesman, realizador, entre otras, de Invasión a la Tierra y En la oscuridad (con ninguna de los dos emocionó a la crítica precisamente). Ira de Titanes (Wrath of the Titans, 2012) tampoco me ha entusiasmado, sin embargo algo que no ha hecho es aburrirme, incluso en ciertos momentos, sobre todo al principio, me ha sorprendido gratamente, como la escena donde Perseo tiene un sueño, sin duda los mejores instantes del film están en dicha secuencia, tan épica como oscura, habría sido interesante que el resto del metraje hubiera seguido esa línea. Sin embargo, aunque no siga esa línea oscura, por suerte no tira por derroteros demasiado blandos, eso se ve, por ejemplo, en el diseño de las criaturas, no muy abundantes pero sí bastante llamativas; como la quimera, protagonista de la primera batalla, o los conseguidos cíclopes. Todos ellos, además, se mueven por paisajes de las islas Canarias que es donde fue rodado la mayor parte del film, como ya ocurriera con la primera entrega.

Hell

El primer film del viernes de la 9ª Muestra Syfy se trataba de una película alemana producida por Roland Emmerich, aficionado al cine plagado de efectos especiales.

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Estamos en una época indeterminada (pero se entrevé que es un futuro no muy lejano), el sol abrasa la tierra, los bosques no son más que esqueletos y apenas hay agua, Phillip, Marie y su hermana menor Leonie viajan en coche en busca de un lugar donde vivir sin morir de sed ni inanición. Pronto se percatarán de que los rayos del sol no son lo único a lo que hay que temer.

¡HUELGA!

La invención de Hugo

Hugo es un niño que vive en la estación de tren de París procurando pasar totalmente desapercibido, y a la vez intenta resolver un secreto que su padre le dejó en forma de autómata.

El hecho de que Martin Scorsese (Shutter Island, Casino) se pasara al cine familiar cogió a muchos desprevenidos. Yo acogí el hecho de forma fría, simplemente porque La invención de Hugo (Hugo, 2011) no me inspiró desde el principio ni la más mínima curiosidad, ni siquiera cuando sacaron el primer tráiler, si finalmente decidí verla no fue por otra cosa que por los buenos comentarios que despertaba allá por donde pasaba, amén de que Scorsese ganó el Globo de Oro a la mejor dirección y en la ceremonia de los Oscar se llevó cinco estatuillas de las llamadas "menores". Así que pensé que si todo el mundo habla bien de ella algo tiene que tener.

John Carter

Película inaugural de la 9ª Muestra Syfy de Cine Fantástico, a la que acudíamos con muchas ganas, y con la que nos tuvimos que desprender de nuestros móviles (a pesar de la mierdecilla de móvil que tengo) por razones de “seguridad”.

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El capitán John Carter es un tipo amargado que vive endeudado mientras busca una veta de oro, pero un buen día de buenas a primeras será transportado a Marte, donde se verá inmerso muy a su pesar en una guerra que acontece en dicho planeta.

Sin lugar a dudas John Carter (ídem, 2012) era una de las películas más esperadas de un año que está plagado de prometedoras películas (Los Vengadores, Prometheus, El Hobbit...), sus avances prometían un film espectacular con muchas aventuras, y ciertamente es eso lo que nos ofrece el debut en el cine de imagen real de Andrew Stanton, director de muy buenas películas animadas, tales como WALL-E o Buscando a Nemo, sin embargo está un poco por debajo de, al menos, mis expectativas.

Luces rojas

Margaret Matheson y Tom Bluckey son dos profesores universitarios que dedican sus ratos libres a desenmascarar presuntos fenómenos paranormales y a charlatanes, pero un hueso duro llamado Simon Silver se les cruza en el camino.

Tras la intensa Buried, Rodrigo Cortés vuelve a la carga con otra coproducción entre España y Estados Juntitos, rodada a este y el otro lado del Atlántico y con un reparto que muchos realizadores veteranos ya quisieran para sí. En esta ocasión no recluye a nadie en un espacio reducido, pero sigue dentro del thriller y continúa manteniéndonos pegados a la butaca, de hecho lo que es a mí esta película me ha parecido mucho más redonda que con la que saltó a la fama, ya que ha conseguido sumergirme de lleno en la incertidumbre de si en verdad Silver tiene o no poderes, cosa que se desvela al final de una manera no poco sorprendente.

9ª Muestra Syfy de Cine Fantástico

Durante los pasados días 8, 9, 10 y 11 de marzo, tuve la fortuna de asistir otro año más a la Muestra Syfy de Cine Fantástico, la cual me transportó mágicamente a Marte, me hizo sufrir las inclemencias de una Tierra postapocalíptica, sentir el peligro de unos chupasangre muy parecidos a zombis, viajar a la Luna en una misión que la NASA nos ocultó, vivir el último y soporífero momento del mundo, asistir temeroso a la visita de un extraterrestre que solicita reunirse con todas las naciones del mundo, volver a visitar un planeta dominado por los simios o viajar a una aldea gallega maldita.

Este año la Muestra ha tenido muchas novedades, la más evidente es el cambio de cine, del Palafox al cine Callao, una sala más grande y menos “escondida”, pero no por ello más querida, aunque quizá por eso de tener mayor capacidad de espectadores (y de que este año sí que haya habido patrocinadores, y no haya habido regalos) sea el motivo por el cual tanto las entradas como los bonos han sufrido una rebaja más que considerable (y muy agradecida), y se nota más aún cuando la octava edición sufrió una subida generalizada de precios. Otra novedad radica en que este año ha sido una muestra temática, o al menos el tema del fin del mundo es el asunto que la vertebra; seis de las dieciséis películas proyectadas se pueden considerar que tocan de una u otra manera el mencionado leitmotiv (aunque no sean todas propiamente apocalípticas).

La mujer de negro

Arthur Kipps es un abogado que no logra aliviar el dolor de la muerte de su esposa a pesar de que murió cuatro años atrás. Su jefe le da un ultimátum con el nuevo trabajo que le toca realizar, que no es otro que revisar la ingente cantidad de papeleo que hay en una mansión perdida. Cuando llega al lugar, los habitantes del pueblo cercano se comportan de forma desconfiada, invitándole a marcharse. No obstante, ante su apremiante situación y desconocimiento, ignora las advertencias, descubriendo a su pesar que la vieja y deshabitada mansión esconde lúgubres secretos... y espectrales habitantes.

La pregunta que siempre surge cuando un actor (sobre todo si es un infante) termina una saga (o incluso una sola película) exitosa es si podrá desquitarse del personaje que le hizo famoso. Daniel Radcliffe, archiconocido por encarnar al mago gafotas en la franquicia Harry Potter, es uno de esos casos, y si bien aún queda bastante para saber con certeza si conseguirá deshacerse del personaje por la que la mayoría de nosotros lo hemos conocido, La mujer de negro (The Woman in Black, 2012) es un paso modesto pero firme hacia adelante.

Infierno blanco

Ottway trabaja en Alaska en una empresa petrolífera, durante el viaje de vuelta a casa su avión sufre un accidente en un paraje helado y desierto. Los pocos supervivientes se agrupan para intentar sobrevivir a las gélidas temperaturas y la falta de víveres. Pero si las cosas ya estaban difíciles todavía empeoran más al sufrir el acoso de una manada de lobos.

Joe Carnahan (El equipo A, Ases calientes), bajo el paraguas de los hermanos Scott, dirige y escribe (esto último junto a Ian Mackenzie Jeffers, que escribió el relato original en el que se inspiran) Infierno blanco (The Grey, 2012) un relato de supervivencia extrema donde el acoso de una manada de lobos será la principal pero no única amenaza, y que tiene como punto más destacable al incansable Liam Neeson (Batman Begins, Michael Collins). Aunque con ello no estoy diciendo que el protagonista de Venganza sea lo único aprovechable del film, ya que estamos ante una historia de aventuras de alta tensión, donde el peligro persigue a los personajes, que van cayendo uno a uno de forma inexorable a pesar de los denodados esfuerzos que realizan para escapar. No se puede negar que Carnahan logra meternos angustia en el cuerpo, y en varias ocasiones, sobre todo durante los rápidos y mortales ataques de los cánidos, consigue que el espectador pegue un bote en su butaca y/o se agarre a los reposabrazos con fuerza. En cuanto atmósfera desde luego Infierno blanco es un filme muy conseguido, ya que uno casi siente el frío, y los efectos sonoros (así como la banda sonora de Marc Streitenfeld y la fotografía de Masanobu Takayanagi) intensifican la sensación de peligro y vulnerabilidad.

La chica que saltaba a través del tiempo

Makoto Konno es una chica normal de instituto que un buen día, sin saber cómo, adquiere la habilidad de dar saltos en el tiempo. Gracias a ésto puede repetir una y otra vez los exámenes, cantar horas y horas pagando lo mismo en el karaoke, evitar accidentes, ganar siempre al béisbol o ayudar a sus amigos en temas amorosos. Pero, por muy banal que puedan parecer estos pequeños cambios, todo tiene sus consecuencias, y sin quererlo puede afectar negativamente a otras personas, a veces incluso de forma trágica.

Antes de dirigir la magnífica Summer Wars, Mamoru Hosoda (que ha trabajado como animador para series como Dragon Ball Z o Slam Dunk, así como realizado la sexta película de One Piece) ya demostró su talento con este film. Inspirándose en la famosa novela (en Japón) de Yasutaka Tsutsui (autor de obras como Paprika, que fue adaptada por el fenecido Satoshi Kon), y partiendo de una idea del mismo, La chica que saltaba a través del tiempo (Toki wo Kakeru Shojo, 2006), es una secuela de dicho libro, ya que en éste se contaba la historia de la tía de Makoto y aquí la historia se centra en la mencionada adolescente.

War Horse (Caballo de batalla)

Con algún que otro mes de retraso llegó a nuestras salas War Horse (Caballo de batalla) (War Horse, 2011) la última película de un muy activo Steven Spielberg, que a finales del pasado año estrenó Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio y que actualmente está trabajando en un biopic de Abraham Lincoln. War Horse es la historia de la amistad entre un caballo de nombre Joey y el joven Albert, hijo de un granjero que compró compulsivamente a Joey y que, posteriormente, se verá obligado a venderlo a la caballería británica para resolver su penoso estado financiero. En el continente, Joey se cruza con todo tipo de personas tocadas o directamente inmersas en la Primera Guerra Mundial, y en cada una de ellas despertará admiración y respeto. Mientras, Albert iniciará en las trincheras la búsqueda de su fiel amigo.

Arrugas

Paco Roca es uno de los dibujantes de cómics más laureados de España (aunque publique primero en Francia, así está el mercado nacional) y Arrugas su obra más conocida y reconocida, ganadora del Premio Nacional del Cómic 2008, narra, al igual que la película, la historia de Emilio, un anciano con Alzheimer al que sus familiares lo recluyen en un geriátrico, allí conoce a Miguel, quien se encargará de mostrarle el día a día del asilo, y con el que entablará una entrañable amistad.

Con guión del propio Paco Roca más otras seis manos, entre las que se encuentran las del director Ignacio Ferreras, en el que supone su primer largometraje (pero experiencia previa no le falta a este último, pues, entre otras cosas, se encargó de los storyboards de Astérix y los vikingos y fue animador en El ilusionista, así como realizó el cortometraje How to Cope with Death), Arrugas (ídem, 2011) es una adaptación muy fiel del mencionado tebeo, si bien, como en toda adaptación, hay algunos cambios. La más notable, y que choca en un principio, es convertir a Miguel en argentino, sin embargo no tarda uno (al menos el que se ha leído el cómic previamente, los demás seguro que ni se extrañan) en acostumbrarse a tal variación, el resto de modificaciones u omisiones (así como algún aditivo, como la piscina) no alteran en ningún momento el espíritu de la obra original, si acaso le da un toque de frescura para aquellos conocedores de la misma.

El funeral

No soy un gran aficionado al teatro que se diga, a lo largo de mi cada vez más larga vida he acudido a, sin contar las representaciones escolares, tres obras teatrales, por lo que os podréis hacer una idea de mi escasa cultura al respecto. Hace unos días el bueno de Bibliotecario me informó sobre la posibilidad de conseguir unas invitaciones para una obra a cambio de hacer algo de ruido, yo acepté de buen grado, aunque, para ser sincero, era un poco escéptico respecto a la obra en cuestión, pero no está mal eso de ir con escepticismo.

En El funeral, un grupo de músicos zíngaros deciden celebrar las exequias de su venerado abuelo Dimitri con el público, durante el transcurso del mismo sucederán cosas que van de lo surrealista a lo esperpéntico, llegando a involucrar a los espectadores en el proceso.

El escepticismo es bueno, como decía, ya que hace que si lo que vas a ver es malo, no te coja desprevenido y, sin embargo, si es bueno, te lleves una grata alegría. Con El funeral me ha pasado eso en buena medida. Su comienzo me gustó, la aparición de los cuatro personajes a escena, la música que comenzaron a tocar, el hecho de que hablaran en un idioma que no comprendía, pero que entendía gracias a los gestos, no obstante pasado un rato el entretenimiento decayó, y entonces temí que aquello se convirtiera en algo monótono y muy poco ameno, mas por fortuna ese bajón terminó en cuento hicieron más partícipe a nosotros, el público. Por ejemplo, los personajes creyeron reconocer a su abuela, viuda de Dimitri, entre los concurrentes; o cuando uno de ellos quería salirse indignado al escuchar las risas del público, puesto que se trataba de celebrar un funeral, no una fiesta. Es la interactividad con los espectadores lo que le da más valor y hace que El funeral sea una obra muy divertida, con la que sales con una gran sonrisa.

Si queréis pasar un rato divertido El funeral es una buena opción, desconozco si la obra en sí es muy original, más que nada por mi poco conocimiento teatral, pero desde luego a mí me lo pareció. Los actores están fantásticos, el espectáculo es variado, ya que además de actuar interpretan música y hacen que el público participe y se implique en diferentes situaciones, por lo que las risas están aseguradas.

LO MEJOR:

-Que implican al público.

-La simpatía de los actores.

-Que es un espectáculo variado.

LO PEOR:

-Esa parte en que la diversión decae, pero por suerte dura poco. 

Underdog, de Noiry

Underdog era el Gaijin que me faltaba por leerme de la segunda hornada, cuya lectura afrontaba no con muchas expectativas, principalmente porque he leído algunos comentarios negativos. Estoy de acuerdo que no es la hostia, pero no me ha dejado con malas sensaciones.

Black Dog es un soldado de un grupo de fuerzas de paz llamadas Canidae, en una de sus misiones incumple una orden, y poco después le pegan un tiro en la cabeza, aunque antes de que la bala llegue a impactarle la Muerte se le aparece y le propone un trato: seguir viviendo a cambio de su nombre. Black Dog acepta y, tras un despertar desagradable, va en busca de respuestas.

La asturiana Noiry (Tamara Álvarez) es la autora (aunque también ha tenido la ayuda con el guión de Black Velvet -Laia Montserrat- en varios capítulos) de Underdog, el que supone su debut en el mundo profesional del tebeo, ya que anteriormente tan sólo ha colaborado en algún fanzine, realizado carteles e ilustraciones para salones de manga, y también consiguió un premio en un concurso organizado por Ficomic.

¡Me voy a un funeral!

Katmandú, un espejo en el cielo

Icíar Bollaín es una de las pocas directoras (y probablemente la más exitosa) del cine español, además suele hacer cine comprometido (ya como actriz lo hizo), lo era Te doy mis ojos, donde retrataba la problemática de la violencia machista; lo era también su anterior trabajo, También la lluvia, donde narraba dos historias, una la colonización de américa y la otra la privatización del agua, donde aprovechó para retratar las diferencias sociales y la marginación de los indígenas. Con Katmandú, un espejo en el cielo (ídem, 2011) vuelve a hacer cine social (nunca ha dejado de hacerlo), en esta ocasión inspirándose en el libro de la maestra y activista Victoria Subirana, Una maestra en Katmandú, y es la misma realizadora (con la colaboración de Paul Laverty) quien se ha hecho cargo de la escritura del libreto.

Drive

“El conductor” (Driver para los amigos) trabaja en un taller y, en sus ratos libres, hace de especialista de cine y encarguitos llevando a gente con pasamontañas a lugares libres de fuerzas policiales. Su vida cambia cuando se muda y conoce a una chica, por la que decidirá hacer un trabajo que saldrá torcido.

Nicolas Winding Refn, admirado realizador y guionista de Con las manos ensangrentadas, Bronson y alguna cosilla más, dirige (con guión de Hossein Amini, que adapta la novela de James Sallis) Drive (ídem, 2011), una película con un protagonista sin nombre y  personajes que economizan las palabras como si fuesen billetes de quinientos dólares. Desde su prólogo se adivina un film de narración pausada, y así es, de hecho Winding Refn usa infinidad de veces la cámara lenta y la banda sonora se puede considerar parsimoniosamente melódica, sin embargo no resulta lenta, no causa desinterés, en parte gracias a las interpretaciones, en parte también a la magnífica puesta en escena, la maravillosa fotografía de Newton Thomas Sigel (habitual director de fotografía de Bryan Singer), y sin duda mucho tiene que ver las explosiones de violencia explícita que salpican la trama a partir de cierto momento.

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

No he visto las adaptaciones cinematográficas suecas de la famosa trilogía del fenecido Stieg Larsson, y, siendo sincero, no me llamaron la atención cuando se estrenaron en cines, sobre todo porque veía apresuramiento en la realización de las mismas, como si quisieran aprovechar antes de que el fenómeno dejara de serlo. Tampoco me he leído las novelas, por lo que he ido a ver la versión de David Fincher (Zodiac, El curioso caso de Benjamin Button) de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (The girl with the dragon tattoo, 2011) sabiendo únicamente cómo se llaman los personajes protagonistas, hecho que estoy seguro ha influido en mi valoración más que positiva de esta intriga más que bien tejida.

The Artist

Quién nos iba a decir que en el tiempo del cine digital y multidimensional, nos iba a llegar un film en blanco y negro y mudo; quién nos iba a decir que encima iba a triunfar en todos los eventos cinematográficos, convirtiéndose además en una de las favoritas para los próximos Oscar; y quién nos iba a decir que el público la acogería tan cálidamente, yendo a las salas con expectación y saliendo con una sonrisa.

George Valentin es un exitoso y carismático actor de cine mudo que al llegar el cine sonoro cae en desgracia en pos de nuevas caras como Pippe Miller, actriz con la que había tropezado cuando tan solo era una extra.

Immortals

De Immortals (ídem, 2011) no me llamaba la atención, de lo que vi en los tráilers, su fotografía, demasiado parecida a 300, pero el hecho de que su historia se sustentara, más o menos, en la mitología griega y que el director fuera Tarsem Singh, quien realizara la muy recordada por aquí The Fall. El sueño de Alexandria, me animaba a ir al cine para comprobar si era algo más que efectos digitales y guerreros fornidos. Así que qué mejor manera de dar la bienvenida al nuevo año (la vi el 1 de enero) que adentrarse en una sala oscura y sumergirse en la imaginería visual del director indio.

¡No quiero SOPA!

11 decepciones (anunciadas o no) de 2011

Al acabar el año y comenzar uno nuevo todo el mundo se dedica a hacer sus lista de “lo mejor” y, curiosamente, casi todas tienen una cálida acogida por los espectadores, o lectores, o los amiguetes (según el medio). Vista la situación, El BLOG de NEOVALLENSE no podía ser menos y también ha elaborado su lista, con la diferencia de que esta es de las decepciones (desde una perspectiva personal y heterogénea). Sin duda, como en toda lista, siempre habrá quién considere que sobran o faltan cosas..., pero eso es algo con lo que hay que vivir.

1. La inoperancia (fingida o no) de los gobiernos del mundo frente a “los mercados”. Los políticos no han dejado de escuchar a “los mercados” mientras que se han olvidado del pueblo, el pasado año ha quedado más patente que nunca que los grandes especuladores están cogiendo las riendas del poder.

2. Cumbre de Durban. Otra de las decepciones esperadas. Los países más contaminantes, como EEUU, China, Japón e India han sido los principales valedores del fracaso de la Cumbre del Clima, aunque la poca decisión de la UE también haya ayudado. Al menos el Protocolo de Kioto se prorroga.

3. La represión a muchos pueblos que claman por su libertad, como el sirio o el yemení.

4. Recortes sociales. Tanto los realizados por el gobierno de ZP como por las distintas autonomías, cuya imaginación escasea y siempre ahorran por los mismos sitios. 

5. Rajoy: mayoría absoluta. Una mayoría absoluta nunca es una buena noticia, y la del PP de Mariano Rajoy no iba a ser distinta.

6. Barack Obama, quien lleva decepcionando desde el mismo momento que aceptó el premio Nobel de la Paz sin haber hecho absolutamente nada para merecerlo, y continúa sin haber realizado ningún mérito que justifique dicho galardón, es más, su política (como la del famoso escudo antimisiles) ha propiciado una escalada armamentística mundial.

7. Entroncando con la decepción anterior, está el asesinato de Bin Laden, y no porque hayan matado ha dicho individuo, sino por la opacidad de la operación, y porque los Estados nunca deberían asesinar antes de juzgar (como mínimo).

8. Persecución al juez Garzón. Que juzguen a un juez por intentar poner luz a los crímenes del franquismo es cuanto menos que para lamentarse.

9. La herencia Valdemar II: La Sombra Prohibida y Capitán Trueno y el Santo Grial. La primera parte del primer film resultó ser una entretenida película fantástica, pero su secuela tan sólo contaba con unos buenos efectos especiales. Respecto a la adaptación del héroe del cómic, era un desastre anunciado, pero no por ello deja de ser una decepción, aunque tampoco es la peor película del año.

10. Recaudación taquilla de Blackthorn, Eva y Verbo. Tres películas españolas muy diferentes pero con el denominador común de intentar hacer algo distinto y de calidad, cosa que logran con nota. Por desgracia el público no ha respondido como se merecían.

11. Que Vettel no se haya ni despeinado. Aunque en el mundial de Fórmula 1 de 2011 ha habido carreras interesantes, apenas ha tenido emoción ante la aplastante superioridad de Red Bull. Esperemos que la próxima temporada sea más igualada.

Wicked City

Existe una dimensión paralela que la mayoría de los humanos desconocen, dicha dimensión está plagada de criaturas oscuras y demonios de toda índole. El mundo de los humanos y los demonios conviven en una difícil paz gracias a un tratado firmado años ha. Renzaburo Taki es un Guardia Negro humano que debe de encargarse junto con Maki, una Guardia del mundo paralelo, de proteger al problemático profesor Giuseppe Mallard cuya presencia es indispensable para ratificar el nuevo tratado de paz. Pronto descubrirán que hay fuerzas que están dispuestas a lo que sea con tal de evitar la firma del tratado.

Yoshiaki Kawajiri, director de filmes tan conocidos y notables como Ninja Scroll y Vampire Hunter D: Bloodlust, así como de uno de los cortos más espectaculares de Animatrix, dirige y realiza el diseño de los personajes de Wicked City (Yoju Toshi, 1987), filme que salió directamente en vídeo en Japón (o sea, que es una OVA). Maretoshi Naga escribe el guión basándose en la serie de novelas de Hideyuki Kikuchi.

Wicked City sigue una corriente bastante popular del anime, que no es otra que la de los monstruos tentaculares. Pero no nos encontramos ante una variante de Urotsukidoji (en todo caso sería al revés), aunque el film de Kawajiri es generoso en lo que respecta a las escenas de violencia y sexo, no es una película hentai como la mencionada, sino que más bien bebe del cine negro, de su atmósfera oscura y recargada, así como de sus personajes arquetípicos (protagonista masculino mujeriego pero solitario, femme fatale, un amor imposible, etc...). Haciendo uso de dichos elementos teje una trama fantástica-terrorífica donde se ven envueltos los protagonistas cada vez más, hasta llegar a un final que sin llegar a sorprender sí que resulta coherente.

A pesar de los años y del tipo de película que es, Wicked City conserva su encanto. Su hora y veinte minutos de duración se me hizo muy divertida. La animación sigue siendo más que correcta; la historia, sin ser gran cosa, intenta sorprenderte; pero lo mejor es que es un film honesto, quien lo vea ya sabe ante qué tipo de producto está, carece de pretensiones de ningún tipo salvo hacer pasar el rato. Y lo consigue con nota.

LO MEJOR:
-El diseño de personajes.
-La atmósfera.
-Los personajes en sí, aunque sean típicos, te acaban cayendo bien.

LO PEOR:
-Nada, sobre todo porque es una película honesta de principio a fin, no promete nada de lo que no hay.

¿Quién debería verla?
Si te mola el estilo de Kawajiri.

Hay otra más:
Adaptando también otra historia de Kikuchi, Kawajiri dirigió Demon City, un film ambientado en el mismo universo, pero mucho menos divertido.

La edición en DVD:
El DVD fue editado en España en 2003 por Llamentol, conocida editora de filmes de serie B, así como de hentai. La edición es de un disco, la presentación del mismo es correcta, los menús son animados y de diseño muy llamativo, la calidad de imagen es buena; el doblaje me ha gustado mucho, me recuerda a las viejas películas de Humphrey Bogart. Los extras son escuetos: ficha técnica y artística, una galería de imágenes, datos de producción y un tráiler. Para lo que me costó (tres euros), es una edición magnífica.

Hell's Heaven, de Kaoru Okino

Inuke es un demonio torpe e irresponsable que se pasa los días holgazaneando por el infierno, por lo que Selfendor, su superior, le da un ultimátum: o hace una mala acción en una semana o será expulsado definitivamente del infierno y por lo tanto condenado a desaparecer. Ya en la Tierra, con cuerpo de humano, se topará con una chica, un poco rara, llamada Ichiko.

Después de una historia de aventuras y fantasía, Kaoru Okino nos ha traído una obra también fantástica pero cuyo lector objetivo no es masculino, sino que su historia encaja más con el perfil de las lectoras, vamos, que ha parido un shojo manga en vez del shonen que fue Joker. Eso se nota en el dibujo, un poco más sencillo, con más tramas y menos fondos, y sobre todo en la historia, donde se pone mayor énfasis a los sentimientos amorosos, aunque sin pasarse, ya que la autora tira más por el terreno cómico, sobre todo en los primeros capítulos, para posteriormente ponerse un poco más transcendental y dramática.

Hablando de la historia en sí y su desarrollo. No estamos ante algo muy novedoso, se trata, básicamente, de la típica estructura de chico conoce a chica, luego surge un problema que los separa y finalmente acaban felices y contentos. Es en los personajes donde podemos ver cierta originalidad, especialmente en Ichiko, una adolescente excéntrica y solitaria, y un poco en Inuke, demasiado torpe para ser demonio; así como el shinigami con forma de espermatozoide, que está un poco desaprovechado, ya que esas veces en las que desaparece hubiese estado bien que se hubiera dado una explicación que entroncara con la trama. Curiosamente uno de los personajes que más me han gustado ha sido el gato Grasas, simplemente tal y como está dibujado me resulta muuuy gracioso, y el hecho de que siempre está pensando en comer lo hace aún más adorable.

La edición corre a cargo de Nowevolution, pequeña editorial que se oferta sobre todo en Internet y en diferentes eventos, el tomo es de formato bastante grande (más grande que un tankobon típico), tiene sobrecubiertas y en total tiene ciento noventa y dos páginas, de las cuales unas ciento setenta y dos son del manga, trece dedicadas a los extras (que incluye fichas de personajes y apuntes de secundarios y figurantes, unas palabras de Kaoru dirigidas a los lectores, viejas ilustraciones y unas cuantas tiras) y otras cuatro páginas son publicitarias. La calidad del papel me parece correcta, así como de la impresión, el precio, si no me falla la memoria, es de siete euros (noventa y cinco céntimos más es el PVP en la web).

Concluyendo. Tras terminar de leerme la segunda obra de Kaoru Okino no puedo sino pensar que la autora tiene potencial para crear historias cargadas de humor y aventuras. Con Hell's Heaven me he reído mucho y me he entretenido a lo largo de todas sus páginas, el pero que se le puede poner es que no ha logrado generarme una gran empatía por algunos de los personajes, y por lo tanto en ciertos momentos dramáticos no me ha transmitido muchas emociones.

LO MEJOR:

-Los primeros capítulos son especialmente divertidos, tienen muchos toques de humor.

-Aunque sencillo, el dibujo es bonito y los diseños atractivos.

-Grasas, el gato.

LO PEOR:

-Algunas faltas de ortografía, no muy graves, pero faltas al fin y al cabo.

En el Expomanga 2011 la autora tuvo la fortuna (jejeje) de dedicarme el tomo:

¡Japy niu yiar!