Camino a la libertad

Esta es una de esas películas que llaman la atención, pero no acaba uno por decidirse, no deja de dudar si ir a verla. Estaba yo entre 127 horas y Camino a la libertad (The Way Back, 2010), y finalmente decidí ver las dos la misma semana, aunque quizá el filme de Danny Boyle podría habérmelo ahorrado, más que nada por las consecuencias que acarreó en mí. Total, que al final tomé la determinación de verla, y es que la historia de unos presos que se fugan de un campo de trabajo en plena Siberia (en la época del régimen del “hombre de acero”, Stalin), y que atraviesan media Rusia, Mongolia entera (incluido el durísimo desierto del Gobi), y el Tíbet, para llegar finalmente a la India, no puede sino generar curiosidad. Y si a eso le añadimos un reparto en el que hay nombres con tanto talento detrás, y encima le sumas un director con mucho oficio, uno entonces se encuentra en la “obligación” cinéfila de acudir a visionarla en una sala. Menos mal que lo hice.

Inspirándose en el libro La increíble caminata (The Long Walk: The True Story of a Trek to Freedom), escrito por Slavomir Rawicz, así como en diversas entrevistas a algunos de los protagonistas reales, Keith R. Clarke y el veterano realizador australiano Peter Weir (Master and Commander, Gallipoli) han escrito a cuatro manos el guión de esta asombrosa historia de supervivencia y superación. El segundo, obviamente, también dirige, ¡y cómo lo hace! Es cierto que hay una parte que se puede hacer lenta, pero nunca se acerca al tedio. Es complicado narrar toda la magnitud de un viaje tan largo, de más de diez mil kilómetros, manteniendo en todo momento el mismo ritmo y nivel de tensión, se hace necesario esos momentos más pausados para que el espectador se haga una idea más clara de las distancias recorridas. Pero esa etapa es sólo una parte del trayecto, el resto es impagable. Sobre todo a partir de la despedida que se produce en mitad del desierto, dicha secuencia es de una sencillez y sensibilidad maravillosas, es en ella donde Weir nos agarra bien agarrados y no nos suelta hasta que están bien avanzados los créditos finales. Todo ese tramo es un continuo nudo en la garganta, una cascada de emociones que nos hará soltar más de una lágrima (en mi caso, todo un río, pero es que el buen cine me emociona con relativa facilidad). Todo ello sin desmerecer para nada toda la primera parte del film: el epílogo, la vida en el gulag, la larga huida de dicho lugar (quizá algo confusa en su inicio); pero es que el último tramo es sencillamente genial.

Un casting bien elegido puede hacer de un muy buen film una gran película, y éso es lo que consigue el elenco de Camino a la libertad. Hay que empezar por un imponente Ed Harris (La roca, Una historia de violencia, Appaloosa), con su sola presencia el nivel de una película puede subir muchos enteros, y en ésta hace un gran papel, sorprende que no haya sido nominado al Oscar. Colin Farrell (El imaginario del doctor Parnassus, Tigerland) es otra de las caras más conocidas de esta cinta, es un actor con fama de polémico, pero lo que nadie puede negar es que tiene talento, y aquí nos vuelve a sorprender con su papel de Valka, un tipo que no se sabe muy bien si es villano o héroe. Saoirse Ronan nos deslumbró con su interpretación en Expiación, por el cual estuvo nominada al Oscar, posteriormente trabajó a las órdenes de Peter Jackson en The Lovely Bones; en esta ocasión vuelve a confirmar lo que ya sabíamos: que es capaz de meterse a cualquiera en el bolsillo. El personaje al que da vida Jim Sturgess (21: Black Jack) es Janusz, el que se podría afirmar que es el protagonista principal, un tipo difícil que arrastra consigo un desgraciado hecho, y que por encima de todo quiere regresar a su país para así encontrarse con la persona más importante para él; sus conocimientos salvarán en más de una ocasión a sus compañeros, pero su obstinación por seguir avanzando también les pondrá en peligro otras tantas veces. El que fuera el malo del Robin Hood de Ridley Scott, Mark Strong, también tiene un papel relevante en la trama; hace de soñador que no deja de pensar en fugarse del campo, es él el que anima a Janusz a planear la evasión.

Si bien hay muchas imágenes en este film que están cargadas de emotividad y dramatismo, no lo serían tanto sin la gran banda sonora compuesta por Burkhard von Dallwitz. Toda la música me pareció excepcional, pero el tema principal me resultó memorable, era sólo escucharlo que lograba infundirme mil y una emociones. Si a ello le añadimos unos paisajes espléndidos (de Bulgaria, Marruecos e India, que fueron los países donde se rodó la película), una gran fotografía y un cuidado diseño de producción, nos encontramos ante uno de esos filmes que te entran tanto por los ojos como por los oídos.

En conclusión. De Camino a la libertad sales tocado por sus personajes, por su intensidad y capacidad de transmitir emociones, por el dramatismo de muchas de sus secuencias. Peter Weir ha realizado un peliculón, uno de los mejores filmes dramático-aventureros que he visto jamás, si no el mejor. Merece mucho la pena verlo en pantalla grande.


LO MEJOR:
-El reparto, todos y cada uno de ellos realizan un gran trabajo. Destaco en todo caso al siempre excelente Ed Harris, a la genial Saoirse Ronan, al polémico Colin Farrell y a un Jim Sturgess que lidera con éxito un grupo de grandes intérpretes.
-La dirección de Weir, siempre pone la cámara donde mejor queda.
-La fotografía, la ambientación, el vestuario, el maquillaje, todo el plano técnico.
-La música, muy grande la composición de Burkhard von Dallwitz.
-A partir de cierta dramática y maravillosa escena en el desierto, el film no deja de emocionar, de maravillar, es ahí donde mayor fuerza cobra y donde el espectador no podrá abandonar la butaca por más que lo intente.

LO PEOR:
-La acción no se mantiene constante, decae durante parte de la cinta, se hace un poco lenta en esos momentos. Pero se compensa con creces cuando el ritmo vuelve a reemprenderse.
-Que se hayan olvidado de ella en los Oscar (salvo por el maquillaje no ha recibido ninguna nominación más).

¿Quién debería verla?
A mí me ha encantado, he salido del cine no satisfecho, sino pletórico, por lo que se la recomiendo a todo el mundo.


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También la lluvia

Sebastián es un director idealista que, junto con su amigo y productor Costa, pretende rodar una película sobre la conquista de América y de los abusos y tropelías que cometió el hombre blanco a la población indígena en el proceso; no obstante, la ficción y la realidad se mezclarán cuando los mismos indígenas que trabajan en el film se unan a las protestas contra la privatización del agua y la dura represión a la que serán sometidos.

Esta es la sinopsis del nuevo trabajo de la comprometida Icíar Bollaín, que traslada a la pantalla una historia escrita por su también comprometido marido Paul Laverty, conocido sobre todo por sus libretos para Ken Loach, paradigma del cine de denuncia social británico. Laverty teje una historia de cine dentro de cine con el telón de fondo de la lucha por el agua que llevaron a cabo los indígenas en Cochabamba, Bolivia, en el año 2000, y con la que traza paralelismos con la conquista de América por parte de Colón.

También la lluvia (ídem, 2010), que es una coproducción entre España, Francia y México, era la película con mayor número de nominaciones a los Goya tras Balada triste de trompeta y Pan negro, que arrasó en la pasada edición de los Goya, además de haber sido seleccionada por la Academia para representarnos para los Oscar, aunque finalmente no está entre las candidatas a la deseada estatuilla (sí que ha tenido mejor suerte, sin embargo, Biutiful, coproducción entre España y México, y que representa a este último país), y en los Goya se ha quedado con sólo tres premios de los trece bustos a las que optaba (aunque peor ha acabado la cinta de Alex de la Iglesia)

En el reparto tenemos caras conocidas y reconocidas, como Luis Tosar, que triunfó con su Malamadre de Celda 211; o Gael García Bernal, que trabajó a las órdenes de Iñárritu en Amores perros y de Walter Salles en la espléndida Diarios de motocicleta; a destacar también el papel de Karra Elejalde, que ha obtenido merecidamente el Goya a mejor actor de reparto, y a quien hemos visto en muchos filmes de diferente temática, como en Airbag y en el debut en el largo de Nacho Vigalondo. Otro de los personajes importantes es el que interpreta el novato Juan Carlos Aduviri, cuyo papel es la cabeza visible de las protestas por el agua y a la vez líder de los indígenas que se resisten a la colonización por parte del hombre blanco.

Finalizando. También la lluvia es un meritorio film que si bien al acabar no hace mella (a quien esto escribe al menos), sí que deja buenas sensaciones. Su reparto es destacable, tiene una gran banda sonora y está bien rodado, siendo su desarrollo más absorbente e interesante cuanto más avanza la trama. Una buena película a la que merece la pena darle una oportunidad.


LO MEJOR:
-El buen reparto, destacando Karra Elejalde y Luis Tosar.
-La música, compuesta por Alberto Iglesias, que ganó el Goya por enésima vez.
-La fotografía.

LO PEOR:
-A mi juicio no está aprovechado todo el potencial dramático de la trama.

¿Quién debería verla?
Sobre todo quien guste del cine de denuncia social.

Bangkok Dangerous

Joe es un meticuloso asesino a sueldo a quien le encargan varios trabajos en la ciudad de Bangkok. Con la vista puesta a eliminarlo posteriormente contrata a Kong, un pícaro ladronzuelo con el que al final traba amistad a pesar de sus reticencias iniciales. Tras un trabajo accidentado conoce a una mujer muda dependienta de una farmacia que por alguna razón, quizá por esa incapacidad patológica de comunicarse, le gusta, por lo que acaba por intimar con ella. No obstante, llegado el último trabajo los planes se tuercen.

Los hermanos Pang (The Eye) dirigen el remake de la que fuera su segunda película, una historia sobre un asesino a sueldo que en el fondo nos está hablando de la incomunicación, o más bien la incapacidad de comunicarse con los demás, que es lo que el ocurre al personaje interpretado por Nicolas Cage (actor que nos ha regalado grandes interpretaciones como en Leaving Las Vegas, pero que en los últimos tiempos sobre todo trabaja en proyectos de dudosa calidad), cuya profesión le obliga a no entablar amistad con nadie, y a eliminar a toda aquella persona que establezca contacto con él, pues el anonimato es su mejor arma. Así, nada más empezar el personaje del asesino nos da repelús, pues vemos con qué frialdad trabaja, pero a medida que avanza la trama se nos muestra su lado humano, por lo que resulta imposible no sentir cierta empatía por el mismo a pesar de todo. Ése es quizá el mayor acierto del film, eso, una fotografía conseguida y unas escenas de acción bien filmadas.

Como protagonista absoluto (y la única cara conocida para la mayoría de nosotros) tenemos al ya mencionado Nicolas Cage, quien a mi parecer ha sabido retratar a un tipo frío y con serios problemas de socialización; le acompañan interpretes orientales, como Shahkrit Ymnarm, Charlie Yeung (Siete espadas), Nirattisai Kaljaruek y Dom Hetrakul, que seguro que son muy populares por tierras asiáticas, pero lo que es un servidor (salvo a Charlie Yeung) de poco les conoce.

Bangkok Dangerous (Ídem, 2008) es un filme interesante, tiene sus buenas dosis de acción, pero sin embargo buena parte de su desarrollo se puede decir que es pausado, con sus pequeñas dosis de humor y romanticismo; el hecho de que se desarrolle en la capital de Tailandia le da un toque exótico bastante acertado, además de acentuar aún más la incapacidad de comunicarse del protagonista. Quizás, como casi todo remake, sea una película innecesaria, pero no se le puede negar sus aciertos.


LO MEJOR:
-La evolución del personaje principal resulta interesante.
-Las escenas de acción.

LO PEOR:
-Para algunos puede resultar demasiado lenta en ciertos momentos.
-Los tópicos.

¿Quién debería verla?
Los fans de Nicolas Cage.


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127 horas

Hay películas que son más conocidas por las reacciones a ciertas escenas que por la película en sí. Un ejemplo polémico y exitoso fue La pasión de Cristo, film con el que Mel Gibson se quedaba a gusto y le daba una buena paliza a Jesucristo, arrancándole piel y haciendo que mostrara hueso y carne, fustigándole durante casi todo el metraje. Fueron muy sonados los desmayos, mareos e incluso algún que otro infarto que provocaron las torturas mencionadas. 127 horas (127 hours, 2010) también es ya famosa por una escena; su crudeza y realismo ha provocado desmayos, y mira que su realizador se puede decir que no se ha recreado todo lo que podía haberlo hecho. No obstante, La pasión de Cristo, aunque me impactó, no me provocó ninguna sensación especialmente intensa (de hecho, fue una imagen que carecía de violencia alguna la que se quedó mejor en mi memoria), sin embargo con la película de Danny Boyle ha sido diferente. Netamente.

Para despistados, situémonos. 127 horas nos cuenta la historia real de Aron Ralston, un montañista y aventurero que en 2003 uno de sus brazos se quedó atrapado bajo una piedra en una estrecha y profunda grieta en mitad de un vasto desierto (en el parque Canyonlands si no recuerdo mal), de cómo sobrevivió durante cinco días sin apenas comida y agua, y cómo al final, para salir vivo de la situación, no tuvo otra opción que tomar una medida absolutamente drástica y desesperada.

El director de Slumdog Millionaire ha sido el que ha dado vida a esta increíble historia de supervivencia, con la ayuda en el guión de Simon Beaufoy (con el cual ya trabajó en el mencionado film y en Full Monty), basándose para ello en el libro que escribió el propio Aron Ralston, Between a Rock and a Hard Place.

El actor seleccionado para protagonista fue ni más ni menos que James Franco, conocido sobre todo por dar vida a Harry Osborn en la irregular trilogía de Spiderman de Sam Raimi. Dicha elección, lo que es a mí me generaba ciertas reticencias, ya que dudaba de sus cualidades dramáticas; pero he de confesar que visto lo visto, hay que decir que hace un gran trabajo, y que si no fuera por él la cinta no habría funcionado, sobre todo porque en el 95% de su duración es el único en pantalla, y el resto de los personajes no son sino meros acompañamientos para mostrarnos cómo es el prota y lo que pasa por su cabeza.

La película no me acabó de enganchar hasta bien entrada en materia, exactamente a partir de cuando el personaje de Franco tiene un lluvioso ensueño, es ahí cuando la tensión dramática toma forma y observamos que el aventurero está en un momento crítico. Antes de ello, aunque me resultaba interesante, lo cierto es que no me generó angustia constante, es algo que ya me pasó con un film de similares características como es Buried (Enterrado). Pero la gran diferencia está en la última escena. Donde Rodrigo Cortés me puso de los nervios y me generó auténtica claustrofobia, Danny Boyle ha ocasionado otro tipo de sensaciones en mí, más físicas e inesperadas, más desagradables...

Una vez se hubo terminado de liberar el protagonista, empecé a sentirme un poco raro, y ya ahí me dije “Oh, oh”. Me levanté antes de que pasara lo que imaginaba, y apenas llegué al pasillo acabé bajándolo sentado, a rastras, hasta rendirme y optar por poner los pies en alto sobre una de las butacas de la segunda fila: los mareos y sudores fríos eran ya más que evidentes. Me recuperé y salí en busca del baño, dejando detrás parte de mis pertenencias personales, pero no pude llegar a mi objetivo, otra vez volví a sentirme mal, así que me tiré al enmoquetado suelo del pasillo y puse los pies sobre la pared. Una pareja de mediana edad, muy amables, me ofrecieron ayuda (antes un chico preguntó por mi salud, pero le dije que ya me sentía mejor -como así era en aquel momento, pero me equivoqué-), el hombre sujetó mis piernas en alto y pronto apareció una acomodadora del cine, que llamó al Samur. Me volví a sentir mejor, le di las gracias al hombre y su mujer cuando se marcharon, y me senté, mas de nuevo volvieron los mareos, en esta ocasión la chica del cine me sujetó las piernas, mientras me informaba que el fin de semana había sido movidito al respecto. Al volver a mejorar mi estado la acomodadora fue en busca de un sillón, que trajo ella misma, allí me senté a la par que me traían lo que me había dejado en la sala. No tardaron en llegar los chicos del Samur, que estuvieron un buen rato en el mismo cine atendiéndome, y viendo que me iban y venían los mareos e incluso nauseas, decidieron llevarme en camilla a la ambulancia (ha sido la primera vez que me han transportado en camilla, fuera de un hospital, y me han metido en una ambulancia). Allí, después de un rato de estar cabeza abajo, comprobar la tensión y las pulsaciones, me dieron la opción de ir al hospital para estar en observación, cosa que rechacé al sentirme bien. Así que me levanté, les agradecí su ayuda y atención, y me fui de nuevo a mi hogar, recuperado y con la cosa de no haber visto la película hasta el final. Así pues, he sido una nueva víctima de Danny Boyle, que ha hecho que por primera vez en mi vida haya salido de la sala antes de que aparecieran los créditos.


LO MEJOR:
-La pareja que me ayudó y la chica del cine, así como el chico que preguntó por mi estado, cuando el resto de la gente pasaba de largo sin aparentemente molestarse en mirar a un tipo que estaba tirado en el suelo.
-Los chicos del Samur, simpáticos y profesionales, hicieron que el trance fuera algo menos vergonzoso y doloroso.
-James Franco, muy buena su interpretación. Bien merecida su nominación a los Oscar.

LO PEOR:
-Que a algunos les pareció gracioso verme tendido en el suelo con los pies sobre las butacas. No niego que dicha escena pueda tener cierta comicidad, pero pienso que al menos antes de reír hay que comprobar el estado de la persona.
-Que nadie de la sala se levantara para comprobar mi estado, y que en el pasillo muchos pasaran de largo sin preguntar, ¿y si hubiese sido un tipo con un ataque al corazón?

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de Boyle, y las historias de supervivencia extrema en general.

¿Y quién no?
Si eres sensible a las escenas duras y realistas. O al menos recomiendo que no mires la escena en cuestión y sobre todo evitar sugestionarte en exceso, como a mí me pasó.

Resultados encuesta ci-fi y ahora secuelas

Muy buenas, queridos lectores. Como habréis notado, en esta ocasión me he retrasado en comentar los resultados de la última encuesta, pero es que uno no siempre está ocioso y de vez en cuando el deber le llama, así que respondí a dicha llamada, y en cuanto he tenido un hueco he dedicado parte del mismo a analizar concienzudamente los resultados finales.

Antes que nada reconocer que en esta ocasión se me han olvidado películas clave en nuestra infancia, que seguro a más de uno debió de marcar más que mucho, como E.T. El extraterrestre, o Encuentros en la tercera fase o Tron, ya no volveré a cometer el mismo error.


Un dato a destacar en esta entrega encuestil es que ninguna de los nueve filmes a los que se podían seleccionar se ha quedado sin voto, todos han tenido alguno, aunque el que ha ganado por goleada ha sido La guerra de las galaxias, que con sus 11 votitos se ha llevado el gato al agua como la peli de ciencia-ficción que más marcó la infancia de los participantes, se nota que las aventuras de Luke Skywalker, Han Solo y la princesa Leia nos dejó boquiabiertos a más de uno; en segundo lugar, a cinco votos de la primera, tenemos al androide por excelencia y uno de los films de viajes en el tiempo más atemporales, Terminator, donde Linda Hamilton se hartó de correr junto con Michael Biehn porque les seguía una máquina de dos patas con muy mala uva; completando el podio, y sólo por un voto de diferencia, tenemos al octavo pasajero, Alien, aquel que hizo pasarlas canuta a los tripulantes de la Nostromo, de hecho lo pasaron tan mal que se murieron todos menos una testaruda teniente y un gato; tras ella tenemos otro mítico filme de viajes temporales, Regreso al futuro y justo después uno de los filmes postapocalípticos más divertidos e interesantes que existen, Mad Max 2. Empatadas a un voto están Desafio Total (otra del gran Chuache), la versión original de El planeta de los simios, que tiene uno de los finales más impactantes que se hayan hecho jamás, nada que ver con el vergonzoso remake que realizó Tim Burton; Enemigo mío, una hermosísima historia de amistad interracial e intergaláctica; y Robocop, la segunda película del director Paul Verhoeven de la lista, un tipo que es capaz de lo mejor y de otras cosas no tan buenas.

Y ahora os dejo con los detalles de votos y los porcentajes, además de con los comentarios a la nueva encuesta, aunque antes también me gustaría indicar que la participación ha sido notablemente superior, llegando a 33 participantes, por lo que me doy por satisfecho por la progresión.

¿Cuál fue la película de ciencia-ficción que más os marcó?

*La guerra de las galaxias --> 11 votos (33%)

*Terminator --> 6 votos (18%)

*Alien, el octavo pasajero --> 5 votos (15%)

*Regreso al futuro --> 4 votos (12%)

*Mad Max 2 --> 3 votos (9%)

*Desafío Total --> 1 voto (3%)

*El planeta de los simios (1968) --> 1 voto (3%)

*Enemigo mío --> 1 voto (3%)

*Robocop --> 1 voto (3%)

Votos totales: 33


NUEVA ENCUESTA

Como seguro que habréis comprobado, desde hace unos días tenéis una nueva encuesta en el menú de la derecha. Pensando en lo que se suele decir se me ocurrió que sería buena idea dedicarla a las secuelas, así que me puse a repasar títulos y decidí poner unos cuantos para comprobar cuál os gustaba menos.

En esta ocasión, para evitar olvidos, he puesto la opción de seleccionar “Otra”, en dicho caso no estaría mal que en esta misma entrada pusierais un comentario indicando cuál es la película en cuestión. Por cierto, la lista, como siempre, está realizada con criterios subjetivos, de hecho no pienso que todas esas secuelas sean malas propiamente dichas (una de ellas me encanta), aunque de algunas no me cabe la menor duda.

¿Cuál es la peor secuela de todos los tiempos?

*Scream 2

*La Momia 3

*Tron: Legacy

*Esta abuela es un peligro 2

*Men in Black 2

*Batman y Robin

*Alien vs. Predator 2

*Matrix Revolutions

*Indiana Jones 4

*Star Wars Episodio 1

*Misión Imposible 2

*Terminator 3

*El proyecto de la bruja de Blair 2

Ya sabéis, ¡no olvidéis votar!

Crónica de la IV Japan Weekend Madrid

Estaba dudoso, así que preferí ser precavido y poner el despertador a una hora temprana. Y a las 8:30 me despertó, como casi todos los días, The Final Countdow de Europe. Estaba perezoso, pero me dije que era 29 de enero y había que celebrarlo de alguna manera, así que me incorporé y vestí, tomé unos cereales, me hice una tortilla francesa con queso y con ella un bocadillo, lo metí en la mochila junto con un par de zumitos y agua, me lo eché todo a cuestas y emprendí mi camino hacía el Pabellón de Convenciones de la Casa de Campo, lugar donde se celebró el 29 y 30 de enero la cuarta edición de la Japan Weekend madrileña.

Llegué un poco más tarde de lo que me hubiera gustado, sobre las 10:30, mis ojos observaron entonces a un par de frikis en mitad de la calle dándose espadazos, no tardé en entender por qué lo hacían, pues una larga y ancha cola se perdía acera abajo. Con la cabeza gacha me coloqué al final de la fila y allí me quedé, distrayéndome con la conversación de los de delante y observando al personal cosplayeado. Respecto a eso, hay gente que tiene mucho valor o simplemente son unos inconscientes, porque hacer cola un día nublado de enero, con la sola vestimenta de unos pantalones no lo veo muy normal (ni inteligente), ¡con lo fácil que es vestirse en los baños del evento!, pero no, ahí estaban un par de chavales con pose chulesca, pero que se veía desde lejos que tenían la piel de gallina y temblaban como flanes. Aunque no sólo eran tíos, realmente la mayoría que llevaba poca ropa eran féminas, por cuyas faldas cortas les debía de entrar un airecito la mar de fresco que en otras épocas seguro que resulta muy agradable, pero que en invierno debe dejarles el chumino congelado. Pero vamos, no seré yo quien me queje porque las mujeres os decidáis por poneros minifaldas (o cinturones gruesos), de hecho hay estudios científicos que afirman que la vida de los hombres que se recrean la vista con tales paisajes se alarga considerablemente (también habría que preguntarles a qué se refieren exactamente con “vida”). Vamos, que allí estaba yo haciendo cola mientras me recreaba la vista, y menos mal que tenía algo que mirar, pues estuve al menos tres cuartos de hora, por lo que cuando llegué a la entrada mi alivio fue mayúsculo.

La Japan Weekend tiene una cosa que se denomina “entrada anticrisis”, dicha entrada cuesta 10 euros (en su modalidad 1) y con ella te puedes llevar una de las series disponibles. En las tres pasadas ediciones me he pillado GITS Stand Alone Complex (el pack de los episodios de “El hombre que ríe”), GITS Stand Alone Complex 2nd GiG, y los DVD sueltos de Cowboy Bebop (aunque para mí que acabaré por comprarme el pack, me mola más), empero, en esta ocasión no me llamaba la atención ninguna serie en particular, así que opté por la entrada normal, que son ni más ni menos que 6 euracos, o sea, un precio bastante alto para entrar a un sitio donde, básicamente, hay tiendas. Una vez tuve la entrada en mis manos pasé al recinto y observé un poco el panorama: a mí izquierda estaba la zona de videojuegos, donde había unas cuantas Xbox 360, una de ellas con Kinect, una PS3, una PSP (con la que jugué al Split/Second, un juego de coches entretenido pero con poca sensación de velocidad), una Wii con el Tatsunoko Vs. Capcom, y varias Nintendo DS (probé el Dragon Quest IX, y me dio buenas sensaciones); cerca de allí, bastante escondida, también había una maquinilla de baile y un estand; justo en frente estaba el puesto de Selecta, lugar donde haría mis mayores compras, pues acabé por agenciarme con los DVD de La chica que saltaba a través del tiempo, El verano de Coo, Demon City y Wicked City, todos a un precio bueno o muy bueno; a la derecha de la entrada había un estand y tras éste estaba el escenario B, que en la práctica era una sala de proyecciones. Y hablando de sala de proyecciones, como estaba cansado de estar tanto tiempo de pie me fui a la misma, ya que estaba prevista la proyección de los dos primeros episodios de Freedom (serie de OVA con el diseño de personajes de Katsuhiro Otomo), pero me llevé un pequeño chasco, puesto que eran las 12:30 y aún seguían echando Kat-Kun, que es un programa de una TV japonesa que le hacía mucha gracia a muchos (muchas sobre todo) de los que había allí presentes, pero que para quien esto escribe en la mayoría de las ocasiones, aunque comprendía por qué se reían, no le veía la gracia. Más tarde medité un poco sobre el asunto y llegué a la conclusión de que era posible que finalmente proyectaran Freedom en el escenario B, ya que lo que era la sala de proyecciones (bueno, ése es el nombre que le pusieron, pero de sala tenía poco, ya que no estaba aislada del resto del recinto por ninguna barrera física) carecía de altavoces suficientemente potentes para que nos enterásemos en condiciones de los diálogos.

Harto de ver a un grupo de mozos con los ojos rasgados haciendo tonterías, me fui a dar un paseo. En los puestos no había nada del otro mundo, de hecho en ninguno me compré nada de manga, aunque sí que me hice con tres fanzines (los dos de Katz a un precio muy barato, y mira que el papel y la impresión son de mucha calidad) y de paso me percataba, o al menos tuve la sensación, de que habían menos puestos que de costumbre, lo que conllevaba que no estuviésemos hacinados como borregos, sólo en algunas zonas había aglomeraciones apañadotas. Una vez vista la parte baja, incluido el escenario, que está donde siempre, al fondo del todo, me fui a la parte de arriba, por donde además de comprobar que había juegos de mesa, más consolas (incluyendo algún torneo, como el de Mario Kart, o Street Fighter IV) y una pequeña zona de conferencias, también pude gozar de la vista general del evento, y comprobé que para ser sábado no estaba tan abarrotado como en anteriores ediciones, ¿quiere decir esto que la gente ya está un poco saturada de tanto evento? Pues es muy posible, teniendo en cuenta que se celebran dos Japan Weekend al año, un Expomanga y un Expocómic, además de multitud de jornadas y algunas jornadas que afirman ser salones, la gente pide a veces un respiro a sus bolsillos y a su frikismo. Por cierto, desde esa misma zona, aunque más tarde, vi un espectáculo bastante currado en el escenario, era un grupo de otakus recreando algunas escenas de alguna serie que no supe reconocer, y que me hubiese gustado grabar si no me hubiera olvidado la cámara de fotos; lo cierto es que la representación que ofrecieron me recordó a una del Expomanga 2008.

Después del paseillo me fui al escenario B, donde visioné parte de un documental, Japón, tesoro perdido, donde se explicaba la historia del país del sol naciente de forma bastante amena. A continuación proyectaron Sword of the Stranger, un film animado del estudio Bones muy divertido, repleto de samuráis, de sangre y de miembros amputados. Mientras disfrutaba del mismo me comí el bocata y me bebí los dos zumos... otra vez me había quedado un poco corto con la comida, pero no pasé hambre.

Una vez terminó el filme que en España ha editado Selecta Visión, me fui a dar otro garbeo, donde volví a deleitar mi sentido de la vista con algunas mozas de vestimenta escasa, y también otras y otros de cosplays bastante trabajados y con más tela o cartones del telepizza (o de lo que se tercie). Lo siguiente que vino de interés fue la conferencia de Ediciones Babylon, que versaba sobre el manga de creación nacional. Estaban presentes en el acto Henar Torinos, la autora de Mala Estrella, Kaoru Okino (Fátima para su familia), que ha realizado Joker, el editor (o alguien que se le presupone editor, ya que no se presentó -o no lo oí en todo caso-) además de dos chavalas, creo que estas últimas es posible que fuesen de la organización, ya que una de ellas fue la que movió los hilos para que acudieran al evento los anteriormente nombrados. Bien, la conferencia estuvo entretenida, nos explicaron su visión del manga hispano, así como del mundo editorial, nos enteramos si vivían del cómic o hacían otras cosillas (Henar parece que también se dedica a la animación), de cómo era su proceso creativo, etcétera. Al final del todo nos invitaron a quien quisiera a comprar un ejemplar y pedirle una firma a las autoras. Yo me compré ambas obras, ya que me quedé en el Expocómic pasado con el gusanillo, y les pedí un garabato, por supuesto, y de paso tuve la oportunidad de conversar un poco con las mangakas, sobre todo con Henar, y lo cierto es que me cayó muy bien (también Kaoru, cuyo sentido del humor me resultó muy curioso), además le sonaba mi cara de algo, así que supongo que nos habremos cruzado en algún evento.

Una vez dadas las gracias, deseado suerte y decir “hasta luego” di otro paseo dubitativo. Con dudas sobre todo porque no sabía si irme o esperar un poco más, al final acabé otra vez en el escenario B, donde había una especie de presentación del film de imagen real de Gantz, basado en el manga hiperviolento e hiperhormonado de Hiroya Oku que actualmente edita Glénat. Yo tenía la idea de que iban a proyectar la peli también, pero se ve que se ha estrenado en tierras niponas este mismo sábado por lo que quizá no la proyectaran (y digo ahora “quizá” porque resulta que me acabo de acordar de que se estrenó antes en EEUU, pero la actitud de las “presentadoras” no me hacía presagiar que efectivamente la fueran a poner), así que cuando iban a sortear algunos tomos me fui, y esta vez sí que me fui del evento en sí. Estaba cansado.

Para concluir podría decir que fui a la IV Japan Weekend de Madrid sin ningún tipo de expectativas, ya que las ediciones anteriores no había salido muy contento que se diga. No obstante, analizando un poco las cosas, llego a la conclusión de que esta vez lo han hecho algo mejor, primero por dejar más espacio para que la fauna local pudiera desplazarse entre los puestos de manera más o menos holgada (en un recinto que por regla general se suele quedar muy pequeño), segundo porque había al menos una “sala” donde se proyectaba anime y lo que no es anime y se enteraba uno y todo (y se veía bien con el pedazo de televisor que pusieron), y tercero por la conferencia de Ediciones Babylon y la presencia de sus autoras, realmente resulta muy gratificante conocer y conversar (aunque sean tan sólo unas pinceladas) con los mangakas. Como notas negativas habría que decir que en el escenario B te quedabas helado cuando pasabas un rato allí, el precio de la entrada normal es caro, que la sala de proyecciones oficial dejaba mucho que desear, y que nos están saturando con tanto salón, así que sería lógico que la Japan Weekend pasara a celebrarse sólo una vez al año.

Para acabar os dejo una imagen con el material que me compré:

Nota: las otras dos fotos las he pillado de Ramen para dos y de Antonio Tajuelo, y no sé si son de esta edición del evento, pero al menos adornan un poco.

Lêttera, de Studio Kôsen

Garnet Rune es una maga un tanto engreída que usa sus poderes de forma irresponsable y cruel, hecho que le acarrea la maldición de una bruja más poderosa que ella, que la condena a que cada vez que realice un hechizo un tatuaje se marcará a fuego en su cuerpo, y cuando no quede ni un trozo de piel sin marcar, morirá. Es por ello por lo que inicia un viaje en busca de Erasel, la bruja que la maldijo, y para ello será capaz de usar hasta el inocente (y muy pesado) nieto de ésta. Pero no todo le será tan fácil como cree, pues se topará con un guerrero llamado Adamas que estará dispuesto a proteger al crío, y con un personaje que ya ha olvidado pero que le guarda mucho rencor.

 

Prosiguiendo con la Línea Gaijin de Glénat, me dispongo a comentar este manga del Studio Kôsen, compuesto por otras dos chicas (se ve que en esto del iberimanga las mujeres están al poder), Aurora García y Diana Fernández, que a la vez dirigen la colección. Estas dos autoras llevan ya unos añitos ofreciéndonos sus trabajos, pues empezaron a finales de los noventa con varias revistas de manganime ya desaparecidas (Minami, Shirase, Dokan...), por esa época también publicaron Garou-chan en Amaniaco Ediciones (creo que esta editorial también dejó de existir). Viendo que aquí en España todo se acababa, probaron suerte al otro lado del charco, primero en la editorial YaoiPress (una editorial que seguro que le mola a una que yo me sé, jejeje...) y después en Tokyopop (sí, las Xian Nu trabajaron también para dichas editoriales), todas las obras fueron licenciadas en diversos países, entre ellos España; de hecho, con Saihôshi obtuvieron varios premios en el Expomanga 2007.

 

Su nueva obra, Lêttera, en realidad no es tan nueva, pues, como se puede comprobar en los mismos extras del tomo, empezaron con ella en la revista Shirase (creo que algún capitulillo leí), pero la cosa se quedó inacabada por la desaparición de la publicación. Mas no decayeron e intentaron resucitarla, y no pararon hasta que lo consiguieron.

 

Lêttera es un shônen de aventuras con muchas gotas de humor, humor que proviene sobre todo de la protagonista, toda una antiheroína con una gran personalidad y de dudosa moralidad. La verdad de las verdades es que las Kôsen han creado a una protagonista con mucho carisma, y es gracias a ello por lo que la obra funciona, es Garnet Rune la que lleva el peso de la acción, sobre la que gira la historia, y si no fuera por ella quizá no estaríamos hablando de una obra que deja muy buen regusto, ya que si bien el resto de personajes tampoco es que estén mal (sobre todo Yeran, el niño, cuya inocencia no deja uno de cuestionarse), no llegan al nivel de Garnet (ese abrazo de Adamas, casi en el final, sigue sin convencerme).

 

Del dibujo sólo diré que está muy bien, que las Kôsen han evolucionado más que evidentemente a lo largo de estos años. El diseño de los personajes es atractivo, los fondos y escenarios son correctos aunque no muy abundantes, y las viñetas son claras, así que no se pierde uno en la acción. Obviamente todavía les queda que mejorar, pero su estilo ya está definido.

 

La edición es idéntica a la de Bakemono, de Xian Nu Studio, o sea, formato tankoubon, la sobrecubierta es muy llamativa (por ahora toda la Línea Gaijin destaca por las portadas y presentación en general). En cuanto a número de páginas, la historia en sí ocupa unas 160 páginas, y luego hay unas 24 páginas de extras, entre los que destacan un minicómic, una comparativa de la Lêttera actual con la versión de 2002, y la galería de fanarts. Todo ello por 7,95€ (impuestos incluidos).

 

En definitiva, Lêttera es un iberimanga con un buen dibujo, con un desarrollo muy entretenido y divertido en casi cada página, un gran sentido del humor transmitido sobre todo gracias a una protagonista carismática, y un final que da a pie a más aventuras, pero que a la vez es coherente con la historia que se narra (o sea, que se puede comprar el tomo sin miedo a que te veas “obligado” a agenciarte futuribles continuaciones). Recomendado para amantes del shônen, o lo que es lo mismo, para quien guste de los cómics cuya única pretensión sea divertir.

 

 

LO MEJOR: 

-La protagonista. Muy divertida, una gran antihéroe.

-El dibujo. Viendo los antiguos trabajos de las autoras, se nota que han evolucionado mucho (y esperemos que sigan así).

-La edición. Encuadernación, calidad del papel, impresión...

 

LO PEOR: 

-En líneas generales lo he disfrutado mucho, pero aún así el ritmo decae en algunos momentos. Pero nada grave, la verdad.

-Como ya apunté en Bakemono, si costara 45 céntimos menos me parecería un precio más justo. Aún así, no me arrepiento de pagar lo que vale.

 

La pregunta: 

¿Cómo sabe Alas el nombre de Adamas? ¿Hay otra historia ahí detrás?

 

Ya para acabar, os dejo el dibujito que me hicieron las autoras en el Expocómic:

Cinco años

Hace cinco años, justo a esta misma hora, publiqué la primera entrada del blog que lees.

Poco se parecía entonces a lo que es hoy, y no me refiero sólo al diseño, al fin y al cabo es lo de menos, sino al contenido, puesto que nació prematuramente, sin tener realmente claro si lo iba a dedicar a algún tema en particular. He aquí los motivos por lo que El BLOG de NEOVALLENSE nació.

Era invierno, hacia frío, pero, sobre todo, me aburría mucho y estaba desesperado, necesitaba expulsar mi rabia al mundo y también divertirme con ocurrencias estúpidas, así que pensé: ¿Por qué no hacerme un blog? Por lo que en vez de atender a la clase de Programación Visual, o quizá de Base de Datos, me puse a ello.

Al principio escribía sobre cosas personales, reflexiones venidas a cuento de experiencias etílicas ajenas, reflexiones políticas varias (que muy de vez en cuando meto alguna aún, y mira que hay material para hacer una entrada diaria al menos), crónicas de eventos producidos en clase o cualquier otro lugar, así como despotricaciones varias a mis profesores... Así nació el blog, y a partir de ahí creció, hasta que, cierto día, me dio por comentar una peli (aunque antes ya había comentado alguna otra), le cogí el gustillo, y fui reseñando casi todas las que veía, hasta convertir El BLOG de NEOVALLENSE, en una bitácora donde predominan las críticas/reseñas sobre cine a todo lo demás. No sé si es mejor que cuando comencé (deseo que sí), pero lo que sí sé es que si bien empecé a escribirlo por desahogo, ahora lo escribo casi por necesidad (y eso que también he tenido momentos en los que no sabía si seguir), porque me gusta compartir mis opiniones, porque me gusta escribir, y porque adoro que me aduléis y me adoréis (jeje, es broma, claro). O sea, para ser más concisos, lo hago porque disfruto.

Cinco años ya, cinco. Espero no cansarme y hacer que el blog cumpla al menos otro lustro más.


Por último, no puedo acabar sin mencionar a mis lectores, sin ellos las palabras que aquí escribo no tendrían sentido, puesto que sóis vosotros las que le dáis verdadera vida. Me encanta mirar las visitas y comprobar que me leen gente de mi tierra, y de Madrid, Barcelona, Vigo, Ciudad Real, Valencia, y otras tantas ciudades de España; pero también gente de México, Argentina, Chile, Venezuela, Colombia y otros tantos países de latinoamérica; así como de Estados Unidos, Francia, Alemania... incluso de Tailandia, Japón, Australia y Rusia he recibido alguna que otra visitilla (supongo que accidental). No es que seáis millones, pero no todo lo que cuenta es la cantidad. Gracias por leérme.

Recuerdos del ayer

Taeko es una joven de Tokio que se va de vacaciones al campo. Después de una conversación telefónica con su madre, y sin saber por qué, le van viniendo a la cabeza recuerdos de cuando estaba en quinto de primaria. A lo largo de su viaje, y aún cuando llega a su destino, dichos recuerdos la van embargando, haciéndole reflexionar sobre su presente y lo que desea para el futuro.

Basado en el manga de Hotaru Okamoto y Yuko Tone, que en España editó Dolmen Editorial con el título Only yesterday, Recuerdos del ayer (Omohide poro poro, 1991) es un drama costumbrista dirigido por el siempre sobrio Isao Takahata (Pompoko, La tumba de las luciérnagas), o sea, que no por ser animación está realizado para un público exclusivamente infantil, de hecho seguramente lo disfruten más lo espectadores más talluditos.

Los cambios respecto a la obra original son sustanciales, ya que en el cómic sólo se narran diversas vivencias de la Taeko de 11 años, por lo que la historia aunque simpática resulta plana. Al introducir el personaje adulto el director de Mis vecinos los Yamada logra contar una historia llena de matices y, sobre todo, consigue que nos identifiquemos con la protagonista en ciertos momentos. Los recuerdos de Taeko nos cuentan cosas pequeñas, aparentemente sin importancia, pero que encajan en el presente de la Taeko adulta aportándonos información sobre la misma y sus sentimientos, vislumbrando lo que al final se hará evidente.

A pesar de ser un filme que cumple ya 20 años, el tiempo ha pasado muy bien por él, y no me refiero a la calidad de la animación (que también), sino que la historia (el fondo de la misma) sigue siendo totalmente actual. Por otra parte los escenarios y fondos, especialmente los rurales, son muy bellos y realistas, y lo acompañan la excelente música de Katsu Hochi y un diseño de personajes marca de la casa.

Concluyendo, Recuerdos del ayer es un filme pausado en su desarrollo, pero que tiene capacidad de atrapar gracias a una historia tierna, buenos diálogos y unos personajes entrañables. Un melodrama en anime con toda la calidad del Studio Ghibli.

LO MEJOR:
-Ese aire entre melancólico y nostálgico que impregna la atmósfera del film durante todo el metraje.
-La banda sonora.
-El contrapunto que supone ver cualquier película de Takahata ante las de Miyazaki. Es un contraste muy gratificante.

LO PEOR:
-Que Takahata no nos obsequie más a menudo con nuevas obras (desde 1999 no ha dirigido ningún largometraje).

¿Quién debería verla?
Aquí seguro que me repito, así que no digo nada.

¿Y quién no?
Es una película pausada, no hay peleas, ni explosiones, sólo nos cuenta la historia de una chica que busca su sitio, o sea, que puede no satisfacer a aquellos que prefieren un cine en el que sucedan más cosas.

La edición en DVD:
La calidad es la que nos tiene acostumbrados Aurum, o sea, bastante buena en lo que se refiere a la imagen y al sonido, así como al doblaje. Los extras son más bien escasos, aunque esta vez incluye un "Cómo se hizo" muy interesante de unos 45 minutos; además vienen los tráilers originales y el storyboard completo de la película.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1

Viendo que difícilmente iba a poder ver Harry Potter y el Misterio del Príncipe antes de que su continuación dejara de estar en cartelera, me lancé ayer (10 de enero al escribir estas líneas) al cine para visionar la primera parte de la séptima entrega de la saga del mago gafotas, y lo cierto es que apenas noté que me faltaba una película por ver.

En esta ocasión desde el comienzo se ve que la cosa está negra. El Señor Oscuro quiere matar a Harry, sea como sea, por lo que Ojoloco y un grupo de magos trazan un plan para esconderlo. Pero las cosas no salen como esperaban y Harry, junto con Hermione y Ron, deberá huir para salvar su vida, mientras que busca los horrocruxes y una manera de destruirlos.

Sorprende que el director que pertrechó ese desaguisado llamado Harry Potter y la Orden del Fénix haya logrado realizar un film como Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1, 2010), que es verdaderamente magnífica (quizá el tiempo extra que se tomaron una vez dada por finalizada haya ayudado a ello). Nada más comenzar el ritmo es trepidante, con unas persecuciones realmente espectaculares que hacen que uno tema en más de una ocasión por el destino de Potter; aunque, una vez pasada la huída inicial, viene una parte donde casi parece que estamos viendo una historia postapocalíptica, con los paisajes vacíos de gente, con tan sólo los tres amigos en pantalla y el sonido de la radio de fondo, generando una atmósfera desasosegante. Así, en esta entrega nos encontramos con que es un film de acción y aventuras, pero a la par tiene muchos momentos de calma, pero una calma llena de tensión, donde los protagonistas hacen una huída silenciosa, escondiéndose en rincones perdidos y luchando incluso contra sí mismos. Es, pues, una película oscura, como viene siendo habitual en las últimas entregas, aunque probablemente la siguiente y definitiva parte será la más tenebrosa de todas.

Sobre el reparto actoral, pues poco hay que decir salvo que están todos los importantes de la saga, empezando por el trío protagonista, Daniel Radcliffe, Emma Watson y Ruppet Grint, que lo hacen estupendamente; luego por supuesto tenemos a Ralph Fiennes (El jardinero fiel) como Voldemort, Imelda Staunton (El secreto de Vera Drake) como Dolores Umbridge, Alan Rickman (Héroes fuera de órbita) en su papel de Snape, Helena Bonham Carter (lo mejor de Alicia en el país de las maravillas) como la peligrosa Bellatrix, y Jason Isaacs (Green Zone: Distrito protegido) como el pérfido Lucius Malfoy, que ya no es tan fiero como antes; entre otro muchos. O sea, un gran elenco repleto de caras conocidas y talentosas.

Por otra parte destacar también el magnífico diseño de producción, los efectos especiales y la fotografía, además de la música de Alexandre Desplat. Todo ello hace que la ambientación está del todo lograda (también hay que decir que todas las películas brillan en este aspecto) y los momentos de máxima tensión estén conseguidos.

En conclusión, que David Yates ha sorprendido a propios y extraños firmando la que es, para quien esto escribe, la mejor película de la franquicia (junto con El Prisionero de Azkaban), por lo que uno se queda con muchas ganas de ver la segunda parte (y más después de ese final).

LO MEJOR:

-El emocionante inicio, toda una persecución al elegido.

-Los efectos especiales, la fotografía, los escenarios, incluso la dirección de Yates...

-El reparto, un variado elenco que está muy metido en su papel.

-La música de Alexandre Desplat.

-El cuento de los tres hermanos y las reliquias de la muerte, contado en forma de corto de animación.

LO PEOR:

-La parte intermedia del film tiene un ritmo mucho más pausado que su inicio, así que se le puede hacer lenta a parte del personal.

-Algunos momentos de mareantes movimientos de cámara, aunque es cierto que logra darle un toque más realista y angustiante.

¿Quién debería verla?

Si has visto las anteriores películas, aunque te hayas saltado alguna, merece la pena ver el principio del fin de las aventuras del mago de la cicatriz en la frente.

¿Y quién no?

Quien tenga odio patológico a los personajes creados por J.K. Rowling.

Leer critica Harry Potter y las Reliquias de la Muerte en Muchocine.net

Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba

No sé qué me pasa con esta saga, siempre digo que la siguiente no la veo y finalmente termino por caer, y lo peor es que al ver los avances me llama la atención, y claro, luego me dice alguien ir a verla al cine y no puedo decir que no. Para rematar en esta ocasión la he visto en formato 3D debido a que por horario era la que mejor nos venía, y lo cierto es que si bien queda resultón en algunos momentos, la mayoría de las veces casi ni se nota, por lo que si alguien piensa visionarla en dicho formato porque cree que molará más que sepa que está equivocado.

En esta tercera entrega (que ya no produce ni distribuye Disney, sino Fox, junto con, esta sí repite, Walden Media), Lucy y Edmund Pevensie, los hermanos pequeños, viven en un Cambridge belicoso, en la casa de su tío y con la maravillosa compañía de un primo que les considera invasores entre otras cosas. Los hermanos no dejan de suspirar por Narnia y por salir del agujero donde están metidos y, como suele ocurrir, sus deseos se convierten realidad y las pesadillas de su primo Eustace también, puesto que éste les acaba acompañando en un asfixiante viaje. En Narnia les salva el ya rey Caspian, y juntos, a bordo del Viajero del Alba, irán en busca de los siete lores desaparecidos.

El peor defecto de las dos películas precedentes era que no tenían personalidad propia, eran un batiburrillo de El Señor de los Anillos y Harry Potter, con algunos elementos típicamente disneyanos. En esta tercera entrega se puede decir que el aroma al anillo único y a varitas mágicas disminuye notablemente, así que se podría afirmar que el mayor acierto de Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba (The Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader, 2010) es haber encontrado esos rasgos estéticos y estilísticos que le dan una cierta personalidad, aún así, lo cierto es que esta entrega es igualmente descafeinada, como lo fueron El León, la Bruja y el Armario y El Príncipe Caspian.

Y eso a pesar de que se encarga de la dirección Michael Apted (sustituyendo a Andrew Adamson, que ejerce de productor), un director con interesantes películas en su haber como Gorilas en la niebla o Corazón trueno. Pero si el material inicial es ya de por sí insulso poco se puede hacer, y mira que hasta donde yo sé los guionistas se han alejado del texto de C.S. Lewis para darle más vidilla a la historia, pero ni así han logrado un producto notable. Sin embargo, aunque sea un trabajo bastante blando, distrae, no entusiasma, pero entretiene e incluso llega a emocionar al final.

Curiosamente, lo verdaderamente mejor de La Travesía del Viajero del Alba es el personaje que con tan sólo mirar los carteles ya no cae bien, sí, me refiero a Eustace, el primo de Edmund y Lucy, un chaval de lo más odioso, que se ve trasladado a un mundo de fantasía y que tarda lo suyo en dejar su incredulidad y escepticismo a un lado; son sus ocurrencias y egoísmo lo que da pie a los mejores momentos, y es precisamente el que otorga mayor emotividad al final (él y el otro personaje destacable, Reepicheep, el roedor).

En definitiva, Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba es igual de sosa que los dos primeros filmes de la franquicia, con la salvedad de que al verla no estás todo el rato sintiendo déjà vus, además la inclusión del personaje del primo es un añadido interesante y el final es emotivo. Recomendable para los que gustaron de anteriores entregas.


LO MEJOR:
-La incorporación del primo.
-Los efectos visuales, tiene algunos momentos bonitos y otros espectaculares (el bicho del final).

LO PEOR:
-Es sosa, esta saga dudo mucho que algún día deje de ser sosa.
-Tanto simbolismo e implícitos mensajes "cristianizadores".
-Las tres dimensiones no están muy aprovechadas.

¿Quién debería verla?
Si te gustó El León, La Bruja y el Armario y también El Príncipe Caspian.

Leer critica Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba en Muchocine.net
También podéis leer el destripe en Spoilerblog.

Tron: Legacy

En 1982 se estrenó sin pena ni gloria Tron, film de ciencia ficción de estética muy arriesgada y novedosa, pero que quizá por eso mismo fue incomprendido o llanamente ignorado por el público de la época. A pesar de ello, a medida que pasaba el tiempo el film dirigido por Steven Lisberger fue ganando popularidad hasta convertirse en lo que es hoy: una película de culto. Desde años ha se lleva hablando de una secuela, pero no es hasta hace relativamente poco que se confirmó, y a finales del ya fenecido 2010 se estrenó la tan ansiada continuación de las aventuras de Kevin Flynn.

Para muchos (como el bueno de Heitor) ha supuesto toda una decepción, un engaño, probablemente debido a que vieron el largometraje original en sus años mozos, y todos sabemos que es en esa etapa donde se nos suelen marcar verdaderamente las películas, donde nos encariñamos por siempre de los personajes y sus aventuras en mundos extraordinarios, aunque seamos conscientes de que tampoco son una maravilla, hay trabajos por los que nunca dejaremos de sentir especial devoción por culpa de haber sido niños. Y ése no es mi caso, y no es porque no haya sido un infante, sino porque vi hace unos tres o cuatro años Tron, y ciertamente me encantó, pero no me dejó esa imagen indeleble que tengo de muchos otros filmes. O sea, que Tron: Legacy (Ídem, 2010) no me ha supuesto un desengaño.

Con ello tampoco estoy diciendo que el primer trabajo para cine de Joseph Kosinski me haya deslumbrado, puesto si bien en el plano técnico es destacable, el guión no es que sea precisamente prodigioso.

La historia se sitúa 20 años después de la primera parte, Kevin Flynn desapareció y dejó a un hijo resentido y a una empresa sin presidente. Mas cierto día Allan Bradley, el que fuera mano derecha de Kevin, le comunica a Sam Flynn que ha recibido un mensaje de su padre, y le da las llaves de unos viejos recreativos. Allí irá Sam con su flamante Ducati, y desde allí se introducirá sin querer en la Red, donde descubrirá que Clu, un programa que creó su progenitor, domina con mano férrea dicha red, y, por supuesto, se encontrará con Kevin Flynn. Con la compañía y ayuda de Quorra, deberán escapar de su prisión y liberar a la Red del yugo de Clu.

Como ya he comentado, el guión no es muy bueno, empero, por lo que a mí respecta, durante casi toda la cinta éste no rechina especialmente, aunque sí algunos diálogos. La trama transcurre sin sorpresas pero resulta divertida, de hecho su comienzo, aunque un tanto manido, me pareció incluso prometedor. Donde muestra sus mayores debilidades es en el último tramo, principalmente con el cambio que sufre un personaje de buenas a primeras, una transformación que no tiene ninguna lógica y que Edward Kitsis y Adam Horowitz (los guionistas de la función) parecen que usan para salir del paso; poco más tarde, el clímax final, tampoco convence (o al menos a mí no me convence). Hasta esos momentos, en general, me estaba dejando buenas sensaciones, así que fueron llegar éstos y mi impresión general del filme bajó muchos enteros; no obstante, el último paseo en moto, ese plano final, me gustó, por lo que me quedé con una sensación agridulce.

En lo referente al plano visual, pienso que no marcará un antes y un después, pero que es el aspecto mejor acabado del film. Nos regala algunas escenas realmente espectaculares y bellas, como la lucha de motos y, sobre todo, esa batalla final en los cielos virtuales. Además hay que decir que el 3D estereoscópico queda muy bien, por lo que es recomendable verla en este formato (otro detalle que me ha gustado, y que veo del todo lógico, es que las secuencias en el mundo real se hayan rodado en 2D).

En cuanto al reparto, Jeff Bridges (Iron Man, Starman) repite como Kevin Flynn, de hecho repite por partida triple, ya que interpreta al Flynn actual y también a un Flynn más jovenzuelo y a su copia virtual, Clu. En este caso esto lo han conseguido gracias a la magia digital, siendo el resultado muy convincente, si bien aún queda camino para que los personajes humanos digitales en entornos más o menos reales nos resulten cien por cien naturales. Como el retoño de Kevin, Sam Flynn, tenemos a Garrett Hedlund, que quizá reconozcáis un poco por Troya, en la que interpretó al "primo" de Aquiles, Patroclo, y el cual también ha trabajado en otros filmes más o menos épicos como la fallida adaptación de Eragon; aquí su trabajo no es que sea muy fino, pero cumple. Otros miembros del elenco a destacar es la despampanante Olivia Wilde, conocida por su personaje en House, y que aquí se hace de una fémina ingenua por un lado y aventurera por otro; Bruce Boxleitner continúa con su papel del primer Tron, y es un rostro conocido a todo aquel que sea aficionado a las series televisivas, puesto que en los últimos años sus trabajos se centran en este medio; también nombrar a Michael Sheen (Underworld, El desafío - Frost contra Nixon), sobre todo porque su personaje me ha recordado muy mucho al Merovingio interpretado por Lambert Wilson en las dos secuelas de Matrix (y no es lo único de la película en lo que he visto influencias de la trilogía de los Wachowski).

En definitiva, Tron: Legacy ofrece lo que promete: espectaculares efectos especiales, carreras de motos de luz, aventura y acción. Una película para pasar el rato que podría haber sido algo más.


LO MEJOR:
-Todo el plano visual: los efectos especiales, la recreación de la Red, las 3D...
-La batalla aérea del final, muy espectacular.
-La banda sonora, obra de Daft Punk.

LO PEOR:
-El guión, sobre todo en la parte final.
-El repentino cambio de cierto personaje casi en el desenlace, para nada creíble.

¿Quién debería verla?
Quien quiera ante todo recrearse la vista con bonitos entornos virtuales y buenos efectos especiales. Aprovecha bien las tres dimensiones estereoscópicas.

¿Y quién no?
Si eres fan acérrimo de la película original ésta podría causarte decepción, y también si esperas una historia muy elaborada.

La frase:
Es como una caja fuerte que se abre desde fuera. Kevin Flynn (experto en cajas fuertes).


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Pete Postlethwaite nos ha dejado

Otra noticia fúnebre respecto al cine, ya que un cáncer se ha llevado a este actor británico de 64 años. Pete Postlethwaite, formado en el teatro, ha brillado sobre todo con papeles secundarios, y a mí al menos era una cara que siempre me ha gustado ver, ya que era un buen intérprete que sabía darle el toque adecuado a su personajes.

Recuerdo con simpatía a su fraile poeta de Dragonheart, o al cazador obsesionado con dar cazar a un Tyrannosaurus rex en El mundo perdido: Jurassic Park; también trabajó bajo las órdenes de Spielberg en Amistad. Pero no fue con el único director de prestigio con el que colaboró, pues lo hizo con Michael Mann en El último Mohicano o muy recientemente con Christopher Nolan en un breve papel en Origen, con Baz Luhrman en Romeo y Julieta, o Jim Sheridan con En el nombre del padre. Su última interpretación ha sido en Killing Bono, un film dirigido por Nick Hamm con estreno previsto para este año.

Ya estamos en 2011

¡FELIZ AÑO NUEVO!