Destino oculto

Otro año más y otra Muestra Syfy más, y para inaugurar el evento ni más y ni menos que una película protagonizada por el muy ocupado Matt Damon. Antes de ello nos requisaron móviles y cualquier dispositivo electrónico que pudiera almacenar algo, ¡incluido discos duros portátiles!, que eso, como todo el mundo sabe, por sí solos no pueden grabar vídeos... total, que el personal se indignó con razón, más aun teniendo en cuenta que la película se estrenaba el día siguiente.

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Dirigida por quien escribiera los guiones de El ultimátum de Bourne, Ocean’s Twelve, La sombra de la sospecha y Timeline, el debutante George Nolfi, y basándose en un relato de Philip K. Dick, Destino Oculto (The Adjustment Bureau, 2011) nos relata cómo David Norris, un joven y polémico congresista, que va para senador, conoce a una joven atractiva y extrovertida. Pero en dicha relación pronto se interpondrán unos personajes misteriosos ataviados con sombreros, quienes controlan en la sombra la vida no sólo de Norris, sino de todo el mundo.

Al ver hace unas semanas el tráiler de Destino oculto ya me dije a mí mismo que la historia resultaba interesante, pero que el tráiler en sí tenía mala pinta. Por desgracia, no me equivoqué. Y no es que empiece mal, de hecho su comienzo hace presagiar que uno va a contemplar un film notable, la presentación de los personajes principales, la primera aparición de los hombres con sombrero, así como la química que hay entre Emily Blunt y Matt Damon lo constatan. Pero a medida que avanza la trama la cosa se va enfriando, poniendo un punto y final además demasiado blandito, que tira más para lo romántico que para el lado más oscuro, que bien seguro hubiese dado resultados mucho más interesantes e inquietantes. El camino que toma Nolfi ha dado como resultado que al hacer acto de presencia los créditos finales el espectador se quede por completo indiferente. Con eso no quiero decir que sólo por culpa del final haya fallado, sino que se trata de algo que viene del minuto cuarenta y cinco (más o menos) en adelante, ya que los acontecimientos a partir de dicho momento, básicamente, se van repitiendo; todo es una larga persecución; todo es atravesar puertas que no saben dónde te irán a llevar (algo parecido a las puertas traseras de The Matrix Reloaded), es alargar una historia para que dure lo suficiente para ser largometraje.

Si algo hay que destacar mínimamente de esta producción (aparte del entorno donde se desarrolla) es la labor de algunos de sus actores, sobre todo de Emily Blunt, la chica que estaba coladita de un velludo Benicio del Toro en la mediocre nueva versión de El hombre lobo, ella y Matt Damon (Más allá de la vida, Valor de ley) hacen una pareja con química, sobre todo en la primera parte de la película, lástima que luego los derroteros se tuerzan. El resto del reparto está correcto, nada más.

Adaptar un cuento de Philip K. Dick siempre es un reto difícil, muy pocos han realizado un producto decente inspirándose en los escritos del escritor nacido en Chicago, y sólo dos se pueden considerar grandes obras del cine fantástico, por lo que George Nolfi tenía por delante una tarea ardua que al final ha resultado fallida. Entretiene, pero deja indiferente, que es lo peor que le puede pasar a una película.

LO MEJOR:
-Emily Blunt, y la química que desprende con Matt Damon.
-La primera parte de la cinta, tiene suspense y buenos detalles.

LO PEOR:
-Tras cuarenta y cinco interesantes minutos la historia va decayendo de forma constante.

¿Quién debería verla?
Si deseas ver una película romántica con tu novia, es una opción.

¿Y quién no?
Los fans de Philip K. Dick.

Resultados peor secuela, y otra encuesta al canto

Ya han pasado más de una semana desde que la encuesta de las peores secuelas se cerró, así que va siendo hora de hacer un análisis de los resultados. Y dicho resultado me ha sorprendido en parte, ya que nadie haya votado a Scream 2, con lo mala que es, y haya dos personas que han votado a The Matrix Revolutions… En la lista hay pelis mucho más malas, aunque a mí lo que pasa es que me gusta Revolutions, soy todo un fan de la trilogía de los Wachowski. Era consciente que esto podía pasar, así que lo he sobrellevado bien… uf, uf…

Pero yendo al grano, la gran vencedora (o, mejor dicho, perdedora) con 4 votos, lo que es el 16% de los mismos, es Alien vs. Predator 2, peli que no he visto (ni la primera parte) por lo que poco puedo comentar sobre la misma, salvo que tengo un amigo que sí que gozó con ella. En el segundo puesto ha sucedido algo inaudito, ya que hay un quíntuple empate con 3 votos (el 12%), los filmes en cuestión son la vomitiva La Momia 3: La Tumba del Emperador Dragón; la malísima Esta abuela es un peligro 2 (¡y encima han hecho una tercera parte!); la segunda entrega del Batman de Joel Schumacher, Batman y Robin; Misión Imposible 2 que fue dirigida por el hongkonés John Woo, firmando la que es la peor de la saga hasta ahora (confío en que Brad Bird lo haga muy bien en Ghost Protocol) y la última que está en segunda posición es El proyecto de la bruja de Blair 2, otra película que dudo mucho que vaya a ver jamás. En tercera posición, con un 8% de los votos, está The Matrix Revolutions, el épico final a la trilogía de los Wachowski parece que no gustó nada a dos lectores, he de decir que The Matrix Reloaded está mejor, pero la tercera entrega tiene, a mí juicio, momentos tan memorables como el ataque de las máquinas a Sión, o la persecución de la Logos por los túneles, que no la hacen merecedora de estar en el podio, pero claro, eso es sólo mi opinión. En el cuarto puesto hay otro empate, nada más y nada menos que Star Wars Episodio 1: La Amenaza Fantasma y Terminator 3, ambas con un votito; la primera me defraudó mucho cuando la vi en cines, aunque es cierto que en posteriores revisionados me resultó más divertida; y la segunda fue otro chasco, aunque no me aburrí la única escena que realmente me entusiasmó fue la pelea entre el T800 y la Terminatrix; con un solo voto también está la opción de “Otra”, aunque no sabemos qué otra será (puede que sea Hatchet II). Sin un solo votos hay varios filmes, el mencionado Scream 2, Tron: Legacy, Men in Black 2 (otra pésima para mi gusto) e Indiana Jones 4. Los votos detallados a continuación.

¿Cuál es la peor secuela de todos los tiempos?

*Alien vs. Predator -> 4 votos (16 %)

*La momia 3: la tumba del emperador dragón -> 3 votos (12%)

*Esta abuela es un peligro 2 -> 3 votos (12%)

*Batman y Robin -> 3 votos (12%)

*Misión Imposible 2 -> 3 votos (12%)

*El proyecto de la bruja de Blair 2 -> 3 votos (12%)

*The Matrix Revolutions -> 2 votos (8%)

*Star Wars Episodio 1: La Amenaza Fantasma -> 1 voto (4%)

*Terminator 3 -> 1 voto (4%)

*Otra -> 1 voto (4%)

*Scream 2 -> 0 votos

* Tron: Legacy -> 0 votos

*Men in Black 2 -> 0 votos

*Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal -> 0 votos

Votos totales: 23

Los participantes han sido menos (10 de diferencia) que en la anterior encuesta, pero, como suele ser habitual, me doy por contento.

NUEVA ENCUESTA

Y como todo final es un nuevo comienzo, al acabar una encuesta ha de empezar otra. En esta ocasión, pensando (cosa que procuro hacer sólo de vez en cuando, para no cansarme), se me ocurrió que hay muchas películas multipremiadas, que se llevan tropecientos Oscar, que los críticos y académicos ponen por las nubes, e ilusos de nosotros vamos a verla con toda la ilusión (valga la redundancia) y nos quedamos de piedra o simplemente nos dormimos. Así que a partir de ello os planteo esta cuestión:

¿Qué triunfadora de los Oscar os resultó un tostón?

*Amadeus
*En tierra hostil
*El paciente inglés
*Titanic
*Chicago
*Bailando con lobos
*Lo que el viento se llevó
*No es país para viejos
*La pasión de Cristo
*Kramer contra Kramer
*Otra

Espero que os resulte interesante la cuestión y votéis en masa, ya sabéis, en el menú de la derecha. Gracias por participar ^^

Cisne negro

Esta es una de las películas que con más expectación esperaba, llevaba tanto tiempo leyendo cosas prometedoras de ella, así como de su director Darren Aronofsky y de la actuación de Natalie Portman, que ansiaba que llegara el día en que pudiera ir a verla. Al final lo hice ni más ni menos en una tarde llena de cine, donde primero vi Valor de ley.

Hasta ahora de Aronofsky no había visto ninguno de sus trabajos anteriores, aunque, sin siquiera saber verdaderamente de qué van algunos de ellos, me llaman la atención poderosamente, aun después de haber visto Cisne negro (Black Swan, 2010), un film de primerísimos planos y atmósfera enfermiza. Con ello no quiero decir que Cisne negro no me parezca una buena película, no me cabe duda que es un gran trabajo, y que el hecho de que me haya engendrado sensaciones como angustia y desazón quiere decir que probablemente el director haya alcanzado sus objetivos; pero lo cierto es que en algún momento pensé salirme de la sala, me sentía enfermo, el ambiente era enfermizo, la atmósfera claustrofóbica…, y Natalie Portman (El profesional (León)) ha realizado quizá el mejor papel de su carrera: descarnado e intenso.

Cisne negro nos cuenta la historia de Nina Sayers, una bailarina del ballet de Nueva York que vive con su sobreprotectora madre y que desea más que nada ser como Beth, la gran estrella de dicho ballet durante años. Dicha oportunidad se le aparece cuando es elegida por el director para ser la protagonista de una nueva versión de El lago de los cisnes, donde tendría los papeles de cisne blanco y cisne negro. Pronto sentirá que Lily, una recién llegada, quiere quitarle el puesto.

Enfermiza, ya lo he dicho, pero a mí juicio ésa es la palabra que mejor define la nueva obra de Aronofsky. Desde el mismo comienzo nos lo deja claro, la protagonista no está muy allá, se le va un tanto la olla, se cruza consigo misma, con esa parte que reprime de sí, que tiene guardada en su interior por culpa de una madre que la controla, que la trata como si fuera una niña, que desea que llegue hasta donde ella no pudo llegar, convirtiéndola en una persona insegura e inestable. La nerviosa cámara la sigue muy de cerca, a unos pocos pasos, constantemente, es su rostro o su nuca lo que vemos, mientras se mueve por los tristes escenarios de su vida cotidiana… De hecho son los primeros planos, y no sólo en la protagonista, los que más se repiten; y se repiten en unos decorados en los que abundan las sombras, es la noche la que reina en este filme, el día apenas se deja notar.

Si hay algún personaje que aporte algo de luz es una luz mortecina, como la de la actriz que siempre se me olvida el nombre pero nunca se me olvidarán sus ojos, Mila Kunis (El libro de Eli), cuyo personaje, Lily, es diametralmente opuesto a Nina, siendo una chica abierta y desinhibida, pero que provoca en esta última tanta simpatía como recelos; otro personaje con no menos sombras es el del director del ballet, al que da vida Vincent Cassel (Su majestad Minor), un tipo manipulador que parece estar más que dispuesto a beneficiarse a todas sus protagonistas; una de esas beneficiadas es Winona Ryder, cuyo papel le viene como anillo al dedo, ya que es la reina destronada, la que fuera una gran estrella cuyo brillo se ha apagado, en el caso de la actriz parece que comienza a remontar el vuelo tras una época difícil, éste trabajo así como otros pequeños papeles en grandes producciones, como en Star Trek, hacen discernir que saldrá del hoyo; por supuesto no hay que olvidarse del personaje que encarna Barbara Hershey (Los últimos guerreros), típica madre sobreprotectora y posesiva, que parece no darse cuenta de que su hija ya hace tiempo que dejó de ser una infante, y que incluso logra oprimir al espectador en ciertas escenas.

Cisne negro es una película que se adentra en los recovecos de una mente perturbada y que perturba, y a eso ayuda, además de unas grandes interpretaciones, la fotografía, la escenografía y puesta en escena, y las propias coreografías. Puede gustarte o no, pero seguro que al final de la proyección no sales como entraste.

LO MEJOR:

-Natalie Portman, muy muy buena su interpretación; aunque sin minusvalorar el trabajo de quienes la secundan, como la guapa Mila Kunis, Vincent Cassel y Barbara Hershey.
-La cariñosa secuencia de Natalie Portman y Mila Kunis.
-La dirección de Aronofsky, no hay que negar que ha conseguido generar una atmósfera opresiva.

LO PEOR:

-Precisamente esa atmósfera puede ser poco digerible según para qué tipo de público o incluso según el estado anímico en el que esté uno.

¿Quién debería verla?
Si te van los filmes de atmósferas recargadas y personajes torturados.

¿Y quién no?
Lo dicho, no es una película complaciente con el espectador, así que si te gusta el cine más bien ligerito pasa de esta peli.

Lo próximo:

En el siguiente proyecto Aronofsky cambia de registro y se nos vuelve superheróico en la nueva película de Lobezno. Pues quizá cambie de registro, pero no, parece que Aronofsky se ha desvinculado del proyecto de la secuela de X-Men Orígenes: Lobezno por motivos familiares, aunque el proyecto sigue en marcha.

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Valor de ley

Mattie Ross es una terca niña de 14 años a la que acaban de asesinar a su padre. Decidida a capturar al homicida, contrata los servicios del alguacil Rooster Cogburn.

De 1969 es el film con el que John Wayne consiguió su único Oscar, curiosamente Jeff Bridges (Tron: Legacy) estuvo a punto de conseguir la ansiada estatuilla con el mismo papel en la versión de los hermanos Coen de Valor de ley (True Grit, 2010). Aunque para ésta Joel y Ethan no han tomado tanto como referencia la película dirigida por Henry Hathaway (o eso han afirmado, y como ni recuerdo si he visto dicha versión tampoco puedo opinar sobre tal cosa, salvo afirmar que han cambiado el ojo parcheado del protagonista), sino que se han basado en la novela original de Charles Portis.

No soy un gran conocedor de la filmografía de los Coen, de ellos habré visto dos o tres películas, y a la memoria sólo me asaltan dos en estos instantes: Arizona baby y No es país para viejos, esta última con la que triunfaron en la 80ª edición de los Oscar. Simplemente con esos dos ejemplos creo que puedo afirmar que a los Coen les gusta el cine del oeste, al fin y al cabo la primera era una road movie ambientada en escenarios muy de vaqueros, y la segunda era claramente un western moderno. Por lo tanto, no sorprende que se decidieran a realizar un western en toda regla, de esos que te hacen recordar las tardes de los fines de semana en casa, apoltronado en el sofá, viendo cómo los cowboys cabalgaban hacia la puesta de sol y cómo se pegaban tiros mientras se encendían un pitillo y soltaban chascarrillos. A eso huele Valor de ley, a cine del oeste de toda la vida, pero a la vez tiene algo que quizá le diferencie de muchos, y ese “algo” se llama Hailee Steinfeld, la niña que da vida a Mattie Ross, todo un portento de chiquilla que lleva sobre sus hombros la mayor parte del peso de la cinta, y cuya espalda se mantiene recta todo el metraje, no titubea, sino que se enfrenta de igual a igual a actores tan consagrados como los son el mencionado Jeff Bridges, Matt Damon (El soplón) o Josh Brolin (Wall Street 2: El dinero nunca duerme). Sorprende que la nominaran al Oscar a mejor actriz de reparto, ya que claramente se merecía la nominación a actriz principal.

Valor de ley es, como ya he dicho, una película del oeste que seguro que gusta a los amantes de un género que lleva muchos años de capa caída, sólo de vez en cuando se ha estrenado algún film ambientado en el siglo XIX norteamericano, como Appaloosa, Open Range o El tren de las 3:10, y la mayoría de ellos han obtenido una acogida no muy cálida. En esta ocasión, sin embargo, tanto la crítica como el público está respondiendo de forma entusiasta ante las aventuras de un alguacil cascarrabias y tuerto, una chiquilla obstinada, y un ranger de Texas estirado y con poco sentido del humor. ¿Estaremos ante un resurgimiento del cine de vaqueros? Por ahora, este verano se estrena Cowboys & Aliens y hace bien poco lo hizo Rango.

LO MEJOR:
-Hailee Steinfeld, maravillosa esta chiquilla, así como un genial Jeff Bridges y un Matt Damon más que correcto.
-Que se haya estrenado una película del oeste en cines y encima esté teniendo éxito.
-Aunque es recomendable verla en versión original, he de decir que el doblaje al español me ha gustado mucho.
-El principio y el final.

LO PEOR:
-Pues no me resultó igual de interesante todo el metraje, algunos momentos decayó mi interés por la historia, cosa que se solucionó con un final que me gustó mucho.

¿Quién debería verla?
Para los amantes del western es imprescindible, así como para los seguidores de Joel y Ethan Coen.

¿Y quién no?
Sí eso de los indios y vaqueros no te mola (aunque aquí no es que salgan muchos indios).

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Chico & Rita

Chico es un pianista mujeriego que vive en La Habana, mientras que Rita es una atractiva cantante de la misma ciudad que se gana la vida como puede. Una noche sus caminos se cruzan y se enamoran, pero su relación no comienza con buen pie, y al final Rita acaba yéndose a Nueva York con la promesa de convertirse en una estrella. Chico no tarda en ir a la ciudad de los rascacielos junto con su amigo Ramón.

 

Fernando Trueba (Belle epoque, Calle 54), Javier Mariscal y Tono Errando dirigen Chico & Rita (ídem, 2010), cinta animada española que ha tardado en producirse unos siete años, y ha costado diez millones de euros. Tiempo y dinero que han sido bien aprovechados a tenor del resultado final, pues la cinta constituye todo un espectáculo visual y sonoro donde la magnífica música de Bebo Valdés y las imágenes creadas por la imaginación de Mariscal se funden en uno sola cosa, cautivando a todo ingenuo que entra en la sala

 

Realizada por diferentes estudios de animación españoles, filipinos, húngaros y brasileños, la cinta mezcla animación tradicional con animación generada por ordenador; y si bien la animación en sí no sorprende por su fluidez, lo cierto es que está tan lograda estéticamente (el diseño de los personajes y el cuidado entorno urbano, la iluminación...) que dejas pasar por alto ciertos detalles para centrarte en lo que importa, que no es otra cosa que la historia en sí y cómo es narrada.  

 

Chico & Rita es, fundamentalmente, una historia de amor, un amor entre dos personas, pero también el amor que sienten ambos por la música, a ello se le suma que de fondo están los acontecimientos políticos de la época en la que se desarrolla (finales de los años cuarenta y principio de los cincuenta). El film recuerda a muchas películas clásicas (de hecho hay una referencia explícita a Humphrey Bogart), su estructura lo es al igual que su atmósfera, en la cual se respira melancolía, nostalgia y sensualidad, sobre todo cada vez que Rita canta algún bolero, o cada plano en que se acerca la cámara a los ojos o labios de la misma. Así pues, para goce y extrañeza del espectador, nos hallamos ante una película de “dibujitos” española que, aunque está autorizada para todos los públicos, está claramente dirigida a un público adulto, tanto por la trama en sí como por el tratamiento de los personajes, e incluso por el sentido del humor.

 

Chico & Rita constituye un trabajo inédito y arriesgado en España, pocas veces antes se había intentado hacer un film animado adulto tan ambicioso como este proyecto. Por suerte el barco ha llegado a buen puerto y la criatura engendrada ha sido no ya muy bonita, sino que además cuenta una historia que logra emocionar.

 
LO MEJOR: 

-La estética, realmente bonita.

-La banda sonora, obra de Bebo Valdés. Imágenes y música se funden como uno solo.

-Técnicamente raya un buen nivel, no sorprende por la calidad de sus animaciones o la expresividad de sus personajes, pero logra transmitir con sencillez todo lo que tiene que transmitir.

-El último tramo.

-Que en España también se haga un tipo de cine animado más maduro y arriesgado.

 

LO PEOR: 

-No logra enganchar de igual manera durante todo su metraje, hay bajones.

 

¿Quién debería verla? 

Especialmente indicada para amantes de la animación y del jazz (y de los boleros).

 

¿Y quien no? 

Si buscas un producto tipo Shrek o sucedáneos.

8ª Muestra Syfy de Cine Fantástico

Qué duro es esto de los festivales, te pasas cuatro días seguidos viendo una película tras otra, y te despiertas el lunes siguiente con una sensación realmente extraña, de cierta irrealidad, como si estuviera grabando los escenarios por los que camino, como si a la vez una cámara me siguiera a todas partes y me sumergiera en decorados de pelis de terror. Ya casi no recordaba estos efectos secundarios, pero al releerme la crónica de la edición del año pasado ya he caído que sí, que ocurren, pero que acaban por desaparecer... O sea, queridos lectores, seáis todos bienvenidos a la mezcla inconfundible de lo real y lo irreal, de lo absurdo y lo lógico, del todo y la nada, pero, sobre todo, de las vísceras, de la 8ª Muestra Syfy de Cine Fantástico.

Con algunas semanas de antelación respecto a 2010 dio comienzo la muestra, cuyo primer cambio es más que evidente: ya no usan números romanos para numerar la edición. El segundo cambio fue todo un chasco para los asistentes recurrentes, ya que nos "quitaron" a "nuestra" Leticia Dolera. Fue algo sumamente doloroso para nuestras mentes retorcidas no contar con los mordientes comentarios de la actriz catalana; pero aún así yo era de los que le daban una oportunidad a su sustituta, Alexandra Jiménez, eso incluso después de que presentara Destino oculto, la película inaugural, que ciertamente fue muy sosa (ella, y la película), cosa que paliaría en parte con el paso de los días. No obstante, con la inauguración también tuvimos una pequeña sorpresa en formato de vídeo, donde Dolera nos mostraba sus sufrimientos en una playa de Senegal...

El segundo día, que fue el 4 de marzo, me perdí las tres primeras proyecciones, la primera de ellas era la ya clásica proyección de los cortos de la Semana Fantástica y de Terror de San Sebastián, a la que nunca he podido llegar; la segunda se trataba de Cherry Tree Lane, que por lo que me han dicho era como mínimo aburrida; y la que realmente me dolió perderme fue Thirteen Assassins, film de samuráis del hipertrabajador Takashi Miike, y que posteriormente me contaron que estaba muy bien, y también justo lo contrario... Por suerte, pude arribar con tiempo más que suficiente para visionar la siguiente, que era Tucker & Dale vs. Evil... era, porque por problemas con el sonido no pudo ser, mas por suerte al menos se bajaron una peli del e-mule (o eso decían mis compañeros), dicha peli fue Salvage, que no gustó a casi nadie (yo me divertí). Para finiquitar la jornada proyectaron todo un misterio para los asistentes Shadow, una película italiana rodada en inglés la mar de curiosa y con momentos notablemente siniestros, no nos esperábamos gran cosa de ella, por lo que al final salimos hasta satisfechos. Tras ello todo el mundo se fue en busca de transporte y a descansar, que el sábado nos esperaba una jornada ajetreada.

Cometí el error de levantarme y desayunar, pero es que se me apetecía desayunar... El error no está en el simple hecho, sino en hacerlo como yo suelo hacerlo los fines de semana sabiendo que poco después había quedada para almorzar... Pero aún así, comí bien, eludiendo un postre contundente como el de mis compañeros, optando por un café no fuera a ser que acudiera a mí la modorra en plena sala. Por cierto, comimos en una alpargatería, y yo toda la vida creyendo que en dicho lugar sólo se vendían alpargatas... Ejem, comenzó la jornada con una que pasó en su momento por Sitges con cierta polémica (no tanto como A Serbian Film, desde luego), I saw the devil, una peli surcoreana la mar de interesante pero un tanto larga; continuó con la francesa Captifs (o Caged), que no satisfizo a nadie a excepción de mi persona; prosiguió con Giallo, de Dario Argento, que aunque algunos piensen lo contrario (sí, Carlos, me refiero a ti :-P) siento decir que no es una parodia, simplemente es más mala que el hambre; con Hatchet II nos echamos una risillas, pero no me gusta el estilo de dicha película, demasiada recreación en la muerte de los protagonistas, demasiadas tripas, y cuerpos cercenados en muy diferentes maneras... El auténtico plato fuerte del día fue el telefilme Dinocroc vs. Supergator, bueno, más bien el trash (charla, para entendernos) entre amigos que organizaron ante una de las últimas películas de David Carradine, que comentaron en vivo y en directo Nacho Vigalondo, Raúl Minchinela, el Señor Ausente y Rubén Lardín; muy divertido el rato que pasamos con sus comentarios y los que añadiamos el público para una película que es mala de narices (pero no tanto como la de Argento). Cansados (algunas menos, ya que echaron sus cabezaditas), nos fuimos a dormir la mona con la esperanza de que el domingo fuera más variado.

Me desperté a la misma hora que el sábado, pero estaba la diferencia de que no había quedada para zampar; aún así estuve apurado para hacerme el almuerzo, prepararme un bocadillo y llegar al cine Palafox para la primera película del día, Tucker & Dale vs. Evil, que al fin pudimos ver, y que nos hizo pasar un rato realmente divertido, hacía falta algo ligerito y sin muchas pretensiones para digerir los excesos de secuestros y sadismo; con la que vino a continuación, Thirst, nos pasó algo que preveíamos en parte, nos gustó pero no nos gustó, había partes que sí y otras que no, y es que a Park Chan-wook se le va la olla de vez en cuando; con Dream Home, que mis compis Héitor y Carlos ya habían visto cuando se fueron a Sitges subrepticiamente, aunque repetía en ciertos aspectos con la temática del día anterior, me acabó gustando gracias al transfondo de la historia; y para finalizar le tocó el turno a El último exorcismo, de la cual tenía grandes expectativas, y la mayoría de ellas fueron alcanzadas, aunque me entró menos canguelo del que esperaba.

Se puede afirmar que el domingo salvó la muestra, porque lo que fue el resto de los días el nivel estuvo más bien bajo, y no sólo eso, sino que no hubo apenas fantástico, terror sí, pero dentro de un entorno realista la mayoría. Los organizadores deberían de reflexionar para próximas ediciones, o traen películas genuinamente fantásticas, o que le cambien el nombre a la muestra. Otro de los puntos negativos fueron algunos que otros fallos técnicos, no cuento ya el de Tucker & Dale, que al final solventaron y nos pusieron una peli más por el mismo precio, sino cosas de sonido y subtítulos. A Alexandra Jiménez también se le puede criticar, su actitud, sobre todo al principio, no parecía muy esforzada que se diga, es muy fácil ponerse un papelito delante y leerlo, lo difícil es presentar en condiciones e intentar ganarse al público, y ella no empezó con esa intención, posteriormente, las veces que le daba por aparecer, se vio que ponía un poquito más de sí, pero le faltó lo que le sobraba a Dolera en pasadas ediciones. A destacar como puntos positivos el buen ambiente, el hecho de que nos regalaran un ejemplar (además de este mismo mes, no sobrantes de meses anteriores) de la revista Scifiworld, así como unas cuantas pelis en DVD (pero esta vez no repartieron chocolatinas, snif, snif...) y también el hecho de que hayan organizado otro año esta muestra, sobre todo porque Madrid carece de festival de cine (salvo el de animación).

A pesar de los pesares, de los malos filmes, de la temática tan parecida de muchos de ellos, de que haya sido poco fantástico..., en el fondo, me lo he pasado pipa, aunque espero que los organizadores escuchen el clamor popular y para el 2012 (que si los mayas y Emmerich tienen razón será el último) nos ofrezcan una muestra más variadita, con sus obras malas por supuesto, eso no puede faltar, pero al menos que sean malas y de diferentes géneros.


Nota:
Durante las próximas semanas procuraré comentar, aunque sea de forma muy somera, ya que tanto cine me satura, todas o la mayoría de las películas.

La herencia Valdemar II: La Sombra Prohibida

Hace poco más de un año se estrenó en nuestras salas La herencia Valdemar, una cinta de terror clásico que no era una obra maestra, pero que sí me resultó muy entretenida. Su final era muy abierto, quedaba mucho por cerrar, y no sólo eso, sino que encima su último plano te dejaba con la intriga, por lo que tenía ganas de ver la conclusión de la historia. La herencia Valdemar II: La Sombra Prohibida (ídem, 2011) no es, por lo tanto, una secuela al uso, sino que estamos hablando del final de la trama comenzada con el anterior film (como es Revolutions a Reloaded, o En el fin del mundo a El Cofre del hombre muerto).

Tras la desaparición de Luisa (Silvia Abascal), sus compañeros Ana (Norma Ruíz) y Eduardo (Rodolfo Sancho) van en su búsqueda por insistencia de su jefe, Maximilian (Eusebio Poncela), quien no está dispuesto a llamar a la policía, y por eso mismo contrata los servicios de Nicolás (Óscar Jaenada), detective privado que también buscará a la desaparecida. Sin embargo, ninguno es consciente a lo que se enfrentan en realidad.

En esta segunda parte la acción se desarrolla con nocturnidad y alevosía, la mayor parte de los acontecimientos acaecen a horas intempestivas, pero la verdad es que es un detalle insignificante, está claro que ambienta, que la atmósfera es diferente, pero aún así no es más oscura que la anterior, de hecho, la verdad de las verdades es que nunca llega a poner en tensión. Uno de los defectos de La Sombra Prohibida es que uno nunca acaba por creérsela, los personajes, lo que acontece, casi todo, carece de emoción y, por lo tanto, como no nos transmiten nada, nada nos importa y nada nos creemos. Su director y guionista, José Luis Alemán, a pesar de sus evidentes esfuerzos, nunca logra dar con el tono adecuado, se queda en terreno de nadie y al final deja al espectador con un gesto de circunstancias. Me da la impresión de que ha querido abarcar tanto que se ha quedado sin nada.

En definitiva, de La herencia de Valdemar II: La Sombra Prohibida sólo esperaba una cosa: que siguiese la estela de su primera parte. Por desgracia, se ha quedado en un descafeinado intento de film de terror-aventurero clásico, cuyos mayores aciertos son unos buenos efectos especiales y una ambientación cuidada; pero cuyo guión y personajes (salvándose, un poco, uno de ellos) son como los escenarios de muchos de aquellos filmes que tanto nos fascinaban de pequeños: de cartón piedra.

LO MEJOR:
-Los efectos especiales son muy notables.
-Santiago, el pueblerino al que da vida el actor Santi Prego.
-Que se nota que está realizada con respeto y amor al género.

LO PEOR:
-La historia está desaprovechada, los diálogos chirrían, el guión es flojo, está mal desarrollado, nunca se encuentra el tono adecuado.
-La mayoría de los personajes son insulsos, a veces estúpidos.

¿Quién debería verla?
Recomendada más que nada a los que quieran concluir la historia.

Leer critica La herencia Valdemar II: La Sombra Prohibida en Muchocine.net

Mala Estrella The First Station, de Henar Torinos

Ya lo comenté en la reseña de Lêttera, el iberimanga es cosa de chicas. Y no hago dicha afirmación porque sean las féminas las principales consumidoras, sino porque está habiendo una buena hornada de autoras, como las comentadas Xian Nu y Kôsen, o la autora de la obra que nos ocupa, la debutante Henar Torinos, además de las que quedan por venir. Todas ellas tienen algo en común, y es el cuidado y el mimo que ponen en sus criaturas, haciendo de éstas unas obras no exentas de errores, pero sin duda de calidad.

 

Mala Estrella. The First Station, es un tebeo que nos traslada a un futuro postapocalíptico, la humanidad se está recuperando de años y años de conflictos inútiles que tan sólo consiguieron casi exterminar a los hombres; las gentes viven con la sola esperanza del advenimiento de un nuevo Dios que les guíe hacia la purificación, hacia un mundo libre de maldad, donde puedan vivir en paz y sin pasar necesidades. Mientras tanto, el Cuerpo del Balance se encarga de ajusticiar a todo sujeto que atente contra el nuevo orden establecido, o lo que es lo mismo, aquellos que amenacen la supervivencia de la especie. Axel Strauss es un joven inquieto e idealista que se acaba de incorporar al Cuerpo del Balance, pero nada más empezar se tropieza con Mala Estrella, una asesina que intenta matar a Hyän Gonzáles, Capitán General del Balance. A partir de dicho momento su vida dará un giro inesperado cuyo desenlace es imprevisible.

 

A pesar de ser una obra que bien se podría inscribir en el subgénero postapocalíptico, no aparece en este primer tomo ni un paisaje desértico, ni ruinas, ni nada que nos haga pensar que realmente en ese mundo ha habido una gran guerra. La autora ha optado por crear una especie de mundo inspirado en las películas del oeste, con su ciudad con casas de madera, sus calles de tierra, sus orcas en la plaza del pueblo para las ejecuciones públicas, su sheriff sádico y malvado, y, por supuesto, su antihéroe (en este caso antiheroína) solitario, al que todos temen y nadie sabe por qué lucha, si es un simple asesino sediento de sangre o quizá algo más. Es en este escenario donde se mueven unos personajes que son el verdadero motor de la historia, los auténticos artífices del interés que despierta su trama (además de un buen desarrollo de ésta), puesto si hay algo en lo que destaca la obra de Henar Torinos es en la buena construcción de sus personajes.

 

Es fundamentalmente a través de ellos como conocemos la sociedad en la que viven, una sociedad tan obsesionada con la idea de no cometer los mismo errores del pasado que no se da cuenta de lo evidente; y que sólo un joven parece cuestionarse si el Nuevo Orden está actuando correctamente, lo que le acarreará dramáticas consecuencias. Henar Torinos narra los hechos logrando un crescendo, ya que su comienzo no resulta especialmente atrayente, pero poco a poco nos va atrapando en sus redes hasta que consigue que nos entusiasmemos con los hechos y nos preocupemos por Axel y compañía.

 

El diseño de los personajes es correcto, aunque a algunos le falta un poco más de garra (como a Töv Asimov -¿le gusta a la autora el creador de Fundación?-, que me parece un poco plano), y en algunos aspectos son un poco arquetípicos, pero como ya he señalado, la mayor baza de Mala Estrella son sus personajes, el cómo son y comportan. Respecto al dibujo en general estamos hablando de un cómic también correcto, no impresiona su grafismo, pero el estilo es reconocible y cumple con creces su cometido, que no es otro que el de meternos en la historia. Y a ello ayuda la buena composición de las viñetas y la acertada inclusión de flashbacks en determinados momentos, así como una buena elaboración de las (sangrientas) escenas de acción.

 

La edición ha sido realizada por Ediciones Babylon, una pequeña y muy joven editorial valenciana que ha comenzado con buen pie con esto del manga. Así la presentación de la obra es en rústica con solapas, el papel y la impresión son de calidad, el número de páginas totales es de 190, de las cuales unas 176 son pertenecientes a la obra propiamente dicha, 3 están dedicadas a fichas de personajes y 7 a la galería de fanarts. El precio es de 7 euros, aunque si te la haces junto con el tomo de Joker te sale más barato. Por lo que sé, no distribuyen a tiendas (masivamente al menos), sino que principalmente se puede comprar en eventos y en la web de la editorial.

 

Concluyendo, Mala Estrella. The First Station es una buena compra, tiene ingredientes más que suficientes para satisfacer a cualquiera que guste de historias de acción y aventuras (con sus toques de ciencia-ficción distópica). Si te llama la atención, no dudes en agenciártelo, porque seguro que no te defraudará.

 

 

LO MEJOR: 

-La historia va de menos a más, con cada nueva página sube el interés y la emoción.

-Los personajes están muy trabajados, sobre todo en lo que se refiere a sus personalidades.

-Buen final, te deja con la intriga de lo que vendrá después.

 

LO PEOR: 

-Que haya gente que aún siga teniendo prejuicios acerca del manga hispano, ¡hay vida más allá de las parodias! 

 

Como viene siendo habitual últimamente, pongo aquí la dedicatoria que me hizo la autora en la pasada Japan Weekend:

Más allá de la vida

En el momento que escribo estas líneas estoy viendo La muerte tenía un precio. En esta mítica película de Sergio Leone, Clint Eastwood y Lee Van Cleef son dos cazarrecompensas con un mismo objetivo y una gran rivalidad... Ya han pasado más de cuarenta años desde dicho film, y quién iba a pensar entonces que el rey de los espaguetis western se iba a convertir en uno de los cineastas más respetados y admirados de todos los tiempos, en que cada nuevo film que realiza levanta multitud de expectativas y rumores, y un público fiel va a verle sin falta. Yo diría que a nadie se le pasó por la cabeza tal cosa, sin embargo dicha transformación se forjó ya hace tiempo, y trabajo a trabajo Eatswood no ha ido más que agrandando su leyenda; y mucho más estos últimos tiempos, que sin falta nos trae una o dos películas por año, y encima todas ellas de calidad, y algunas auténticas joyas cinematográficas.

El argumento de Más allá de la vida (Hereafter, 2010) gira en torno a la muerte. Tres son los personajes que la ven de cerca de una u otra forma. Por un lado tenemos a Marie Lelay, que vive en sus carnes una experiencia que le hará cambiar y por el que a su vez sufrirá rechazo; por otro lado está Marcus, un niño con unas malas condiciones familiares y que sufre una traumática pérdida; y por último tenemos a George Lonegan, que tiene la capacidad de comunicarse con los muertos con tan sólo tocar las manos de sus allegados. A partir de estos tres personajes, Eastwood reflexiona acerca de la muerte y sobre todo de la vida, sobre el miedo patológico que tenemos a ambas, pero también trata sobre personas perdidas e incomprendidas que buscan la felicidad y su lugar en el mundo. Lo demás es puro oficio, elegancia y clasicismo de un maestro indiscutible, que nos deja enganchados a la pantalla durante dos horas casi sin darnos cuenta, alternando las tres historias de forma fluida hasta que inevitablemente éstas se cruzan y acaban por verse afectadas y cambiadas de una forma que no se esperaban.

Como en Invictus, Eastwood ha contado con Matt Damon (Valor de ley, Destino oculto) como protagonista, por lo que se ha de suponer que ambos quedaron muy contentos con su primera colaboración; Cécile de France es la otra protagonista, esta actriz francesa es conocida por sus trabajos en Alta tensión, la última versión de La vuelta al mundo en 80 días, o Un secreto; George McLaren es el tercer protagonista y la sorpresa de la película, muy buen trabajo el de este chaval. Para mí hay una cuarta intérprete a destacar, aunque sólo sea por esos ojazos que tiene, que no es otra que la hija del director Ron Howard (que de vez en cuando nos regala una buena película), Bryce Dallas Howard, que se dio a conocer con el film de M. Night Shyamalan El bosque, y que también participa en la famosa y defenestrada saga “vampírica” de Crepúsculo, así como en la no menos criticada Terminator Salvation. Todos ellos, más algunos otros que no he nombrado, están perfectos, se nota que han sido dirigidos por una mano con experiencia.

Además de dirigir y producir, Clint Eastwood, como en otras tantas ocasiones, compone la música, donde abunda sobre todo los temas para piano; algunas melodías recuerdan a trabajos anteriores (Gran Torino, pero sobre todo a El intercambio), sin embargo, acompañan perfectamente, dando ese toque aún más personal y reconocible al conjunto, además de estar cargadas de sensibilidad de una forma sencilla y sin caer en estridencias, no queriendo hacerse notar, sino más bien invita al espectador a que se olvide de la misma y se centre en lo que está viendo.

Para concluir, Más allá de la vida es una cita ineludible de buen cine, un drama que nos invita a la reflexión sobre un tema que a día de hoy sigue siendo tan tabú como intrigante y desconocido; no intenta sacar ninguna conclusión y evita los dogmatismos, así que somos nosotros como espectadores quienes debemos sacar nuestras propias conclusiones. Lo peor de la cinta, a mi juicio, es el final, no obstante, si te gusta el cine, no debes dejar de verla.


LO MEJOR:
-Los actores, muy bueno el reparto, en el que destacan Matt Damon, Cécile de France, George McLaren, y también Bryce Dallas Howard y sus maravillosos ojos, a pesar de tener un papel muy pequeño.
-La dirección de Clint Eastwood, la fotografía de Tom Stern, y todo el apartado técnico.
-El guión, obra de Peter Morgan.
-La escena introductoria.

LO PEOR:
-El final, sin ser malo no me terminó de convencer, tenía otras expectativas.
-Esos vídeos con las arengas de dos “predicadores”.

¿Quién debería verla?
¿Te gusta el cine? Pues no hay más que hablar.

Próximos proyectos:
Pese a su edad Eastwood no está dispuesto a dejar la silla del director y tiene varios proyectos en camino, el más inminente es la biografía de J. Edgar Hoover, el que fuera creador del FBI, y que protagonizará Leonardo DiCaprio.

Camino a la libertad

Esta es una de esas películas que llaman la atención, pero no acaba uno por decidirse, no deja de dudar si ir a verla. Estaba yo entre 127 horas y Camino a la libertad (The Way Back, 2010), y finalmente decidí ver las dos la misma semana, aunque quizá el filme de Danny Boyle podría habérmelo ahorrado, más que nada por las consecuencias que acarreó en mí. Total, que al final tomé la determinación de verla, y es que la historia de unos presos que se fugan de un campo de trabajo en plena Siberia (en la época del régimen del “hombre de acero”, Stalin), y que atraviesan media Rusia, Mongolia entera (incluido el durísimo desierto del Gobi), y el Tíbet, para llegar finalmente a la India, no puede sino generar curiosidad. Y si a eso le añadimos un reparto en el que hay nombres con tanto talento detrás, y encima le sumas un director con mucho oficio, uno entonces se encuentra en la “obligación” cinéfila de acudir a visionarla en una sala. Menos mal que lo hice.

Inspirándose en el libro La increíble caminata (The Long Walk: The True Story of a Trek to Freedom), escrito por Slavomir Rawicz, así como en diversas entrevistas a algunos de los protagonistas reales, Keith R. Clarke y el veterano realizador australiano Peter Weir (Master and Commander, Gallipoli) han escrito a cuatro manos el guión de esta asombrosa historia de supervivencia y superación. El segundo, obviamente, también dirige, ¡y cómo lo hace! Es cierto que hay una parte que se puede hacer lenta, pero nunca se acerca al tedio. Es complicado narrar toda la magnitud de un viaje tan largo, de más de diez mil kilómetros, manteniendo en todo momento el mismo ritmo y nivel de tensión, se hace necesario esos momentos más pausados para que el espectador se haga una idea más clara de las distancias recorridas. Pero esa etapa es sólo una parte del trayecto, el resto es impagable. Sobre todo a partir de la despedida que se produce en mitad del desierto, dicha secuencia es de una sencillez y sensibilidad maravillosas, es en ella donde Weir nos agarra bien agarrados y no nos suelta hasta que están bien avanzados los créditos finales. Todo ese tramo es un continuo nudo en la garganta, una cascada de emociones que nos hará soltar más de una lágrima (en mi caso, todo un río, pero es que el buen cine me emociona con relativa facilidad). Todo ello sin desmerecer para nada toda la primera parte del film: el epílogo, la vida en el gulag, la larga huida de dicho lugar (quizá algo confusa en su inicio); pero es que el último tramo es sencillamente genial.

Un casting bien elegido puede hacer de un muy buen film una gran película, y éso es lo que consigue el elenco de Camino a la libertad. Hay que empezar por un imponente Ed Harris (La roca, Una historia de violencia, Appaloosa), con su sola presencia el nivel de una película puede subir muchos enteros, y en ésta hace un gran papel, sorprende que no haya sido nominado al Oscar. Colin Farrell (El imaginario del doctor Parnassus, Tigerland) es otra de las caras más conocidas de esta cinta, es un actor con fama de polémico, pero lo que nadie puede negar es que tiene talento, y aquí nos vuelve a sorprender con su papel de Valka, un tipo que no se sabe muy bien si es villano o héroe. Saoirse Ronan nos deslumbró con su interpretación en Expiación, por el cual estuvo nominada al Oscar, posteriormente trabajó a las órdenes de Peter Jackson en The Lovely Bones; en esta ocasión vuelve a confirmar lo que ya sabíamos: que es capaz de meterse a cualquiera en el bolsillo. El personaje al que da vida Jim Sturgess (21: Black Jack) es Janusz, el que se podría afirmar que es el protagonista principal, un tipo difícil que arrastra consigo un desgraciado hecho, y que por encima de todo quiere regresar a su país para así encontrarse con la persona más importante para él; sus conocimientos salvarán en más de una ocasión a sus compañeros, pero su obstinación por seguir avanzando también les pondrá en peligro otras tantas veces. El que fuera el malo del Robin Hood de Ridley Scott, Mark Strong, también tiene un papel relevante en la trama; hace de soñador que no deja de pensar en fugarse del campo, es él el que anima a Janusz a planear la evasión.

Si bien hay muchas imágenes en este film que están cargadas de emotividad y dramatismo, no lo serían tanto sin la gran banda sonora compuesta por Burkhard von Dallwitz. Toda la música me pareció excepcional, pero el tema principal me resultó memorable, era sólo escucharlo que lograba infundirme mil y una emociones. Si a ello le añadimos unos paisajes espléndidos (de Bulgaria, Marruecos e India, que fueron los países donde se rodó la película), una gran fotografía y un cuidado diseño de producción, nos encontramos ante uno de esos filmes que te entran tanto por los ojos como por los oídos.

En conclusión. De Camino a la libertad sales tocado por sus personajes, por su intensidad y capacidad de transmitir emociones, por el dramatismo de muchas de sus secuencias. Peter Weir ha realizado un peliculón, uno de los mejores filmes dramático-aventureros que he visto jamás, si no el mejor. Merece mucho la pena verlo en pantalla grande.


LO MEJOR:
-El reparto, todos y cada uno de ellos realizan un gran trabajo. Destaco en todo caso al siempre excelente Ed Harris, a la genial Saoirse Ronan, al polémico Colin Farrell y a un Jim Sturgess que lidera con éxito un grupo de grandes intérpretes.
-La dirección de Weir, siempre pone la cámara donde mejor queda.
-La fotografía, la ambientación, el vestuario, el maquillaje, todo el plano técnico.
-La música, muy grande la composición de Burkhard von Dallwitz.
-A partir de cierta dramática y maravillosa escena en el desierto, el film no deja de emocionar, de maravillar, es ahí donde mayor fuerza cobra y donde el espectador no podrá abandonar la butaca por más que lo intente.

LO PEOR:
-La acción no se mantiene constante, decae durante parte de la cinta, se hace un poco lenta en esos momentos. Pero se compensa con creces cuando el ritmo vuelve a reemprenderse.
-Que se hayan olvidado de ella en los Oscar (salvo por el maquillaje no ha recibido ninguna nominación más).

¿Quién debería verla?
A mí me ha encantado, he salido del cine no satisfecho, sino pletórico, por lo que se la recomiendo a todo el mundo.


Leer critica Camino a la libertad en Muchocine.net

También la lluvia

Sebastián es un director idealista que, junto con su amigo y productor Costa, pretende rodar una película sobre la conquista de América y de los abusos y tropelías que cometió el hombre blanco a la población indígena en el proceso; no obstante, la ficción y la realidad se mezclarán cuando los mismos indígenas que trabajan en el film se unan a las protestas contra la privatización del agua y la dura represión a la que serán sometidos.

Esta es la sinopsis del nuevo trabajo de la comprometida Icíar Bollaín, que traslada a la pantalla una historia escrita por su también comprometido marido Paul Laverty, conocido sobre todo por sus libretos para Ken Loach, paradigma del cine de denuncia social británico. Laverty teje una historia de cine dentro de cine con el telón de fondo de la lucha por el agua que llevaron a cabo los indígenas en Cochabamba, Bolivia, en el año 2000, y con la que traza paralelismos con la conquista de América por parte de Colón.

También la lluvia (ídem, 2010), que es una coproducción entre España, Francia y México, era la película con mayor número de nominaciones a los Goya tras Balada triste de trompeta y Pan negro, que arrasó en la pasada edición de los Goya, además de haber sido seleccionada por la Academia para representarnos para los Oscar, aunque finalmente no está entre las candidatas a la deseada estatuilla (sí que ha tenido mejor suerte, sin embargo, Biutiful, coproducción entre España y México, y que representa a este último país), y en los Goya se ha quedado con sólo tres premios de los trece bustos a las que optaba (aunque peor ha acabado la cinta de Alex de la Iglesia)

En el reparto tenemos caras conocidas y reconocidas, como Luis Tosar, que triunfó con su Malamadre de Celda 211; o Gael García Bernal, que trabajó a las órdenes de Iñárritu en Amores perros y de Walter Salles en la espléndida Diarios de motocicleta; a destacar también el papel de Karra Elejalde, que ha obtenido merecidamente el Goya a mejor actor de reparto, y a quien hemos visto en muchos filmes de diferente temática, como en Airbag y en el debut en el largo de Nacho Vigalondo. Otro de los personajes importantes es el que interpreta el novato Juan Carlos Aduviri, cuyo papel es la cabeza visible de las protestas por el agua y a la vez líder de los indígenas que se resisten a la colonización por parte del hombre blanco.

Finalizando. También la lluvia es un meritorio film que si bien al acabar no hace mella (a quien esto escribe al menos), sí que deja buenas sensaciones. Su reparto es destacable, tiene una gran banda sonora y está bien rodado, siendo su desarrollo más absorbente e interesante cuanto más avanza la trama. Una buena película a la que merece la pena darle una oportunidad.


LO MEJOR:
-El buen reparto, destacando Karra Elejalde y Luis Tosar.
-La música, compuesta por Alberto Iglesias, que ganó el Goya por enésima vez.
-La fotografía.

LO PEOR:
-A mi juicio no está aprovechado todo el potencial dramático de la trama.

¿Quién debería verla?
Sobre todo quien guste del cine de denuncia social.

Bangkok Dangerous

Joe es un meticuloso asesino a sueldo a quien le encargan varios trabajos en la ciudad de Bangkok. Con la vista puesta a eliminarlo posteriormente contrata a Kong, un pícaro ladronzuelo con el que al final traba amistad a pesar de sus reticencias iniciales. Tras un trabajo accidentado conoce a una mujer muda dependienta de una farmacia que por alguna razón, quizá por esa incapacidad patológica de comunicarse, le gusta, por lo que acaba por intimar con ella. No obstante, llegado el último trabajo los planes se tuercen.

Los hermanos Pang (The Eye) dirigen el remake de la que fuera su segunda película, una historia sobre un asesino a sueldo que en el fondo nos está hablando de la incomunicación, o más bien la incapacidad de comunicarse con los demás, que es lo que el ocurre al personaje interpretado por Nicolas Cage (actor que nos ha regalado grandes interpretaciones como en Leaving Las Vegas, pero que en los últimos tiempos sobre todo trabaja en proyectos de dudosa calidad), cuya profesión le obliga a no entablar amistad con nadie, y a eliminar a toda aquella persona que establezca contacto con él, pues el anonimato es su mejor arma. Así, nada más empezar el personaje del asesino nos da repelús, pues vemos con qué frialdad trabaja, pero a medida que avanza la trama se nos muestra su lado humano, por lo que resulta imposible no sentir cierta empatía por el mismo a pesar de todo. Ése es quizá el mayor acierto del film, eso, una fotografía conseguida y unas escenas de acción bien filmadas.

Como protagonista absoluto (y la única cara conocida para la mayoría de nosotros) tenemos al ya mencionado Nicolas Cage, quien a mi parecer ha sabido retratar a un tipo frío y con serios problemas de socialización; le acompañan interpretes orientales, como Shahkrit Ymnarm, Charlie Yeung (Siete espadas), Nirattisai Kaljaruek y Dom Hetrakul, que seguro que son muy populares por tierras asiáticas, pero lo que es un servidor (salvo a Charlie Yeung) de poco les conoce.

Bangkok Dangerous (Ídem, 2008) es un filme interesante, tiene sus buenas dosis de acción, pero sin embargo buena parte de su desarrollo se puede decir que es pausado, con sus pequeñas dosis de humor y romanticismo; el hecho de que se desarrolle en la capital de Tailandia le da un toque exótico bastante acertado, además de acentuar aún más la incapacidad de comunicarse del protagonista. Quizás, como casi todo remake, sea una película innecesaria, pero no se le puede negar sus aciertos.


LO MEJOR:
-La evolución del personaje principal resulta interesante.
-Las escenas de acción.

LO PEOR:
-Para algunos puede resultar demasiado lenta en ciertos momentos.
-Los tópicos.

¿Quién debería verla?
Los fans de Nicolas Cage.


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127 horas

Hay películas que son más conocidas por las reacciones a ciertas escenas que por la película en sí. Un ejemplo polémico y exitoso fue La pasión de Cristo, film con el que Mel Gibson se quedaba a gusto y le daba una buena paliza a Jesucristo, arrancándole piel y haciendo que mostrara hueso y carne, fustigándole durante casi todo el metraje. Fueron muy sonados los desmayos, mareos e incluso algún que otro infarto que provocaron las torturas mencionadas. 127 horas (127 hours, 2010) también es ya famosa por una escena; su crudeza y realismo ha provocado desmayos, y mira que su realizador se puede decir que no se ha recreado todo lo que podía haberlo hecho. No obstante, La pasión de Cristo, aunque me impactó, no me provocó ninguna sensación especialmente intensa (de hecho, fue una imagen que carecía de violencia alguna la que se quedó mejor en mi memoria), sin embargo con la película de Danny Boyle ha sido diferente. Netamente.

Para despistados, situémonos. 127 horas nos cuenta la historia real de Aron Ralston, un montañista y aventurero que en 2003 uno de sus brazos se quedó atrapado bajo una piedra en una estrecha y profunda grieta en mitad de un vasto desierto (en el parque Canyonlands si no recuerdo mal), de cómo sobrevivió durante cinco días sin apenas comida y agua, y cómo al final, para salir vivo de la situación, no tuvo otra opción que tomar una medida absolutamente drástica y desesperada.

El director de Slumdog Millionaire ha sido el que ha dado vida a esta increíble historia de supervivencia, con la ayuda en el guión de Simon Beaufoy (con el cual ya trabajó en el mencionado film y en Full Monty), basándose para ello en el libro que escribió el propio Aron Ralston, Between a Rock and a Hard Place.

El actor seleccionado para protagonista fue ni más ni menos que James Franco, conocido sobre todo por dar vida a Harry Osborn en la irregular trilogía de Spiderman de Sam Raimi. Dicha elección, lo que es a mí me generaba ciertas reticencias, ya que dudaba de sus cualidades dramáticas; pero he de confesar que visto lo visto, hay que decir que hace un gran trabajo, y que si no fuera por él la cinta no habría funcionado, sobre todo porque en el 95% de su duración es el único en pantalla, y el resto de los personajes no son sino meros acompañamientos para mostrarnos cómo es el prota y lo que pasa por su cabeza.

La película no me acabó de enganchar hasta bien entrada en materia, exactamente a partir de cuando el personaje de Franco tiene un lluvioso ensueño, es ahí cuando la tensión dramática toma forma y observamos que el aventurero está en un momento crítico. Antes de ello, aunque me resultaba interesante, lo cierto es que no me generó angustia constante, es algo que ya me pasó con un film de similares características como es Buried (Enterrado). Pero la gran diferencia está en la última escena. Donde Rodrigo Cortés me puso de los nervios y me generó auténtica claustrofobia, Danny Boyle ha ocasionado otro tipo de sensaciones en mí, más físicas e inesperadas, más desagradables...

Una vez se hubo terminado de liberar el protagonista, empecé a sentirme un poco raro, y ya ahí me dije “Oh, oh”. Me levanté antes de que pasara lo que imaginaba, y apenas llegué al pasillo acabé bajándolo sentado, a rastras, hasta rendirme y optar por poner los pies en alto sobre una de las butacas de la segunda fila: los mareos y sudores fríos eran ya más que evidentes. Me recuperé y salí en busca del baño, dejando detrás parte de mis pertenencias personales, pero no pude llegar a mi objetivo, otra vez volví a sentirme mal, así que me tiré al enmoquetado suelo del pasillo y puse los pies sobre la pared. Una pareja de mediana edad, muy amables, me ofrecieron ayuda (antes un chico preguntó por mi salud, pero le dije que ya me sentía mejor -como así era en aquel momento, pero me equivoqué-), el hombre sujetó mis piernas en alto y pronto apareció una acomodadora del cine, que llamó al Samur. Me volví a sentir mejor, le di las gracias al hombre y su mujer cuando se marcharon, y me senté, mas de nuevo volvieron los mareos, en esta ocasión la chica del cine me sujetó las piernas, mientras me informaba que el fin de semana había sido movidito al respecto. Al volver a mejorar mi estado la acomodadora fue en busca de un sillón, que trajo ella misma, allí me senté a la par que me traían lo que me había dejado en la sala. No tardaron en llegar los chicos del Samur, que estuvieron un buen rato en el mismo cine atendiéndome, y viendo que me iban y venían los mareos e incluso nauseas, decidieron llevarme en camilla a la ambulancia (ha sido la primera vez que me han transportado en camilla, fuera de un hospital, y me han metido en una ambulancia). Allí, después de un rato de estar cabeza abajo, comprobar la tensión y las pulsaciones, me dieron la opción de ir al hospital para estar en observación, cosa que rechacé al sentirme bien. Así que me levanté, les agradecí su ayuda y atención, y me fui de nuevo a mi hogar, recuperado y con la cosa de no haber visto la película hasta el final. Así pues, he sido una nueva víctima de Danny Boyle, que ha hecho que por primera vez en mi vida haya salido de la sala antes de que aparecieran los créditos.


LO MEJOR:
-La pareja que me ayudó y la chica del cine, así como el chico que preguntó por mi estado, cuando el resto de la gente pasaba de largo sin aparentemente molestarse en mirar a un tipo que estaba tirado en el suelo.
-Los chicos del Samur, simpáticos y profesionales, hicieron que el trance fuera algo menos vergonzoso y doloroso.
-James Franco, muy buena su interpretación. Bien merecida su nominación a los Oscar.

LO PEOR:
-Que a algunos les pareció gracioso verme tendido en el suelo con los pies sobre las butacas. No niego que dicha escena pueda tener cierta comicidad, pero pienso que al menos antes de reír hay que comprobar el estado de la persona.
-Que nadie de la sala se levantara para comprobar mi estado, y que en el pasillo muchos pasaran de largo sin preguntar, ¿y si hubiese sido un tipo con un ataque al corazón?

¿Quién debería verla?
Si te gusta el cine de Boyle, y las historias de supervivencia extrema en general.

¿Y quién no?
Si eres sensible a las escenas duras y realistas. O al menos recomiendo que no mires la escena en cuestión y sobre todo evitar sugestionarte en exceso, como a mí me pasó.

Resultados encuesta ci-fi y ahora secuelas

Muy buenas, queridos lectores. Como habréis notado, en esta ocasión me he retrasado en comentar los resultados de la última encuesta, pero es que uno no siempre está ocioso y de vez en cuando el deber le llama, así que respondí a dicha llamada, y en cuanto he tenido un hueco he dedicado parte del mismo a analizar concienzudamente los resultados finales.

Antes que nada reconocer que en esta ocasión se me han olvidado películas clave en nuestra infancia, que seguro a más de uno debió de marcar más que mucho, como E.T. El extraterrestre, o Encuentros en la tercera fase o Tron, ya no volveré a cometer el mismo error.


Un dato a destacar en esta entrega encuestil es que ninguna de los nueve filmes a los que se podían seleccionar se ha quedado sin voto, todos han tenido alguno, aunque el que ha ganado por goleada ha sido La guerra de las galaxias, que con sus 11 votitos se ha llevado el gato al agua como la peli de ciencia-ficción que más marcó la infancia de los participantes, se nota que las aventuras de Luke Skywalker, Han Solo y la princesa Leia nos dejó boquiabiertos a más de uno; en segundo lugar, a cinco votos de la primera, tenemos al androide por excelencia y uno de los films de viajes en el tiempo más atemporales, Terminator, donde Linda Hamilton se hartó de correr junto con Michael Biehn porque les seguía una máquina de dos patas con muy mala uva; completando el podio, y sólo por un voto de diferencia, tenemos al octavo pasajero, Alien, aquel que hizo pasarlas canuta a los tripulantes de la Nostromo, de hecho lo pasaron tan mal que se murieron todos menos una testaruda teniente y un gato; tras ella tenemos otro mítico filme de viajes temporales, Regreso al futuro y justo después uno de los filmes postapocalípticos más divertidos e interesantes que existen, Mad Max 2. Empatadas a un voto están Desafio Total (otra del gran Chuache), la versión original de El planeta de los simios, que tiene uno de los finales más impactantes que se hayan hecho jamás, nada que ver con el vergonzoso remake que realizó Tim Burton; Enemigo mío, una hermosísima historia de amistad interracial e intergaláctica; y Robocop, la segunda película del director Paul Verhoeven de la lista, un tipo que es capaz de lo mejor y de otras cosas no tan buenas.

Y ahora os dejo con los detalles de votos y los porcentajes, además de con los comentarios a la nueva encuesta, aunque antes también me gustaría indicar que la participación ha sido notablemente superior, llegando a 33 participantes, por lo que me doy por satisfecho por la progresión.

¿Cuál fue la película de ciencia-ficción que más os marcó?

*La guerra de las galaxias --> 11 votos (33%)

*Terminator --> 6 votos (18%)

*Alien, el octavo pasajero --> 5 votos (15%)

*Regreso al futuro --> 4 votos (12%)

*Mad Max 2 --> 3 votos (9%)

*Desafío Total --> 1 voto (3%)

*El planeta de los simios (1968) --> 1 voto (3%)

*Enemigo mío --> 1 voto (3%)

*Robocop --> 1 voto (3%)

Votos totales: 33


NUEVA ENCUESTA

Como seguro que habréis comprobado, desde hace unos días tenéis una nueva encuesta en el menú de la derecha. Pensando en lo que se suele decir se me ocurrió que sería buena idea dedicarla a las secuelas, así que me puse a repasar títulos y decidí poner unos cuantos para comprobar cuál os gustaba menos.

En esta ocasión, para evitar olvidos, he puesto la opción de seleccionar “Otra”, en dicho caso no estaría mal que en esta misma entrada pusierais un comentario indicando cuál es la película en cuestión. Por cierto, la lista, como siempre, está realizada con criterios subjetivos, de hecho no pienso que todas esas secuelas sean malas propiamente dichas (una de ellas me encanta), aunque de algunas no me cabe la menor duda.

¿Cuál es la peor secuela de todos los tiempos?

*Scream 2

*La Momia 3

*Tron: Legacy

*Esta abuela es un peligro 2

*Men in Black 2

*Batman y Robin

*Alien vs. Predator 2

*Matrix Revolutions

*Indiana Jones 4

*Star Wars Episodio 1

*Misión Imposible 2

*Terminator 3

*El proyecto de la bruja de Blair 2

Ya sabéis, ¡no olvidéis votar!