Cómo piensan los niños y otros recuerdos de mi vida, de Hayao Miyazaki

Hay obras a las que uno se acerca con tanto entusiasmo como con respeto e incluso temor. Se trata de películas, series, cómics o libros que llevas ansiando mucho tiempo o cuya publicación sea algo muy inaudito e inesperado (aunque probablemente deseado). Esto último puede ser el caso de Cómo piensan los niños y otros recuerdos de mi vida, un libro que no trata sobre Hayao Miyazaki, no es un ensayo de un autor patrio o extranjero sobre el cineasta, su filmografía o uno de sus largometrajes, sino de un libro escrito por él mismo.

Desde su inesperado anuncio, por tanto, se convirtió en un volumen muy ansiado, y cuando lo tuve en mis manos no dudé en saltarme la lista de lecturas (tengo no pocos ensayos relacionados con Ghibli a la espera de ser leídos) y zambullirme en sus páginas rápidamente.

Godzilla vs. Kong

Han pasado más de tres años desde que Godzilla impuso la paz y su reinado tras vencer a Ghidorah, y desde todo ese tiempo no ha aparecido, pero de repente ataca la ciudad de Pensacola, donde tiene una de sus sedes la multinacional Apex, la cual cree haber encontrado la solución definitiva contra los titanes. Para ello deberán sumergirse en la Tierra Hueca, el ancestral hogar de los monstruos gigantes, con la imprescindible ayuda de Kong.

Después de dos estimables entregas del Monsterverse (o monsterverso), especialmente el dedicado a King Kong (y un agradable revisionado de la segunda película del saurio nipón), tenía muchas ganas de ver la lucha de dos de los monstruos más míticos del cine en Godzilla vs. Kong (ídem, 2021), pelea encargada en esta ocasión a Adam Wingard (The Guest, Tú eres el siguiente), otro realizador que ha obtenido cierto prestigio a través del cine de género (más o menos) independiente, aunque no sé yo si los ejecutivos le habrán dejado la libertad creativa que le hubiese gustado.

Minari. Historia de mi familia

Jacob se muda con su familia al campo con la intención e ilusión de cumplir su sueño de tener un huerto (un huerto muy grande) con el que poder vivir y darle una vida más digna a su familia que con su trabajo de sexador de pollos.

Gran triunfadora en Sundance, donde se llevó el Premio del Público y a Mejor película, y ganadora del Globo de Oro a Mejor película de habla no inglesa, con producción de Brad Pitt, Minari. Historia de mi familia (Minari, 2020) es una película con elementos autobiográficos escrita y dirigida por Lee Isaac Chung (Lucky Life), de esas que suelen triunfar en los festivales (como el mencionado) y que tampoco desagrada a los espectadores.

Raya y el último dragón

Antaño el reino de Kumandra vivía en armonía, pero tras la aparición de los drun y del sacrificio de los dragones, se impuso la discordia entre los hombres. Raya vaga por los cinco reinos en busca del último dragón, con la esperanza encontrar la forma de salvar a su padre y quién sabe si al mundo.

Si algo me atrajo de Raya y el último dragón (Raya and the Last Dragon, 2021) (desde sus primeras imágenes conceptuales) fue su ambientación oriental. Por los adelantos tenía pinta de ser una aventura con artes marciales, una mascota simpática y una buena factura.

Historias cortas de Koyoharu Gotouge

Guardianes de la noche es sin duda uno de los mangas del momento, tiene mucho éxito en todo el mundo, vende millones de tankoubon en Japón y además la adaptación animada ha arrasado en el país del Sol Naciente, desbancando a El viaje de Chihiro del trono de la película más taquillera de la historia. Por tanto su autora, Koyoharu Gotouge, está en lo más alto de su popularidad (o casi), por lo que lógicamente las editoriales aprovechan el momento para publicar más trabajos suyos, como Historias cortas de Koyoharu Gotouge, que no hace falta explicar que se trata de una antología de obras breves (y aún así lo he hecho), previas a su gran boom.

En cuanto a las obras que recopila, todas fueron publicadas por Shueisha en diferentes revistas entre 2013 y 2015, algunas, como la primera, ganadora de un accésit en la 70ª edición del premio nuevos autores de JUMP Treasure.

 

Noticias del gran mundo

El capitán Kidd se dedica a viajar de pueblo en pueblo leyendo las noticias a un entregado público. Un día se topa con los restos de una carreta y con una niña solitaria a la que iban a llevar con su familia en el sur. Aunque no entraba dentro de sus planes, Kidd decide llevarla él mismo, por lo que tendrá que recorrer parajes peligrosos y tropezarse con gente de todo tipo de calaña.

Con Noticias del gran mundo (News of the World, 2020) me ha pasado lo que con muchas otras cintas (sobre todo en estos últimos tiempos), me atrajo por su cartel, pero dado que su estreno fue muy limitado, casi deseché la idea de verla. Por suerte, al final encontré una sesión y un cine que me venían meridianamente bien.

Las brujas

El protagonista de esta historia (Hero Boy) es un niño que sufre una terrible desgracia que lo obliga a vivir con su abuela, la cual logra sacarlo del hoyo y hacer que recupere la alegría. Un día se topa con una bruja y su abuela decide que se vayan de casa, con la mala fortuna que se terminan encontrando con muchas de ellas.

Robert Zemeckis (El vuelo) es un artesano que lleva desde los 70 añadiendo trabajos a la que es sin duda una ecléctica filmografía, desde las historias más fantasiosas hasta los dramas más descarnados, pasando por el cine de animación más puntero e incluyendo alguna que otra extravagancia. Ahora se ha encargado de trasladar a la gran pantalla, con guión de él mismo, Kenya Barris (El rey de Zamunda) y Guillermo del Toro (Pacific Rim), un cuento del famoso escritor británico Roald Dalh.

Lupin III: The First

Lupin le ha echado el ojo al famoso diario Bresson, al que su propio abuelo se le escapó de las manos, y del que dicen llevará al que lo posea a un fabuloso tesoro. Para ello contará con la ayuda de Leticia, una bella e inocente jovencita con mucho talento, y pasión, por la arqueología.

Ya hace mucho que vi el primer avance de esta nueva adaptación de los personajes de Monkey Punch, que me dejó muy buenas impresiones, así que tras algún retraso a cuenta de la pandemia me alegra que Selecta Visión haya podido estrenar en cines esta aventura con animación 3DCGI escrita y dirigida por Takashi Yamazaki (Stand By Me Doraemon, Space Battleship Yamato).

El profesor de persa

Gilles cambia un libro escrito en farsi por medio bocadillo ante la insistencia de otro preso judio de los nazis, ambos se dirigen a la muerte sin saberlo y, también sin siquiera imaginárselo, el segundo ha salvado la vida del primero. La única opción de sobrevivir para Gilles será fingir ser lo que no es y dar lecciones de persa al implacable capitán Klaus Koch, quien está obsesionado por el idioma. ¿Podrá mantener la mentira por mucho tiempo?, ¿revelará un tercero la verdad?

Vadim Perelman me dejó casi con mal cuerpo con su contundente drama Casa de arena y niebla, así que uno de los motivos por lo que decidí ver El profesor de persa (Persischstunden, 2020) fue que él se encargara de la dirección. Pero lo primero que me llamó la atención del film fue su cartel, con un preso sentado y un militar de las SS de pie a su lado, el ver el avance posteriormente confirmó mi interés, pero tenía cierto temor a que fuese una historia demasiado trillada.

Hasta el cielo

Ángel vive en un barrio marginal pero aspira a más, mucho más. Un día, por pura casualidad, le sale un trabajito y  empieza una carrera ilegal por llegar a lo más alto.

No es que tuviera ninguna motivación especial por ver Hasta el cielo (ídem, 2020) pero sí que captó mi curiosidad que la vendiesen como la producción española más cara del año y también que fuese una película de acción, además que esté dirigida por Daniel Calparsoro, que no le falta experiencia en el género con filmes como Guerreros o Combustión, y escrita por el guionista habitual de Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría, también sumaba.

La invocación del picto, de Sergio Mars

Malos tiempos corren en los Montes Raajniakiri, el invierno está siendo atrozmente crudo y el pueblo de Nergal, si quiere sobrevivir, no tiene otra opción que recurrir a oscuros ritos que hará que el mencionado y dos miembros más del Clan del Lobo se conviertan en avatares de la Muerte. Contra todo pronóstico Nergal, al contrario que sus compañeros, sobrevive, lo que le convierte en un habitante incómodo en su aldea, por lo que deberá buscar su lugar en un mundo donde hombres, dioses y otros seres oscuros intentarán utilizarlo para sus fines.

Aunque no soy un gran conocedor, la literatura pulp (y toda historia que pueda encajar en la amplia variedad de la misma, incluyendo en los medios audiovisuales y los tebeos) siempre me ha atraído y me ha divertido mucho. Recuerdo muy bien la fascinación que me produjeron, cuando era un retaco, películas como Conan el bárbaro, El señor de las bestias, Krull, Flash Gordon o cualquiera de las aventuras de Tarzán protagonizadas por, entre otros, Johnny Weismuller. Curiosamente todavía no he leído (casi) ninguno de los relatos originales de Robert E. Howard ni de Edgar Rice Burroughs (pero sí mucho de otro grande como Edgar Allan Poe, que aunque no se pueda incluir en este grupo, sí influyó a muchos de sus escritores), aunque últimamente me estoy culturizando un poco gracias a publicaciones como la revista Barsoom... Y ahora también he rellenado un poco de hueco gracias a Sergio Mars, quien durante años se ha dedicado a indagar en los archivos de Sean Thorgier Prescott para completar su inconclusa obra y darle forma en esta antología.

Los Croods: Una nueva era

Eep y su familia, incluyendo a Chico, que ya es un miembro más (muy a pesar de Grug, el cabeza de familia) continúan con la búsqueda incesante de un hogar, del Mañana, mientras se enfrentan a los peligros del día a día (todo tipo de fieras dispuestas a comérselos vivitos y coleando, básicamente), hasta que parecen encontrar al fin tan soñado lugar, donde no falta la comida y, encima, encuentran a los Másmejor, una familia de tres supuestamente más evolucionados.

Los Croods: Una nueva era (The Croods: A New Age, 2020) es una tardía secuela de la entretenida aventura dirigida por Chris Sanders y Kirk De Micco allá por 2013. En esta ocasión estos solo han creado la historia, siendo el encargado de la dirección Joel Crawford, lo que supone su debut en la realización de un largometraje, pero tiene un gran bagaje con cintas como El origen de los guardianes, Shrek: Felices para siempre o Kung Fu Panda, habiendo sido escrito el guion a ocho manos por Kevin y Dan Hageman, Paul Fisher y Bob Logan. Esta, como la anterior, no es una película que se pueda considerar una obra maestra, pero es muy divertida.

15 aniversario

Hace un un par de años me dije que El BLOG de NEOVALLENSE duraría al menos hasta los quince, por eso de terminar con un número más bonito, y ahora que llega a la cifra, pues me digo que intentaré proseguir la aventura hasta que me canse. Es lo que tiene viajar solo en este barco que hace aguas por doquier.

Pero a pesar de los agujeros, de la pérdida continua de maderamen, esta minúscula bitácora sigue flotando a la deriva en las procelosas aguas de la Red, esperando que de cuando en cuando algún navegante, o naufrago, se interese por las palabras vertidas por un viejoven lobo de tierra (y visto lo visto, no soy un gran capitán).

Deseando amar (In the Mood for Love)

El primer contacto que tuve con el cine de Wong Kar-Wai fue su incursión con reparto internacional My Blueberry Nights, la cual me resultó un poco aburrida a pesar de contar con un gran elenco, una destacable fotografía y una elegante realización. No me dejó con ganas de más pero aún así tiempo después le di una oportunidad a The Grandmaster... y tampoco me engatusó especialmente. Y a pesar de estas dos experiencias negativas tenía la espinita, desde que se estrenó en cines, de no haber visto Deseando amar (Fa yeung nin wa, 2000), y aunque oportunidades las he tenido ya que ha estado disponible en múltiples ediciones en DVD (algunas a muy buen precio junto a periódicos, por ejemplo), nunca me animé a sumergirme de nuevo en el universo del realizador hongkonés (aunque nació en Shanghái). Casi que fue lo mejor.

La señora Chan y el señor Chow se mudan el mismo día y se convierten en vecinos, en principio su relación es tirando a fría, apenas saludándose, pero a medida que sospechan que sus respectivas parejas las están engañando se van acercando poco a poco y estrechando una relación que va más allá de la amistad.

El padre

Hay temas que a uno le interesan y le tocan la fibra sensible por uno u otro motivo, así que cuando ve alguna obra que los trata acude a ellas, más si viene con los rostros de grandes nombres, como el de Anthony Hopkins, y precedida de muy buenas críticas.

Basada en la obra de teatro de Florian Zeller, este mismo se encarga de trasladar a la gran pantalla el drama de un hombre que, sin ser consciente de ello, padece una enfermedad neurodegenerativa (no se indica cuál en ningún momento, pero se sobreentiende que podría ser Alzheimer o cualquier otro tipo de demencia) que, poco a poco, lo sume en la confusión, a la par que a sus familiares, a su hija Anne especialmente, en un mar de preocupaciones.

Porque siempre hay un motivo por el que sonreir...

 

Vengadores: Endgame

Tras los acontecimientos de Vengadores: Infinity War, la humanidad (y el resto del universo en realidad) está en decadencia. Aun así, los Vengadores ven una pequeña esperanza a la que se han de aferrar, por lo que se unen de nuevo para enfrentarse a Thanos y regresar el cosmos a su estado anterior. Cueste lo que cueste.

Infinity War me gustó, tenía vibrantes secuencias de acción, aventuras y mucho humor, no obstante no me terminó de engatusar por una sola, aunque importante, razón: apenas logró emocionarme. Y eso fue así porque no me creí casi ninguna de las múltiples muertes, quizá por la certeza de que volverían a aparecer posteriormente, puede que porque no tuviese el día, no lo sé (no la he revisionado), pero me dejó unas sensaciones agridulces a pesar de que tenía esperanzas en su continuación.

Shin chan en Australia, tras las esmeraldas verdes

Aprovechando una oferta, y ante la expectativas de suculentos premios, la familia Nohara decide ir a Australia para disfrutar de la luna de miel que Hiroshi y Misae no pudieron tener en su momento. Todo pinta bien en un inicio, pero cuando se tropiezan con una cazatesoros las cosas empiezan a complicarse y más cuando también aparece una tribu del lugar.

Cualquiera que haya visto alguna otra película del presonaje creado por Yoshito Usui (no tanto quien solo haya visto la serie) sabe lo que se va a encontrar en Shin chan en Australia, tras las esmeraldas verdes (Crayon Shin-chan: Honeymoon Hurricane - The Lost Hiroshi, 2019), el humor habitual (algunos chistes nunca faltan) y aventuras desenfadadas por doquier, aquí con dos claros referentes como Indiana Jones y Mad Max: Furia en la carretera (la primera persecución motorizada y algún momento posterior me resultaron evidentes) (y otra referecia evidente sería King Kong), así que quien disfrutara de otras aventuras del desastroso niño lo hará aquí, aunque quizá la galería de personajes secundarios esté menos desfasada que en otras ocasiones, mucho más comedida pero no exentos de rarezas (y entre ellos no se encuentran los miembros de la tribu, que son relativamente normales).

Josep

Cuenta la historia de Josep Bartolí, su exilio a Francia y su reclusión en un campo de concentración.

Josep (ídem, 2020) casi se escapa de mi órbita. Conocí de su existencia por un cartel en un cine, donde no se indicaba fecha de estreno, y cuando llegó a las salas (muy pocas y con escasísimos pases) me enteré de pura chiripa. Suerte que tuve.

Rifkin's Festival

Mort Rifkin viaja a San Sebastián con Sue, su mujer, por obligación, ya que ésta trabaja de publicista y uno de sus clientes estrena película en el festival. El hombre piensa que Sue se la está dando con Phillippe, joven y exitoso director con el que trabaja ella, y mientras divaga sobre esa posible relación, conoce la ciudad y a una joven doctora española de la que se enamora casi al instante.

No soy ni fan ni gran conocedor de la filmografía de Woody Allen, probablemente pueda contar con los dedos de una mano las películas que he visto de su extensa filmografía, y ninguna de ellas, hasta la fecha, la había visto en un cine. El hecho de que la cartelera en la pandemia sea algo menos variada y, sobre todo, comercial, y también porque me picaba la curiosidad, hizo que me decidiera ver Rifkin's Festival (ídem, 2020).

Liquid Memories: El asesino del agua, de Fidel de Tovar y Dani Bermúdez

Ethan Wood es el dibujante de un exitoso tebeo de zombis con problemas de insomnio que, sin quererlo y sin saberlo y tras ayudar a la misteriosa y hermosa Alice, se ve envuelto en el oscuro caso del asesino del agua, el peor criminal que ha visto la ciudad de Londres desde Jack el Destripador.

Fidel de Tovar y Dani Bermúdez se dieron a conocer como equipo creativo con Arashiyama, la montaña de los deseos, obra con la que ganaron el Concurso Manga de Norma Editorial y con la que obtuvieron muchos reconocimientos y el favor de los lectores. Y en 2019 nos llegó su nuevo tebeo, que no podía estar más alejado del primero, ya que pasaron de un entorno rural de Japón y una historia repleta de mitología y folclore a un thriller ambientado en Inglaterra.

Para Sama

Narra la historia en primera persona de Waad y Hamza, desde los inicios de la revolución en Siria, hasta el fin del asedio a Alepo.

No hay guerras más crueles que aquellas que se dan entre compatriotas y, aunque en Para Sama (For Sama, 2019) no se vean combates y apenas algunas bombas, sí que se observan las consecuencias. Waad Al-Kateab capta con su cámara y narra a Sama, su hija, lo que está pasando en su ciudad y con ello también se lo cuenta al resto del mundo, centrándose especialmente en el hospital que dirige su marido, el cual no por ser un lugar para la asistencia de los heridos está exento de ser bombardeado.

My Hero Academia: El despertar de los héroes

Izuku y compañía son llevados a Nobuto, una isla de unos mil habitantes, para que cubran la baja del héroe encargado de la misma hasta que encuentren un sustituto. En principio los estudiantes de la clase 1-A del academia Yuei no deberían tener muchos problemas, ya que se trata de una región alejada y tranquila, pero pronto se complicarán las cosas cuando aparezcan un grupo de villanos.

My Hero Academia es uno de los shonen del momento, las ventas del manga de Kohei Horikoshi se cuentan por millones y sus seguidores están encantados con el mismo así como con la serie anime, que goza de buena salud y estupendos comentarios. Un servidor hace tiempo que no empieza una nueva serie de estas características (salvo Dragon Ball Super), sabedor de que se suelen eternizar (¿alguien ha dicho One Piece o Detective Conan?) y el espacio en el hogar es limitado (y hasta la paciencia) y muchas caen en la repetición, pero lo que sí hago es, como ya he dicho por aquí, ver los largometrajes que se estrenan en pantalla grande, incluso sin tener una base de la serie en la que se basa, porque en la mayoría de las ocasiones no hacen mucha falta, dado que suelen ser obras que van directas al grano.

Akelarre

Ana y sus amigas son apresadas sin previo aviso, ¿su delito?: ser brujas.

Viendo Akelarre (ídem, 2020) he recordado por qué la Iglesia despierta tantas antipatías entre buena parte de la población a pesar de que la mayor parte de la misma haya participado de alguna manera en ritos católicos (o incluso se considere católica). Y es que la Iglesia siempre ha sido una organización de represión, de oscurantismo y de oposición a cualquier tipo de progreso o evolución que pudiera (o pueda) menoscabar su influencia y poder sobre las instituciones y la sociedad.

Falling

John lleva a su padre, Willis, a California, donde vive, porque este se lo ha pedido, pero una vez allí resulta imposible mantener la paz por las continuas salidas de tono y ataques del progenitor.

Desde el primer avance de Falling (ídem, 2020), e incluso antes de ello, cuando vi su cartel, me atrajo el debut en la dirección de Viggo Mortensen (Captain Fantastic). Un drama con un padre en horas bajas y la relación con su hijo y su familia parecía prometedor, y no solo por su argumento, sino porque el mencionado tráiler tenía extractos divertidos y se adivinaban unos personajes que calaban.

Adiós a Sean Connery

Hace ya unos meses leí una noticia en un medio digital donde se hacían eco de la aparición, en la cuenta de Instagram de su nuera, de una foto de Sean Connery. En el texto se afirmaba que el intérprete de James Bond se veía envejecido a sus 89 años... En esos momentos, como cualquiera que leyera tal basura, me dije, “joder, es que tú mismo lo has dicho, es ya una persona muy mayor”. No sé si al autor o autora del artículo le habrán regalado el título (si lo tiene) de periodismo, pero desde luego sí que se le veía más delgado y viejo que en sus últimas y escasas apariciones (en alguna competición deportiva, por ejemplo), aunque con rostro animado. Y, como tarde o temprano pasa, hoy ha saltado la noticia de su muerte.

Greenland: El último refugio

John Garrity es un ingeniero que está sufriendo un momento complicado en su matrimonio, a eso se le suma que su hijo de 7 años padece diabetes y el detalle de que un cometa va a pasar muy cerca de la Tierra. La situación se complicará más cuando resulte que el cometa es más peligroso de lo que se creía, y que podría causar una extinción similar a la del meteorito que cayó hace 65 millones de años.

Cómo nos gusta ver como se va el mundo al garete en la ficción, disfrutamos con grandes terremotos, tsunamis o incluso con el choque de planetas, la destrucción nos fascina y eso es algo que el cine nunca deja de explotar. Un servidor no es menos y también le gusta evadirse de la cuasi apocalíptica (o al menos un poquito surrealista) realidad con historias de hecatombes, de ahí que le echara rápidamente el ojo a Greenland: El último refugio (Greenland, 2020), catástrofe escrita por Chris Sparling (Buried) y dirigida por Ric Roman Waugh, quien ya había trabajado con Butler en Objetivo: Washington D.C.

Nación cautiva

Hace nueve años que los humanos se rindieron ante los invasores alienígenas, desde entonces a estos se los conoce como Legisladores y viven en el subsuelo terráqueo, mientras que las personas hacen su vida diaria más o menos con normalidad, la mayoría colaborando y una pequeña parte resistiendo en las sombras tras el fracaso de la rebelión años atrás. William Mulligan es un policía que está seguro de que los rebeldes preparan algo, por lo que vigila día y noche a Gabriel, el hermano pequeño del antiguo y fallecido líder de la resistencia, Rafe Drummond, atento a que cualquier movimiento en falso del chaval lo lleve a ellos.

Rupert Wyatt realizó una magnífica labor con su segundo largometraje, El origen del planeta de los simios, además de revitalizar una saga que ya se creía muerta. Desde entonces no había visto ninguno de sus trabajos, ni en formato de serial televisivo (TURN: Espías de Washington, The Exorcist) ni en formato largometraje (El jugador, con Mark Walhberg como prota), pero con Nación cautiva (Captive State, 2019) la cosa iba a cambiar.

Black Beach

Carlos, un ejecutivo de una petrolera, tiene el encargo de mediar en el secuestro de uno de los trabajadores de la misma en un país de África, lo cual hace peligrar la explotación de un suculento yacimiento, pero llegado al país las cosas se irán torciendo inexorablemente.

A pesar de los comentarios poco entusiastas que leí sobre Black Beach (ídem, 2020), decidí darle una oportunidad tras visionar su avance. Y es que un thriller político con ambientación internacional y secuencias de acción no es algo muy común en la cinematografía española (aunque cada vez se lancen más al vacío, por lo menos en lo que se refiere a thrillers de (o con) acción), y ese fue el primer motivo por lo que me animé, y también está el hecho de que sea protagonizado por Raúl Arévalo (La isla mínima), que ninguna de las películas que he visto del mismo me ha disgustado, y probablemente también me habría ayudado saber que su realizador y coguionista, Esteban Crespo (Amar), hizo un corto que fue nominado al Oscar.

Pinocho (2019)

No logro entender la aparente obsesión que tienen muchos cineastas por el conocido cuento de Carlo Collodi. Innumerables son las versiones de esta historia (hay incluso una versión de terror y, por supuesto eróticas), siendo la más famosa sin duda la animada de Walt Disney (dirigida, no olvidemos, por Ben Sharpsteen y Hamilton Luske), y también son muchos los realizadores que han intentado, o siguen en su empeño como Guillermo del Toro que al final parece que lo logrará gracias a Netflix, en dar su propia visión del cuento.

Es posible que sea por los temas que toca, la paternidad, la infancia, la responsabilidad o el hecho de crecer, e incluso el impacto que les causó a cineastas y productores en su infancia les impele aportar su granito de arena, pero a tenor de las múltiples versiones y sus dispares resultados (no está de más recordar que Roberto Benigni, que aquí hace de Geppetto, rodó su versión y fue un caro y sonoro fracaso que no llegó a estrenarse en España) me parece una empresa arriesgada. Matteo Garrone (Gomorra, El cuento de los cuentos) ha hecho su apuesta y no ha salido mal parado.

Berserk: Guía Oficial

Todo manga de éxito, y de cierta longevidad, termina por tener numerosos productos, ya sea en forma de anime, novelas ligeras, series derivadas o libros que recogen las fichas de los personajes y expliquen detalles sobre el mundo donde se desarrolla la historia. Berserk, un manga que lleva publicándose desde los años 80 y que además tiene una buena legión de seguidores (entre los que me encuentro), no iba a ser una excepción.

Berserk: Guía Oficial es, como su nombre apropiadamente indica, una guía sobre la célebre y veterana obra de Kentaro Miura, un tomo que recopila un buen puñado de información conocida y otra menos sabida, además que desvela los puntos clave de la historia y casi todos los aspectos que se le pueda ocurrir a uno sobre los personajes y el mundo en el que se mueven.

El caso de Hana y Alice

Alice y su madre se acaban de mudar a una nueva ciudad, para disgusto de la primera y contento de la segunda. Para añadir leña al fuego, Alice no será muy bien recibida en el instituto, y todo por una leyenda urbana sobre el chico que antaño se sentaba en el mismo pupitre que ella.

Apenas unos días después de ver Ancien y el mundo mágico, fui a ver El caso de Hana y Alice (Hana to Arisu Satsujin Jiken, 2015) sin saber nada sobre ella, solo con la certeza de que era una proyección única y si me la perdía lo mismo lo lamentaría después. Así habría sido.

Erin, de Esther Lecina

Una las historietas que más me gustaban de las que se publicaban en el encarte de la extinta (y no muy longeva) revista Guru Guru, era Erin: Memorias de una mercenaria, un tebeo de una tal Esther Lecina, que antes de eso me sonaba por otro tebeo que publicó en otra revista sobre manganime, Neko (Ramsés, era el título del cómic, también muy entretenido). La cuestión es que andaba yo un día tuiteando, y observé que la autora estaba por Twitter, así que ni corto ni perezoso le dediqué estas palabras: “Lo que molaba 'Erin, memorias de una mercenaria'”, a lo que ella respondió “Con un poco de suerte habrá Erin en un futuro no muy lejano”. Y no fue muy lejano (pero tampoco muy cercano), ya que la autora, aunque no me lo dijo, estaba enfrascada en la realización de la versión definitiva de su manga de fantasía heroica, que vería la luz finalmente en 2017.

Erin es una jovenzuela que intenta labrarse un futuro como mercenaria, oficio que ejerció su admirado tatarabuelo, pero nadie la toma en serio. Tras cierta negra jornada, donde ha perdido el empleo y se le ha quedado pegado a la cabeza un adorable bicho negro, emprende viaje y por el camino se tropieza con una elfa en apuros que se unirá gustosamente a ella, y con la cual elegirán la primera misión: ir en busca del Corazón de Akmar.

Han Solo: Una historia de Star Wars

 

Decía un espectador descontento al final de la proyección, que Han Solo: Una historia de Star Wars (Solo: A Star Wars Story, 2018) era una muy divertida película de aventuras y fantasía, pero que no tenía nada que ver con lo que es la saga de La guerra de las galaxias, a lo que un servidor se preguntó: ¿de verdad cree este hombre que el resto de filmes de la franquicia no son cintas de aventuras fantásticas? Dado que era una pregunta retórica (y que no fue verbalizada), obviamente no me respondió, pero sí, Ron Howard ha hecho una cinta que tiene todos los elementos esperables casi por cualquier espectador, y quizá por eso haya quedado una historia divertida, pero a la que le falta enjundia.

Han Solo malvive haciendo trabajillos para la mafia local con Qi'ra, su amorcito. Solo sueña con ser el mejor piloto de la galaxia, ambos desean tener su propia nave y correr mil aventuras en ella.

Tenet

El protagonista de la historia tiene la responsabilidad de salvar a la humanidad de algo peor que una guerra nuclear, la destrucción total de la humanidad auspiciada por personas que quizá todavía no hayan nacido.

A estas alturas decir que el nombre de Christopher Nolan es sinónimo de evento cinematográfico es una perogrullada, pero es algo que las salas pedían a gritos, ya que estrenos que levanten tanta expectación y debates como el de Tenet (ídem, 2020) les son muy necesarios, puestos que la mayoría están sufriendo de lo lindo a causa de la pandemia.

La caza

Un grupo de personas se despierta amordazada en mitad de un bosque. En un claro hay una gran caja repleta de armas de todo tipo, de repente alguien les dispara y echan a correr. Uno a uno comienzan a caer: están en una cacería y ellos son la presa.

Películas donde un grupo de personas son perseguidas y cazadas por otro (sádico) grupo las hay a pares. Se me ocurre aquella cinta protagonizada por Rutger Hauer, Juego de supervivencia, o, salvando las distancias, 31, de Rob Zombie, la mítica Perseguido con Schwarzenegger como gran protagonista o Blanco humano, con un melenudo Van Damme dirigido por el inefable John Woo. Así que La caza (The Hunt, 2020) no es que estuviera en mi órbita, más cuando había leído algún comentario que no la ponía por las nubes precisamente y, también, la nota en Filmaffinity no llegaba al aprobado (aunque no es que dicha nota se pueda tomar como referencia infalible). No obstante, el hecho de que no supiera qué ver, y que se me apeteciera desconectar un poco tras visionar varios dramas de forma consecutiva, hizo que optara por pagar la entrada para ver la película dirigida por Craig Zobel (Compliance) y escrita por Nick Cuse (The Leftovers) y Damon Lindelof (Perdidos, Watchmen).

Biblioteca Studio Ghibli: La princesa Mononoke, de Laura Montero Plata

De reojo, casi sintiéndome culpable, miro los lomos de los libros que esperan en las estantería a ser leídos. Mi mirada se centra especialmente a los dedicados a Ghibli, que se van acumulando de forma lenta pero constante y, por una u otra cosa, no leo desde 2018, cuando degusté Miyazaki en Europa.

Así que me he dicho que tengo que ir poniendo solución a esta tensa situación, empezando, lógicamente, por el que más tiempo llevaba cogiendo polvo, Biblioteca Studio Ghibli: La princesa Mononoke, de Laura Montero Plata.

Laura Montero es de sobras conocida por su gran libro El mundo invisible de Hayao Miyazaki, así que tenía mucho interés por descubrir sus indagaciones, análisis y conclusiones sobre una de las películas más importantes del estudio y de su director, por lo que leí con atención e interés desde la primera hasta la última línea. Ya adelanto que no defrauda.

El señor de los anillos

Era una película que había visto numerosas veces, y además a un buen precio, en diferentes establecimientos, nunca decidiéndome a comprármela a pesar de la curiosidad que me despertaba. Pero el reestreno a cuenta de su cuadragésimo aniversario, allá por 2018, fue una señal que no podía eludir.

El señor de los anillos (The Lord of the Rings, 1978) narra las aventuras de Frodo y la Compañía del Anillo en su viaje para destruir el Anillo Único y, de este modo, terminar con la amenaza del Señor Oscuro: Sauron (bueno, lo llaman Soron).

Tres anuncios en las afueras

Una madre inicia una cruzada contra la policía al considerar que no están haciendo lo suficiente para resolver el caso de su hija.

Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, 2017) no entraba en la lista de películas que me interesaban ver, no obstante la lectura de un artículo en una revista, más las buenas impresiones generales que había leído en Twitter, hicieron que terminara siendo incluida en la misma, relegando incluso otras cintas para ello (El instante más oscuro, dirigida por Joe Wright, realizador que me gusta mucho). Durante un momento de la proyección temí que no se tratara de un film tan merecedor de los halagos, pero al final me dejó un poso por el que, decidí, había merecido la pena verla en una sala.

La profesora de piano

El día en el que Lara Jenkins cumple 60 años, su hijo Viktor, del que está distanciado (como, parece, del resto del mundo), tiene su primer concierto en el que tocará piezas compuestas por él. Lara vagará por la ciudad mientras intenta ver a su retoño antes del recital.

A fuerza de ver su avance en más de un par de ocasiones, La profesora de piano (Lara, 2019) terminó por atraerme lo suficiente como para decidir visionarla en pantalla grande. Sin duda llamó mi atención su protagonista, una mujer en apariencia severa y rígida, con un sentido del humor un tanto cruel, pero quizá más débil de lo que parece. Eso fui a ver, y con ello me encontré.

Bloodshot

Ray Garrison es un eficaz militar que, tras salvar a unos rehenes, es atacado y asesinado. Pero una empresa tecnológica le devuelve a la vida para formar parte de la punta de lanza de los soldados del futuro, mas él parece más interesado en la venganza.

Tuve la suerte de que me tocaron dos entradas para ver Bloodshot (ídem, 2020), pero la mala pata de que se declarara el estado de alarma, y con él el confinamiento, y al final no solo pasara la promoción, sino que la película, dirigida por Dave Wilson (que ha trabajado sobre todo en efectos especiales en videojuegos), obviamente, cayó de la cartelera. Pero he tenido una segunda oportunidad tras la reapertura de los cines, cosa que he aprovechado.

Yudoku, de Aran y Gina Vila

¿Y si existieran personas que, sin saberlo, intoxican a quienes les rodean haciendo que actúen de forma violenta contra otros? Eso es lo que averiguaron que eran, muy a su pesar, Shun y Tora, dos amigos que ahora viven alejados de la sociedad, pero buscando a más personas como ellos. Hasta la fecha no han tenido éxito, pero Shun está seguro de que Sika, la guitarrista de un famoso grupo, también es una yudoku, eso a tenor de la larga lista de muertes y desgracias que han acaecido a su alrededor.

Conocí la existencia de Yudoku gracias al catálogo manga que Norma Editorial suele publicar cada año, y como le vi buena pinta y me gusta el tebeo español estilo nipón, me hice con él. Lo leí con agrado y lo reservé para releer con la sana intención de escribir unas líneas sobre el mismo (además de pasar otro rato entretenido, que con tantas novedades se nos olvida volver a degustar viejas obras).

Maquia: Una historia de amor inmortal

 

Maquia es una iorph, una raza cuya longevidad es tal que a ojos de los humanos son inmortales. Viven separados del resto del mundo tejiendo historias en un inmenso telar (hibiol), pero la aparente paz de Maquia y todos los iorph pronto se desvanece ante la invasión de un poderoso y ambicioso reino, escapando Maquia por puro azar, terminando sola en una tierra que no conoce.

Dio la casualidad que Maquia: Una historia de amor inmortal (Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana o Kazaro, 2018) se estrenó un fin de semana que me iba a ser imposible ir a verla, así que pocas esperanzas me quedaban de poder visionarla, y por lo poco que había visto y leído sobre ella era una auténtica pena no hacerlo. Pero hubo un poco de suerte, ya que muchas salas la mantuvieron unos días más, aunque con poquísimas sesiones y la mayoría matinales, lo cual personalmente no me importaba, pero seguro que eso no ayudó mucho a que acudiera una masa muy grande de espectadores a visionarla.

Kingsman: El círculo de oro

Eggsy sufre un ataque por parte de un tipo con un brazo mecánico y otros cuantos energúmenos, del que sale bien parado aunque no lo consigue con facilidad. Por desgracia solo es un anticipo de un gran golpe que recibirán los Kingsman, quienes tendrán que recurrir al protocolo de máxima urgencia, y conocer de este modo la organización hermana Statesman.

En 2014 Matthew Vaughn sorprendió y divirtió con Kingsman: Servicio secreto, adaptación de un cómic de Mark Millar y Dave Gibbons con mucho sentido del humor y un poco gamberra. Debido a su éxito estaba cantado que habría más entregas y, aparentemente, sus responsables (esta secuela también está firmada por Jane Goldman y el propio realizador) debían tenerlo meridianamente claro cuando se estrenó apenas tres años más tarde.

Little Joe

La ola verde (Que sea ley) fue la última película que vi en pantalla grande antes de que se decretara el estado de alarma, lo hice tres días antes de dicho día, en una sala cuyo aforo se había limitado a un tercio y que ni siquiera llegó a ese cupo. Tres meses y seis días más tarde he ido otra vez al cine, con las mismas limitaciones de aforo pero en esta ocasión con la obligatoriedad de la mascarilla y, supongo, un protocolo de seguridad más estricto (limpieza y desinfección, básicamente).

No tenía unas ganas enormes de volver al cine, he tenido que revisar varias veces la escueta cartelera para que al final me decantara por una película. De hecho, no tengo prisa por lanzarme a la llamada nueva normalidad, no tengo ansias de salir a ningún sitio como tampoco lo tenía por ir al cine. Pero la sinopsis de Little Joe (ídem, 2019) consiguió moverme de mi relativa comodidad y seguridad casera.

El pasajero (The Commuter)

Michael MacCauley, un vendedor de seguros que lleva haciendo el mismo trayecto en tren los últimos diez años, es abordado por una misteriosa mujer que le propone un juego: encontrar a una persona desconocida en el tren a cambio de 100.000 dólares. Pronto lo que parecía solo algo hipotético se convierte en una cuestión de vida o muerte.

A lo tonto, Liam Neeson junto a Jaume Collet-Serra están manteniendo una interesante colaboración juntos, con varias cintas de suspense y acción (la que nos toca es la cuarta) muy solventes y entretenidas. Es por dicha razón, y especialmente porque disfruté bastante con Non-Stop (Sin escalas) (creo recordar que Una noche para sobrevivir es la única que todavía no he visto del tándem artístico), por lo que me decanté por ver El pasajero (The Commuter, 2018), de la que no esperaba mucho salvo pasar un intenso rato. No salí decepcionado.

Venom

Eddie Brock es un polémico periodista de éxito pero con el defecto de que se deja llevar por las corazonadas, hecho que hace que pierda su empleo y a su pareja. En sus horas más bajas, y a pesar de que ya ha tirado toda esperanza por la borda, decide hacer caso a una inesperada fuente e investigar por su cuenta a la Fundación Vida, en cuyas instalaciones encontrará algo peor de lo que esperaba.

Venom es un personaje que me encandiló allá por los 90 en la exitosa serie de animación de Spiderman que emitía Antena 3. Me parecía un personaje oscuro y con un diseño la mar de molón, por lo que estaba deseando verlo en una película, hecho que ocurrió gracias a Spider-Man 3, aunque la cosa resultó ser un desastre con instantes de absoluta vergüenza ajena. Pero estaba claro que, en esta época de predominancia de cine superheróico, más temprano que tarde íbamos a ver un film dedicado completamente al personaje creado por Todd McFarlane y David Michelinie, siendo Ruben Fleischer (Zombieland, Gangster Squad) el que se ha encargado de trasladar a la gran pantalla el libreto escrito a seis manos por Scott Rosenberg, Jeff Pinkner y Kelly Marcel.

Cómo entrenar a tu dragón 3

Isla Mema ha pasado de ser un lugar oscuro, donde los vikingos temían y odiaban a los dragones, a otro totalmente opuesto, un refugio para los reptiles alados, e Hipo y compañía en defensores y liberadores de dragones. Pero un nuevo y sagaz enemigo aparece, y joven sucesor de Estoico como jefe de la aldea solo ve una solución: encontrar el Mundo Oculto, un lugar donde los dragones pueden vivir en paz.

Cómo entrenar a tu dragón y su secuela son, probablemente, los dos largometrajes más sólidos de la división de animación de DreamWorks, por lo que la tercera entrega fue largamente esperada, con retraso de estreno incluido, por aquellos que gozamos con las aventuras de Hipo y Desdentao; teniendo, por tanto, altas expectativas que cumplir.

Fireworks

Norimichi está enamorado en secreto de Nazuna, una compañera de clase, la cual no pasa un buen momento al tener pronto que mudarse a otra ciudad. Cuando esta le pide al primero ir juntos a ver los fuegos artificiales, empezará a experimentar saltos en el tiempo por culpa de una misteriosa esfera.

Iba con cierto temor a ver el film de Nobuyuki Takeuchi (que ha trabajado como animador clave en varias películas de Ghibli) y Akiyuki Shinbo (Puella Magi Madoka Magica), puesto que algunos miembros de la Compañía de la Muestra (o sea, aquellos que nos juntamos de año en año en la Muestra Syfy) la vieron en Sitges y no es que salieran contentos precisamente de la sala. No obstante, al ser anime quería darle una oportunidad y verla en pantalla grande, y más ahora que está llegando a las salas de forma regular, sobre todo gracias a Selecta Visión.

Baoh: El visitante, de Hirohiko Araki

Un tren negro se dirige a un destino desconocido, en él viajan contra su voluntad Sumire, una niña huérfana con cierta habilidad, y un arma biológica, a la que llaman Baoh, fruto de las investigaciones del doctor Kasuminome. Sumire usará su destreza para escapar de sus captores y acompañará a aquel que llaman Baoh en su huida de las garras de la organización gubernamental Doress, que está dispuesta a hacer lo que sea para recuperar al arma más mortífera y poderosa (tanto médica como militarmente) jamás creada por el hombre.

Es curioso que Araki mencione a Antonio López, pintor con obras hiperrealistas, en el texto final del tomo, ya que Baoh: El visitante tiene muy poco de realista, y también que afirme en dicho texto que hizo la obra con la idea de que todas las técnicas que usasen los personajes “tuviesen sentido desde el punto de vista biológico”. Es cierto que el autor se toma la molestia de explicarnos cómo funcionan los poderes del protagonista a través de ilustraciones y textos tan imaginativos como divertidos (tienen una ingenuidad muy de ciencia ficción pulp), y lógica tienen, pero, obviamente, no brillan por su realismo y ni falta que hace.